Tiempo de comunicaciones rotas

Tiempo de comunicaciones rotas

jueves, 31 de enero de 2013

PASAJERO: GIRA DE PRESENTACIÓN DE "RADIOGRAFÍAS"


Pasajero se echan a la carretera para presentar su álbum de debut, “Radiografías”. La gira empezará con un concierto muy especial en la sala El Sol y continuará con estas fechas ya confirmadas:



Miércoles, 20 de febrero: Madrid (Sala El Sol)

Viernes, 8 de marzo: Huesca (Sala El Veintiuno)

Sábado, 9 de marzo: Barcelona (Let´s Festival)

Viernes, 22 de marzo: Requena (Sala El Perro Verde)

Sábado, 23 de marzo: Elche (Sala Subway)

Sábado, 20 de abril: Toledo (Sala Picaro)

Viernes, 26 de abril: Albacete (Sala Pussy Wagon)

Sábado, 27 de abril: Valencia (sala por confirmar)

LOS CENCI, DE ARTAUD: LOS LATIGAZOS DE LA CONCIENCIA

Al inicio de la función, una imagen bellísima nos sobrecoge nada más iluminarse el escenario. Dentro de una piscina de cristal Beatriz (Celia Freijeiro) se mueve dentro del agua apenas tapada con un vestido blanco, lo que nos retrotrae a la pureza en sí misma, que aquí se nos aparece sumergida bajo los signos de la purificación y la salvación del agua. Sin embargo, poco nos dura el idilio con la pureza, pues Los Cenci es una tragedia sobre la condición humana que, para intentar salvarse, se refugia en lo latigazos de la conciencia, como única opción para justificar una vida de dolor, desgarro y llanto. Cuando la crueldad llama a nuestra puerta, sólo nos queda trepar por sus raíces para salvarnos de su latigazos, aunque más tarde, lleguemos a la conclusión que, como cualquier otra hierba mala que crece en nuestro jardín, sólo nos la podemos quitar de encima con la muerte. Muerte propia y ajena que redondea los límites de la mente de Artaud, padre del teatro moderno y máximo representante del Teatro de la crueldad.

Con estos ingredientes, Sonia Sebastián aborda la versión y la Dirección de escena que, se representa en Teatro Español hasta el próximo 3 de marzo, de una forma no menos valiente. Hay agresividad y mucha en la puesta en escena. Escalones grises, altares donde poder violar y ejecutar, barras de circo y entramados desde donde poder colgarse para evadirse o contemplar la tragedia. Esas aristas puntiagudas que nos amenazan en las formas, también nos acompañan en el sonido; un sonido estruendoso e inhóspito como el peor de los desarraigos, lo que unido a un vestuario mitad futurista, mitad renacentista, nos hacen navegar por las aguas de la tiranía, representada para la ocasión, por un aristócrata de la Italia del siglo XVI, que confiado en el poder de sus turbias convicciones, confronta sus fuerzas contra la no menos turbia tiranía de la fe impuesta por el Papa de Roma. Poder terrenal y poder religioso salen muy mal parados en este ensayo que sobre la condición humana Artaud soñó allá por 1935, para quizá, calmar su alma convulsa. Decía Artaud que: ”el Teatro de la crueldad ha sido creado para devolver al teatro una concepción de la vida apasionada y convulsa; y en este sentido de violento rigor, de extrema condensación de los elementos escénicos, ha de entenderse la crueldad de ese teatro”. Teatro cruel sí, que mancilla la dignidad de las mujeres. Una mujer no necesita recibir golpes para ser golpeada nos dice Beatriz en un momento de la representación. Y tiene razón, a veces los golpes los llevamos por dentro como las violaciones o el maltrato, lo que nos lleva a pensar, casi al instante, lo oportuno de esta representación. Los Cenci no es, sino el reflejo más actual del ser humano, da igual que la historia esté ambientada en el siglo XVI o que Artaud la representara en el siglo XX, porque a día de hoy, resulta tan actual que da miedo. Conclusión: el Hombre, en sí mismo, es incapaz de despojarse de sus crueldades y persiste en ellas por los siglos de los siglos…

No obstante, esta valiente, atrevida, moderna y acertada versión de Sonia Sebastián, hace aguas en el reparto, lo que ya se pone de manifiesto en el primer diálogo que mantienen Francisco Cenci (Celso Bugallo) y Camilo (Luis Zahera), el primero porque ni su voz ni su presencia transmiten la fuerza que su personaje necesitan, y el segundo porque a pesar de su calculado manierismo religioso vocaliza el texto con un marcado acentazo gallego que echa para atrás, haciéndonos imposible ubicarle en la vieja Roma. Sin embargo, el contrapunto luminoso en este valle de tiniebla, lo pone Beatriz (Celia Freijerio), con una interpretación acertada, sentida y muy vívida, de una joven mancillada por su padre, a la que acompaña muy bien (a pesar de su inicial pose acrobática) una madura Maru Valdivieso, que a medida que avanza la función gana enteros.

A todo ello, habría que añadir la primacía de la imagen, los gestos y la escenografía sobre las palabras, quizá porque como muy bien dice Javier Villán: “palabra literaria no es palabra dramática”.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

martes, 29 de enero de 2013

MAGNÉTICA EN EL FESTIVAL FIMRI 2013

Magnética da un giro de 180º, dejando aparte su lado más pop, para adentrarse en la búsqueda de un sonido más personal con el cual poder expresarse libremente sin ningún tipo de ataduras. Dicha búsqueda da lugar a Friogenia, Lp compuesto por 11 canciones libres de cualquier etiqueta, buscando únicamente la conexión entre el intérprete y el receptor mediante sonidos y melodías libres de cualquier prejuicio sonoro.

El mensaje de Magnética es una clara declaración de intenciones en cuanto a la manera que ellos tienen de ver la vida. Las letras para estos dos músicos son una constante reivindicación de cambio y que una nueva manera de hacer las cosas es posible. Dichas letras son acompañadas de melodías y sonidos cuidados al más mínimo detalle, que hacen despertar sentimientos en quien las escucha.

www.magneticaonline.com/
https://facebook.com/magneticaonline

PRESENTACIÓN DEL EP DE ALFA + LA NOVELA "RUIDO EN EL CORAZÓN" (DE ENA, CON BSO DE MOTEL). ESTE SÁBADO, 2 DE FEBRERO. ROCK ESTATAL CLUB. ENTRADA GRATUITA‏

El rock y la literatura se unen en la doble presentación de la novela “Ruido en el corazón” (Madrid y Castellón).

La música de Alfa sirvió, entre otras más, para inspirar hace unos años a Eloísa Nos Aldás (ENA), en la creación de una novela que ve estos días la luz, “Ruido en el corazón”. Disponible a través de plataformas digitales, con banda sonora original incluida, “Ruido en el corazón” es una “canción rock novelada” que se ha editado de manera independiente por la propia autora y que narra los encuentros y desencuentros de los jóvenes líderes de dos bandas de rock enfrentados por una mujer.

Esta singular propuesta artística, que bebe de canciones de formaciones como Motel, Buenas Noches Rose, Perros de Paja o Las Ruedas, se presentará con una serie de acústicos que tendrán lugar en Madrid y Castellón. El primero de ellos, el de Madrid, se celebrará el próximo 2 de febrero en el Rock Estatal Club. Nando López (Motel), Pedro Sanjuán (Las Ruedas) y Alfa serán los encargados de poner la banda sonora a la noche. Una velada, que además servirá de “presentación acústica” de “El Segundo Oficio Más Viejo Del Mundo”, cuya puesta de largo oficial y con banda se desarrollará el próximo 21 de marzo en Moby Dick.

Eso no es todo, este formato de presentación músico-literaria se repetirá días después, el 8 de febrero, en la sala Veneno Stereo de Castellón.

El propio Alfa se ha referido a la novela como: “Es un texto con estribillo, una canción llena de diálogos... En cada palabra está impreso el amor de la escritora por la música. Todo sucede bajo una mirada dulce y despiadada a la realidad del músico en el país de estos tiempos. Acaso es una historia que cuenta la vida de un puñado de camicaces empeñados en no despertarse del narcótico sueño del rock and roll... Ruido me ha hecho sonreír durante cuatro o cinco horas... aunque los personajes no sean reales pero las canciones sí... ¿o era al revés?”.
¿Cuándo?: 2 febrero 2013
¿Dónde?: Rock Estatal Club, Madrid
Entrada: gratuita hasta completar aforo
Más información: www.alfamusica.com
@alfamusica
Facebook.com/alfamusica

JULIO DE LA ROSA PUBLICA HOY SU NUEVO DISCO

Tras el éxito de crítica y público de La Herida Universal, Julio de la Rosa presenta su nuevo disco: Pequeños Trastornos Sin Importancia. En cierto sentido, la continuación lógica de su anterior álbum y, probablemente, la obra cumbre de su carrera por su libertad, su honestidad y unos estribillos memorables que harán las delicias de fans y profanos. Para ello, De la Rosa se ha hecho acompañar de algunas de las mejores voces del panorama nacional: Josephine Ayling (Boat Beam), Bunbury, Ana Franco (Coffee & Wine), Nahúm García (Clint), Miren Iza (Tulsa), Nieves Lázaro (J.F.Sebastian), Ainara LeGardon, Dani Llamas (Gas Drummers), Xoel López, Juan Alberto Martínez (Niños Mutantes), Hannot Mintegia (Audience), Miguel Rivera (Maga) y Anni B. Sweet y, como banda, de los mismísimos Havalina: Ignacio Celma al bajo, Manuel Cabezalí a la guitarra, Javier Couceiro a las percusiones, más Jorge Fuertes (We are Standard) a la batería, Abraham Boba al piano y Pau Roca (La Habitación Roja) también a la guitarra.

THOMAS E. LAWRENCE, CAMINO DE ÁKABA (TRADUCCIÓN DE LORENZO SILVA): LAS CLAVES DE UNA ODISEA

Decía Paul Bowles que uno no vuelve a ser el mismo después de visitar el desierto, porque esa sempiterna línea imaginaria que divide el cielo azul de la tierra caliente se adhiere a la parte más íntima del ser humano para no soltarla nunca jamás. En este sentido, su célebre novela, El cielo protector, se convierte en la intrahistoria de un alma herida (la de Port, alter ego de Bowles) que convertirá su viaje hacia el desierto en una aventura de difícil retorno. Esa vena existencial que los occidentales desarrollan de una forma tan esporádica pero intensa en los confines que separan Oriente de Occidente es la que transpira por las cartas que componen este Camino de Ákaba; una intrahistoria epistolar que nos pone de manifiesto las claves de una odisea. Todo ello, bajo la cínica mirada de una época actual, donde la falta de valores parece el bien más preciado. Pero como suele suceder en las películas de buenos y malos o de princesas y hadas madrinas siempre hay un último refugio, que en este caso, nos llega de la mano de Thomas Edward Lawrence y gracias a la más que acertada traducción de Lorenzo Silva (por limpia y ágil) de las cartas que a lo largo de 1917 escribió este oficial inglés (más conocido como Lawrence de Arabia), y que nos dan las coordenadas de una época y una historia que trata de transmitirnos la posibilidad de alcanzar “lo imposible”. Ese luchar para no vencer, a veces, se transforma en una victoria inesperada y convierte una odisea en una hazaña perdurable en el tiempo. Y para ser conscientes de ello, baste sólo recordar el manual del perfecto agente secreto que, a lo largo de veintisiete puntos, describe las cualidades que se deben de tener para ganarse la confianza de los árabes. Lo que convierte a esa carta en un testamento vivo y más que llamativo del poder y la inteligencia de Lawrence, pues no deja un cabo suelto, aparte de dejarnos muy claro sus grandes dotes como estratega.

Además, y aparte del relato de la campaña que Lawrence hace a sus mandos, donde expresa con suma energía y rapidez los acontecimientos que cambiaron lo que hoy conocemos como Oriente Medio, cabe resaltar ese otro lado del personaje, más íntimo y cercano, a través de las cartas que escribe a su familia, en las que podemos apreciar a un ser culto y preocupado por el arte y la cultura en general, pues no se nos debe pasar por alto su vertiente de arqueólogo primero y de brillante escritor después, como transmisor de sus vívidas experiencias, que plasmó en las novelas autobiográficas Los siete pilares de la sabiduría y El Troquel. En definitiva, Lawrence fue un hombre intrépido, que supo vivir en la frontera que divide la realidad de los sueños; una dualidad que quedó muy bien retratada en su famosa frase: “existen dos clases de hombres: aquellos que duermen y sueñan de noche y aquellos que sueñan despiertos y de día… esos son peligrosos, porque no cederán hasta ver sus sueños convertidos en realidad”.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

sábado, 26 de enero de 2013

CYAN, DELAPSO: YA PUEDES ESCUCHAR EL TEMA "UN COLECTIVO DE RARO PROPÓSITO"



El disco se publica el próximo 12 de febrero y la banda ya ha anunciado las fechas de su Gira Presentación.

“Delapso” nace de una serie de necesidades involuntarias: la de reencontrarse con un bagaje musical más oscuro y menos evocador que en anteriores entregas. La de mostrar su fascinante universo cultural e intelectual a través de sus canciones. La de cautivar a propios y extraños con un sonido aparentemente sucio, singular, que les acerca a un rock más intuitivo, emocionante y poliédrico y que; definitivamente, les aleja del pop inofensivo convencional.

Aquí afinan el tiro. Basta una escucha de “Un colectivo de raro propósito” para empaparse de su nueva rotundidad. Y es que el tema (elegido como primer sencillo) sólo es la primera bofetada en la cara de los más incautos. Se les nota seguros de sí mismos, inmensamente contundentes, incisivos.

Las guitarras vuelan en el disco, las bases atronan y la personalísima voz de su vocalista da cuerpo y músculo a un repertorio con un estilo único y exquisito al servicio de las canciones.

miércoles, 23 de enero de 2013

JOHN FANTE, PREGÚNTALE AL POLVO: LOS LABERINTOS POR LOS QUE TRANSITA UN ESCRITOR EN CIERNES

El ansia por buscar el éxito nos puede obligar a transitar por caminos no deseados, y no sólo eso, porque podemos acabar siendo la víctima de nuestras propias pretensiones. En este sentido, la marginalidad siempre ha sido una fuente inagotable de guiones y secuencias de vidas que transcurren en el filo de la navaja; una realidad, a la que John Fante ha dotado de ingredientes tan infalibles como los de un protagonista con un temperamento tan cambiante como caótico; o como las de una acción que, se divide a partes iguales, entre la sombra del fracaso que se ciñe sobre la vida y los actos de su álter-ego Arturo Bandini, y la luz de la gloria que de vez en cuando le asiste y con la que intenta impregnar de épica a una literatura apegada a la calle. Hay que decir, que este experimento narrativo no fue baldío, pues las experiencias personales de Fante, que tan bien llevó a la ficción a lo largo de cuatro entregas, fusionando la metaliteratura con la vida, inauguraron lo que se dio en llamar como realismo sucio (Bukowski, máximo representante de tal movimiento, y autor del prólogo de la novela, reclama a Fante como su maestro). Y después de leer Pregúntale al polvo, no nos cabe la menor duda que esa elección no fue meditada en el tiempo, sino que el autor, víctima de la búsqueda de su propia gloria, fue en su busca a las calles de Los Ángeles, porque cuando uno no tiene nada que contar porque su vida no es lo suficientemente relevante o llamativa, se lanza a la calle como un detective en busca de material con el que rellenar un folio en blanco tras otro. Y esto es lo que le sucede a Arturo Bandini, a todas luces, alter ego de John Fante, que en su doblez personal representa como nadie esa dualidad ángel-demonio que todos llevamos dentro, pero que en su caso, tiene tintes épicos y melodramáticos, respectivamente.

La naturaleza humana más elemental y transparente, sale retratada en esta historia de búsqueda de la creación literaria, pero también del amor, la pasión, el odio o la autodestrucción, porque Bandini busca el cielo a través de la escritura, y sale a la calle a buscar el infierno, pero no el de los demás, sino el propio, como si fuera un animal que excava en la tierra para enterrar en ella sus excrementos. Sus obsesiones y la dualidad amor-odio que se profesa y con la que castiga a los demás, es parcialmente atenuada por los reflejos de la religión a la que se adhiere cada vez que tiene que redimirse de sus pecados; un matiz que no nos pasa desapercibido, como tampoco lo hace el sarcasmo y la ironía de muchas frases y fases del relato, que transcurre en buena parte en la soledad más absoluta del protagonista. Esa soledad autoimpuesta como mejor forma de llegar al éxito, junto con el laberíntico universo de Bandini, es lo que ha hecho que siempre se le haya comparado a John Fante con Knut Hamsun, sin caer en el análisis que dicha comparación supone. El lirismo desesperado y poético del individuo que protagoniza las páginas de Hambre de Hamsun, es el de un hombre anónimo del que tan siquiera conocemos su nombre ni su familia, y en esa absoluta falta de referencias, sólo sabemos que ha proyectado una ruta propia hacia el abismo más absoluto, donde la escritura sólo es un medio de vida que poco a poco dejará de servirle. Sin embargo, en Pregúntale al polvo, la soledad de Bandini no es completa, y el protagonista sí quiere encontrar una ruta que le lleve al éxito, aunque para ello tenga que tirarse a la calle a vivir experiencias que por sí mismo no es capaz de crear o simplemente desconoce. En las frases de Fante sí existe la épica, pero en ningún caso alcanzan el nivel y la gloria de la prosa poética del Premio Nobel Knut Hamsun que dota a su personaje de unos matices más puramente existencialistas.

En definitiva, Pregúntale al polvo es un magnífico ejemplo de una escuela de escritores que se inició con el propio Fante, y en cuya nómina podríamos añadir nombres como Bukowski, Carver, y por qué no, Kerouac, Burroughs o Ginsberg.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

martes, 22 de enero de 2013

PORCIONES CREATIVAS: ANTOLOGÍA DEL CONCURSO DE MICRORRELATOS "PLUMA, TINTA Y PAPEL"

Para cualquier consulta acerca de la antología pueden escribir a la dirección de contacto que el colectivo pone a su disposición: reserva@diversidadliteraria.es

Mi microrrelato Trovadores in the tube está incluido en la antología, al ser uno de los seleccionados para la publicación.

TROVADORES IN THE TUBE
"Nos desplazamos sobre raíles oxidados que protestan a nuestro paso. Mientras ellos chirrían, nosotros somos derrotados por el silencio. Viajamos aplastados por la rutina, temerosos hasta de mirarnos. Las puertas se abren, y el roce de los rieles que las guían, emiten un sonido agudo que a ellos les recuerda dónde están y cuánto les queda para llegar, pero que a mí me avisa que no estoy solo".

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

RUSOS BLANCOS, HOLYWATER, NADADORA Y PASAJERO: CONCIERTOS EN MADRID‏

CYAN, DELAPSO TOUR (GIRA 2013)

Gorka, Sebas, Javi y Jordi sabían mejor lo que no querían para su disco que lo que sí. Y, partiendo de esa peligrosa premisa, han construido un disco maravilloso, mimado textualmente al detalle, en el que han acentuando sus virtudes (o potenciado sus defectos, según la panorámica).

“Delapso” nace de una serie de necesidades involuntarias: la de reencontrarse con un bagaje musical más oscuro y menos evocador que en anteriores entregas. La de mostrar su fascinante universo cultural e intelectual a través de sus canciones. La de cautivar a propios y extraños con un sonido aparentemente sucio, singular, que les acerca a un rock más intuitivo, emocionante y poliédrico y que; definitivamente, les aleja del pop inofensivo convencional.

Aquí afinan el tiro. Basta una escucha de “Un colectivo de raro propósito” para empaparse de su nueva rotundidad. Y es que el tema (elegido como primer sencillo) sólo es la primera bofetada en la cara de los más incautos. Se les nota seguros de sí mismos, inmensamente contundentes, incisivos.

Las guitarras vuelan en el disco, las bases atronan y la personalísima voz de su vocalista da cuerpo y músculo a un repertorio con un estilo único y exquisito al servicio de las canciones.

Juan Casanovas (su experimentado técnico de directo, que ha acompañado al grupo en alguno de sus conciertos) se ha encargado de parte del proceso de mezclas, plasmando en ellas la esencia de sus conciertos. Sin embargo, en “Delapso”, se lo han hecho casi todo ellos (pre-producción, grabación, arreglos, parte de las mezclas, masterización), por eso no hay nada al azar.

Cyan han decidido, sin proponérselo, emprender el camino más largo. El más creíble y, por tanto, el más difícil. Pero también el más honesto y apasionante: el de no retorno.

KUVE ESTRENA "REGRESIÓN" CON LA CANCIÓN NADIE TE DIJO


El grupo Kuve, formado por Maryan Frutos (voz) y Carlos Otero (guitarra), sacará al mercado su primer disco “Regresión” (BMG RIGHTS) el 26 de febrero. Mientras, nos ofrece un adelanto del mismo con su primer single “Nadie te dijo”. Un tema compuesto en clave rabiosamente pop, pero que en la nueva versión del disco crece y se transforma en reflejos y ecos distorsionados en la voz de Maryan, para transgredir las fronteras del género y llegar a un nuevo territorio donde los sonidos de Kuve suenan más solemnes.




NIÑOS MUTANTES, FIN DE GIRA: MADRID, 15 DE MARZO

15 de Marzo 2013 (Viernes)
Sala Joy Eslava. Madrid.

Concierto Fin de Gira "Náufragos" dentro del ciclo Pop & Dance 2013 (Intromúsica).

Niños Mutantes ha cerrado 2012 con 32 fechas a sus espaldas y tras el llenazo de la trigésimo segunda en Valladolid, recoger el Premio Pop-Eye al mejor disco 2012, la nominación a cuantas listas se han hecho a lo Mejor de 2012 en cuanto a Música se refiere, varios SOLD OUTS por la geografía española y participar en casi todos los Festivales de 2012; ahora nos anuncian las primeras fechas de 2013 con varios conciertos muy especiales diseñados para cada ocasión: Acústicos, Semi Acústicos, Banda completa, Teatros y la guinda del pastel, el Show especial cierre de Gira en Madrid el próximo 15 de Marzo (Pop & Dance), que promete ser tan intenso como el cierre de la anterior etapa en la madrileña sala Rock Kitchen allá por Octubre 2011.

Última oportunidad para verles antes de que el grupo se encierre a facturar su siguiente LP. Un Concierto de Fin de Gira no es sólo un concierto, es una fiesta en la que hay muchas cosas que celebrar. Por ejemplo, poder haber hecho un disco nuevo y haberlo defendido en 37 conciertos en 12 meses, haber logrado el Premio Pop-Eye al mejor disco del año, haber crecido sin parar en fieles mutantes por doquier, agotar las entradas en varios de sus conciertos o haber compartido escenario con grandes y admirados amigos que amenazan con estar presentes tan señalado día.

Por todo esto, el día 15 de Marzo en Madrid, la banda hará el Show especial Fin de Gira, que no se podrá llamar concierto a secas y que incluirá variadas y grandes sorpresas que aún no podemos desvelar. Una de ellas será el grupo invitado a telonear a la banda.

2012, año mutante! ...¿y 2013?

jueves, 17 de enero de 2013

"REGRESIÓN", EL NUEVO DISCO DE KUVE SALDRÁ A LA VENTA EL 26 DE FEBRERO, Y DE MOMENTO, NOS ADELANTA SU PORTADA

Desde Fragmentos nos queremos hacer eco de la noticia, rescatando la reseña del concierto que ofrecieron, hace ahora un año, en la Sala Costello Club de Madrid dentro del IV Festival Subterráneo.
KUVE EN EL IV FESTIVAL SUBTERRÁNEO EN EL COSTELLO CLUB: LOS REFLEJOS MUSICALES DE LO QUE PROMETE SER UN GRAN DISCO.

Kuve, inauguró anoche en la Sala Costello de Madrid, la IV edición del Festival Subterráneo; un evento que intenta acercarnos a los nuevos valores de la música española de una forma abierta y sin tapujos a través de los conciertos en directo. Maryan Frutos y Carlos Otero (Kuve) basaron su actuación en los temas de su primera maqueta denominada como ellos mismos, Kuve, y que ya tuvimos la ocasión de escuchar el año pasado. Unas canciones, a las que en esta ocasión, unieron la presentación de tres temas nuevos, sin duda lo mejor de la noche, pues se comportaron como los reflejos musicales de lo que promete ser un gran disco de canciones que contienen el perfecto binomio de la dulzura (en la voz de Maryan) y la garra (en las cuerdas de la guitarra de Carlos). Un cóctel cuyo resultado final son composiciones rabiosamente pop, que tal y como nos confesaron en el camerino al final del concierto los propios Maryan, Carlos y Mr. Kuve (Sean Frutos), serán el eje de su nuevo trabajo junto a temas que ayer todavía no nos mostraron, pero que por lo que escuchamos, se mueven en ese nuevo ámbito de la fuerza y la necesidad de búsqueda de unos sonidos francamente mágicos, porque se sumergen en espacios sugerentes y provocadores de buenas sensaciones (esas que te hacen sentir mariposas en el estómago), características ambas, que toda gran canción deben tener. Algo que nos quedó más que claro, cuando nos deleitaron con un futuro hit llamado Tu último domingo, donde todo gravita entorno a las aristas de una voz intensa (Maryan incluso cambia su forma de interpretar, aunque no las grandes dotes de su voz) que se hace acompañar por la guitarra de Carlos, que en este tema, se ha trasladado a los lugares donde habitan los ecos de las grandes canciones pop de siempre.

Pensando en ese futuro disco que comenzarán a grabar el próximo abril, y suponemos que bajo la tutela en la producción de Raúl de Lara (productor de Second), iniciaron su actuación con un sonido más directo y contundente, lo que ya pudimos apreciar en Nadie te dijo, tema con el que abrieron su concierto ayer en la Sala Costello, y que nos avisaba que algo se ha estado moviendo en las entrañas de Kuve en los últimos meses. Final feliz o Para ti fueron la constatación para los presentes de unos encuentros felices entre voz y guitara, que anoche fueron acompañadas por un bajo y una batería, y que lograron plasmar unas versiones más limpias de las canciones, con un final en Para ti mucho más guitarrero y auténtico a la versión original de la maqueta, lo que empieza a dotar a Kuve de un sonido más definido, por propio, y que En cualquier ciudad supuso la demostración de las grandes dotes de cantante que atesora una alegre y simpática Maryan Frutos, porque como dice el refrán: de casta le viene al galgo, pues para quien suscribe, su hermano Sean Frutos (cantante de Second) tiene la voz más personal y emblemática del panorama musical español.

Fotorrecuerdos, una buena balada pop, anoche se convirtió en una canción con mucha más energía y garra, y fue la antesala del gran momento de la noche cuando sonó Tu último domingo, magnífico ejemplo de lo que debe ser y a buen seguro será el sonido más próximo de Kuve, puro y pleno de fantasía y fuerza, que en nos llevó hasta las mejores resonancias pop anglosajonas reconvertidas en notas cálidas que buscan la rendición de las travesuras inconfesables. Con Regresión, Maryan vuelve a demostrarnos las cualidades de su potente voz, y Carlos la mejoría en las armonías que le ha introducido al tema.

La buena marcha del concierto, se acrecentó cuando sonó Peleando a la contra (otro de los temas nuevos), una sinfonía que nos demuestra el por qué estamos ante la búsqueda de ese nuevo sonido en Kuve, porque los inicios de una canción tranquila se transforman en un ciclón pleno de fuerza, con un ritmo elevado y más que notable (¡chapó!), y que apenas se interrumpe cuando suenan las primeras notas de un potente bajo en Seguirás corriendo, que se manifiesta dinámica, rítmica y efusiva. Una excusa perfecta para llegar a Siluetas de invierno, la tercera y última demostración de lo ya reseñado, porque esta nueva canción incide más y más en ese interesante y más maduro sonido de Kuve que parece haber tomado alas para salir volando hacia un espacio genuino y propio que les hace ser muy suyos, por auténticos. Una virtud que no se perturbó cuando tocaron Dando vueltas, hasta ahora, su tema estrella, y que ayer sonó como el resto de las canciones, densa, intensa, y llena de nuevos matices, como las nuevas canciones de Kuve, porque ayer éramos plenamente conscientes, que estábamos siendo testigos directos de los reflejos musicales de lo que promete ser un gran disco.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

CYAN PRESENTA SU NUEVO DISCO DELAPSO EN MADRID: SALA EL SOL, 11 DE ABRIL

CYAN en MADRID - Sala El Sol
Concierto - Presentación de "DELAPSO"

Horarios:
22,30h Puertas
23,00h Inicio Concierto

Precios:
10,00 € Anticipada (+ Gastos) en Escridiscos - Desde el 26, Diciembre
(C/ Las Navas de Tolosa, 4)
11,00 € Anticipada (+ Gastos) en Ticketea
14,00 € en Taquilla el día del concierto

MAGNÉTICA: GIRA 2013


Tras un año de parada obligatoria Magnética regresa con aires y energías renovadas, presentando su segundo Lp llamado “Friogenia”, palabra inventada por la banda con la cual definen el “Principio del frío” o “Estado en el que se encuentra una persona en el momento de dar un paso hacia algo importante en su vida”.

Magnética da un giro de 180º, dejando aparte su lado más pop, para adentrarse en la búsqueda de un sonido más personal con el cual poder expresarse libremente sin ningún tipo de ataduras. Dicha búsqueda da lugar a Friogenia, Lp compuesto por 11 canciones libres de cualquier etiqueta, buscando únicamente la conexión entre el intérprete y el receptor mediante sonidos y melodías libres de cualquier prejuicio sonoro.

Friogenia es la consecuencia en un momento de inflexión en las vidas de Aksel e Israel, en el cual la necesidad de hacer canciones les llevó a realizar diversos viajes. Dichos viajes, bajo un halo de intimidad absoluta aportaron a sus nuevas composiciones una nueva manera de entender su música y poder crear su propio universo sonoro, un universo el cual ellos sienten como parte de sí mismos. Tales canciones contienen una gran dosis de energía, acompañadas de unas letras abstractas y realistas, que hacen que el receptor deje volar su imaginación y conecte al instante con la banda. El mensaje de Magnética es una clara declaración de intenciones en cuanto a la manera que ellos tienen de ver la vida. Las letras para estos dos músicos son una constante reivindicación de cambio y que una nueva manera de hacer las cosas es posible. Dichas letras son acompañadas de melodías y sonidos cuidados al más mínimo detalle, que hacen despertar sentimientos en quien las escucha.



martes, 15 de enero de 2013

RESEÑA DE DEJANDO PASAR EL TIEMPO POR RAMÓN ZARRAGOITIA EN SU BLOG SCRIPTUMDL

Ficha Técnica:
Fecha de publicación: XII/2012
120 páginas
ISBN: 978-84-9011-675-3
Género: Narrativa / Novela
Formato: 14 x 21 cm.
Encuadernación: Rústica, solapas
Editorial: Visión Libros
Colección: Narrativa Contemporánea
Observaciones: Ebook disponible


 
La sinopsis de la contraportada constituye un buen resumen de esta obra. Se ajusta fielmente al argumento y no despista al lector.

Sin embargo, os recomendaría la novela por otros motivos no tan explícitos. Destaco por ejemplo su franqueza: un escrito sincero donde el autor desvela una parte de su propia vida. Aquí no solo me refiero a ciertas referencias acerca de los estudios y el primer empleo del joven protagonista, que tanto tienen que ver con el mismísimo Ángel Silvelo, sino también a esas respuestas que aporta para las cuestiones más profundas e irresolubles a las que todos, como seres humanos, debemos enfrentarnos.

Si hablamos de sentimientos, es casi perfecto el juego entre el idealismo de la juventud y la derrota material que supone la figura de un abuelo que aguarda en soledad su cercana muerte. Como dramático es el inesperado final del padre de Alfonso; el fallido engarce entre tres generaciones y un sola forma de pensar. Unido a la agobiante melancolía que impregna buena parte del libro y a la malla de existencialismo que poco a poco se va tejiendo, no nos haría pensar precisamente en un desenlace que es pura esperanza.

Acabo resaltando algunas frases, trascendentales aunque bellísimas, que a modo de sentencias aparecen a lo largo de la trama. Son como hitos fugaces que ayudan al lector a encontrar el verdadero camino. Por todas: «…Una de las misiones de un padre es saber estar cerca de su hijo, y si no lo consigue, nunca habrá entendido cuál es su labor como padre… / …El primer paso para poder aceptarse a uno mismo, es poder pronunciar nuestro propio nombre. Luego vendrá el resto… / …Un día sin darme cuenta, percibí que la vida también es poesía y encontré un poco de consuelo».

Salud y buenas lecturas,
Ramón Zarragoitia (Delescriptum)  http://scriptumdl.wordpress.com/literalia/



SEBASTIAN KRYS PRODUCIRÁ EL NUEVO DISCO DE SECOND A PARTIR DEL 28 DE ENERO EN LA CIUDAD DE LOS ÁNGELES

HOLYWATER PRESENTAN SU ÚLTIMO DISCO "WASTELAND" EN MADRID (COSTELLO CLUB, 2 DE FEBRERO)

Grabado en Ultramarinos Costa Brava por Santi García, y coproducido entre Holywater y Santi García, “Wasteland” es su disco de rock más clásico, el más elegante, el que ofrece menos ganchos inmediatos porque se sabe seguro de su atractivo y no necesita exhibirlo de buenas a primeras para ganarse a nadie. Siguen contando con la voz emocionante de Ricardo Rodríguez, una sección rítmica en la que Mito está asentado como bajista y que por momentos coquetea con el soul y la potencia de unas guitarras más neilyoungianas que nunca (quizás por eso en sus directos se les ve a veces muy juntos, formando un círculo a lo Crazy Horse que despide la misma energía hacia afuera que los alimenta a ellos desde dentro).

“Wasteland” es el disco con el que Holywater siguen su camino, ajeno a etiquetas y a modas, el que les ha llevado a este terreno baldío que ellos han trabajado para plantar con mimo sus canciones más clásicas. Con catorce años de carretera, Holywater son cada vez más ellos siendo cada vez más conscientes de la tradición de la que forman parte. Si alguien toca en una banda de rock y hace un disco como este, puede decir con orgullo: mira, esto es lo que hago, toco en un grupo de rock. Entrega, respeto y talento.

HYNKEL LANZA EL SINGLE DE SU PRIMER EP "AUTOCONFENSIÓN"

lunes, 14 de enero de 2013

ARTURO ENRÍQUEZ, ANIMALES Y CARRETERAS: EL MAPA DE LAS RUPTURAS NO DECLARADAS

Nadie nos enseña a perder, y sin embargo, nos pasamos la vida perdiendo, del mismo modo que las señales rotas de las carreteras por donde transitamos nos advierten de que algo marcha mal, pero nosotros, ciegos por llegar a nuestro destino, no las hacemos caso. Esa sorpresa que nos acoge cada vez que el resultado de nuestra particular partida de cartas no es el deseado, es el que sobrecoge a los protagonistas de una buena parte de las historias que encierran esta recopilación de cuentos (por ejemplo, el que abre el libro, Tacoma-Eureka). Animales y carreteras, el segundo libro de relatos publicado por Arturo Enríquez en la editorial De la luna libros, se comporta como un mapa existencial que nos indica un punto determinado en el transcurrir diario de sus protagonistas, como si todo se redujera a una fugaz pincelada de sus vidas. Por lo que enseguida nos damos cuenta que, lo que el autor nos propone, no es un mapa que nos indica el inicio o el final de un destino, sino que las historias que se encierran en cada uno de los relatos, se conforman como un mapa de las rupturas no declaradas. Para ello, Arturo Enríquez se encomienda a la economía verbal para mostrarnos sólo la superficie de aquello que nos cuenta. Bajo esa fina capa, se esconde el mundo de los discursos interiores que dominan los pensamientos y las decisiones de unos personajes que caminan con la sempiterna búsqueda de su lugar en el mundo, pues tras cada ruptura o sorpresa hay una nueva vida. Una economía verbal que comparte protagonismo con una estructura formal muy cuidada a la hora de afrontar el relato de cada historia, pues Arturo Enríquez maneja muy bien la técnica de las muñecas rusas (matrioskas) con la que nos dosifica la tensión a la hora de presentarnos el discurso final de sus relatos.

Esta colección de once relatos, tiene el acierto de compaginar los finales sorprendentes (en Hazme un favor o en Nunca se olvida), con otros que, por esperados, no dejan de ser menos llamativos, pues cuentan con puntos finales de arranque más que acertados, como en el vuelo en avioneta de Debajo de la cama no hay nadie; o de situaciones que al principio no entendemos, pero que con gran maestría el narrador nos va construyendo poco a poco, como por ejemplo sucede en La teoría de la evolución, donde no conocemos el por qué de la situación de la protagonista sino al final de la historia. No obstante, todos ellos poseen ese hálito que se rompe en un recuerdo, en un gesto o en una pregunta con la que no contamos, y que a pesar de su sutileza, tienen el poder del cambio o la ruptura, lo que condena a los personajes de los relatos a una búsqueda o punto de partida no esperado. En esa frontera tan exigua que divide la realidad del mundo de los deseos, es donde se van a mover las intenciones de padres e hijos, novios y mujeres, que se sorprenden a sí mismos por sentirse extraños dentro de su propio caparazón. Ese nivel de extrañeza es el que hace entrañables a la mayoría de estos cuentos, pues nos vemos fácilmente reflejados en cada uno de ellos. Y si además, caemos en la tentación de su relectura, nos vemos de nuevo gratamente sorprendidos con el hallazgo de nuevos matices, lo que nos indica la amplitud del universo narrativo de Arturo Enríquez.

Si tuviéramos que destacar alguno de los relatos por encima de los demás, y sólo llevados por el gusto particular de quién suscribe, resaltaríamos los primeros y los últimos de la recopilación, pues Tacoma-Eureka es un clarísimo ejercicio del buen hacer de un cuentista; o Cazar cocodrilos con un palo es una magnífica introspección hacia el pasado, donde una foto perdida es el punto de arranque de una historia donde un padre va a visitar a su hijo a la universidad de EE.UU. en la que está estudiando, y que le sirve al autor para reflexionar sobre el mundo de los recuerdos. Aunque si de verdad hay algún relato que te secuestra el corazón, éste es Los días de luto por un gato, que como suele ocurrir en la estructura narrativa de Arturo Enríquez, el título sólo es una excusa en la estructura narrativa de los hechos, y que en esta ocasión, nos presenta magistralmente las sensaciones de una mujer que se brinda a sí misma y ante los demás, la gran mentira de su vida, incapaz de contarle la verdad a su padre. Este relato en sí mismo lo tiene todo, pues la contención de su prosa, los destellos de su narración y el final que es una inesperada huida de nuevo hacia el pasado, nos dan las claves de este mapa de las rupturas no declaradas.

A todo ello, se une la cuidada edición que nos presenta la editorial De la luna libros, pues ya desde su portada nos hace soñar con otros espacios y otros tiempos, y así, la fotografía de Manolito Portolés, nos traslada a lugares de paso que nos retrotraen por ejemplo a la película París-Texas, con Wim Wenders como maestro de ceremonias; una comparación que no resulta baladí cuando seguimos el rastro de las historias que Arturo Enríquez nos propone, pues éstas se tiñen con una buena paleta de colores difuminados que se tornan más fuertes cuando sitúa sus narraciones en lo que uno intuye como su Galicia natal. De ese modo, el tono que elige el autor para transmitirnos todas esas sensaciones de pérdidas es tenue, sin estridencias, pero que en muchas ocasiones contiene el vértigo de los finales inesperados. La cotidianeidad se nos presenta sin adornos, y las luces y las sombras van de la mano en un juego de artificios del que nadie sale ileso. Ese tono, que muchas veces nos recuerda a los relatos de Carver, si omitimos al Carver más candoroso que pasó por la censura de su editor Gordon Lish, nos presenta a una potente voz, la de Arturo Enríquez, que ya en este segundo libro de relatos posee una madurez que a veces asusta, por lo que no nos debe resultar extraño, que su primer libro de relatos, El espacio alrededor, fuese finalista del Premio Setenil en el año 2009. Lo que nos habla del buen estado de forma en el que se encuentra el panorama del relato corto español, que cuenta con autores que, como Arturo Enríquez, deciden circunscribir su actividad literaria al mundo de los relatos cortos, en el que sin duda, él formará parte de aquellos que serán referencia en el mismo en los próximos años, si no lo es ya.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

viernes, 11 de enero de 2013

LA NAVE DE MÚSICA DE MATADERO MADRID ACOGE CINCO NUEVOS PROYECTOS EN SU SEGUNDA CONVOCATORIA DE RESIDENCIAS PARA MÚSICOS

Tras la buena aceptación y desarrollo de la primera convocatoria de residencias para músicos impulsada por Matadero Madrid y Red Bull, comienza ahora la segunda cita que se desarrollará desde el 16 de enero hasta el 16 de abril (durante tres meses).

En esta segunda convocatoria se han seleccionado cinco proyectos musicales (individuales y colectivos) emergentes, pudiendo disfrutar de espacios de trabajo y de los recursos de la Nave de Música y del Red Bull Studio ubicado en la misma.

Los proyectos musicales seleccionados para protagonizar esta segunda ronda de residencias son: Damian Schwartz, Modelo de Respuesta Polar, ELM, Modulok y Le Parody.

Como parte de la experiencia y al término de la misma, todos los seleccionados grabarán el resultado de su trabajo en el Red Bull Studio, que cuenta con todo el equipamiento técnico profesional necesario para ello, así como con el apoyo de un técnico de sonido.

Los residentes también tendrán la oportunidad de presentar su trabajo ante el público en un escenario de la Nave de Música, una actividad que estará incluida dentro del programa oficial de Matadero Madrid.

Las residencias para músicos han sido diseñadas para estimular la creación, producción e innovación entre los músicos de la escena local y facilitar el desarrollo de proyectos musicales a través de la cesión gratuita de los recursos de los que la Nave de Música de Matadero Madrid dispone y mediante apoyo en la difusión de su trabajo.

La primera residencia desarrollada en los meses de octubre, noviembre y diciembre de 2012, contó con los proyectos musicales de Automan, Being Berber, Doma y Orphidal, Envelope Collective, León Benavente y Palo Alto.


Sobre los residentes:
Damian Schwartz es un apasionado de la música electrónica y desde muy temprana edad empieza a experimentar, hasta que en 2003 comienza su carrera profesional al entrar en contacto con José Luis Villalobos, Tadeo y Alex Under, con los que forma el colectivo de artistas y sellos Net28. En la residencia pretende crear nuevas referencias y aprovechar el espacio para entrar en contacto con otros artistas y colaborar con ellos, en especial, de la escena Jazz de Madrid.

Modelo de Respuesta Polar es un grupo de pop-rock formado por cuatro músicos. En la Nave de Música buscan investigar en el sonido actual de la banda y jugar con todos los elementos posibles para llevar el concepto del grupo a un paso más allá de cara a la publicación de su segundo disco.

ELM (Experimental Little Monkey) nace en 2007 como una propuesta personal basada en la autoedición, colaboraciones y ediciones digitales. Actualmente ELM funciona al mismo tiempo como una banda de 5 componentes y como un proyecto personal. En 2012 presentaron su primera grabación como quinteto, “De la intensidad al sopor.” En su propuesta musical comprenden desde el pop a la experimentación, lo acústico y lo electrónico.

Modulok comenzó como trío en 2007 hasta que en 2012 pasan a ser un quinteto, cambiando con ello su sonido hacia el rock bailable y el pop-funk, siempre con una base rítmica fuerte. Son ganadores del certamen Villa del Bilbao y del Proyecto DEMO de Radio 3 y han actuado en el Red Bull Tour Bus. En su residencia en la Nave de Música completarán el proceso de investigación, creación y grabación de un disco conceptual sobre la figura de Alberto García-Alix.

Le Parody son un dúo que explora el camino entre la música de raíz y la electrónica. Sus canciones están compuestas con melodías populares, encajadas en ritmos de folclores universales hechos con piezas electrónicas. En la residencia en Nave de Música se servirán de todos los recursos para encaminar su sonido hacia una electrónica más radical y un folclore más acentuado.

jueves, 10 de enero de 2013

KUVE NOS OFRECE UN ADELANTO DE SU PRIMER DISCO "REGRESIÓN" (BMG Rights): LANZAMIENTO FEBRERO 2013



A priori, Murcia y Lima podían ser sólo dos destinos turísticos dispares. En este caso, también es el punto de partida de un nuevo grupo que viene dispuesto a ocupar su hueco en el pop actual. Y a quedarse.

Los recursos del grupo no son precisamente limitados. Por eso, respaldados y apoyados, en todo momento, por la figura del productor Raúl de Lara (Varry Brava, Second), KUVE han construido durante los últimos doce meses un disco tan poliédrico como emocionante desde el minuto cero, que recoge y resume la evolución de un grupo ya preparado para compartir con el público su primer disco.

“Regresión”, posee todos los ingredientes necesarios que hacen de él un debut que enciende, emociona, estimula y perdura. ¿Ejemplos concretos? “Mi mente en el congelador”, el primer corte que se dispara desde el reproductor: sonido Garbage y una frase memorable por cada verso.

“Singapur” no se queda atrás. Un ritmo contagioso y repleto de energía positiva hace de ella un hit inmediato, bailable y “coreable”. “Nadie te dijo”, elegido como primer sencillo de este trabajo, engancha desde la primera escucha con sus afiladas guitarras y un ritmo endiablado que te impide quedarte quieto. Y, a la vez, la faceta sonora más sofisticada y elegante del dúo. Incluso la más sincera en su letra, llena de declaraciones de intenciones.

Hay momentos más íntimos: para el recogimiento en “Euritmia”, o incluso para la épica (es un decir) más emotiva en “Invisibles cuerpos”, con un estribillo perfectamente construido a partir de la ecléctica voz de Maryan.

Temas como “Dando Vueltas”, que parecen escritos con la única (y sana) intención de quedarse con nosotros mucho tiempo una vez completas el primer “play”. O “En círculos”, que cierra el disco y ratifica la sensación que sobrevuela durante toda la audición: la de que ha nacido un grupo con las ideas claras. Dos tipos que tienen canciones, letras y, por supuesto, imagen y rollazo suficiente sobre el escenario, para atraer a propios y extraños.

KUVE tiene mucho por enseñar y por ofrecer. También capacidad de sorprender. ¿Qué es lo mejor? Que tienen el argumento perfecto para conseguirlo: su primer disco, “Regresión”.

PROXIMAS ACTUACIONES
23 enero – Costello Club (Madrid)
25 enero - Le Sapeurs Cocktail Bar-Restaurante (Málaga)
Más información en: www.kuve.es

martes, 8 de enero de 2013

LAS SESIONES: DERRIBANDO LAS BARRERAS QUE NOS PONE LA VIDA

En la sociedad actual estamos acostumbrados a dejar de lado todo aquello que no sea joven, bello o saludable. Por ello, la juventud, la belleza y la salud, hoy en día son el pasaporte directo hacia el éxito, o hacia lo que esta sociedad ha conceptualizado como tal. Quizá, por eso, el inicio de Las sesiones se torna raro, distinto, y si se quiere hasta hostil, pero el acierto de Ben Lewin al presentarnos a Mark O’Brien (John Hawkes) es el desdramatizar una situación de por sí muy dura. De ahí, que no nos deba resultar extraño, que la forma de afrontar la vida de este joven postrado en una camilla que sobrevive gracias a un pulmón mecánico, esté salpicada de ironía y mucho humor. Tanto es así, que provoca las risas de aquellos que van a ver la película, y no sólo eso, sino que conforme avanza ésta, se convierten en frecuentes. Una situación dura que se convierte en una comedia con matices, pero que ni siquiera pierde la sonrisa al abordar el lado más trascendente de la historia cuando Mark acude al padre Brendan (William H. Macy) para buscar su auxilio y aprobación. Un cura, que como el resto de los personajes, navega libre de ataduras y barreras, y que por tanto, no nos debe extrañar que se ponga de parte de Mark en el peliagudo tema de las relaciones sexuales sin fines procreadores. Puestos en este punto, sólo se nos ocurre decir que ¡quién da más! Pues Las sesiones se comporta como un perfecto mensaje que nos transmite la necesidad de ir derribando las barreras que nos pone la vida. Y lo que en principio se nos podría antojar como un dificultoso engranaje, en el minuto diez del film, se comporta como una máquina perfecta que se mete en el bolsillo a los espectadores de esta maravillosa locura protagonizada por un discapacitado y su necesidad de perder su virginidad antes de que le llegue la muerte.

La suerte que ha tenido John Hawkes a la hora de interpretar al joven Mark, es tener enfrente a Helen Hunt (Cheryl), como terapeuta sexual a la hora de superar el reto que él mismo se había planteado, porque no cabe decir otra cosa que está brillante, y que la naturalidad y la sencillez con la que muestra su desnudez ante las pantallas es un nuevo síntoma del buen hacer de esta gran actriz. Sus movimientos, sus miradas, y la conexión que surge entre ambos, es sin duda la chispa de la película y la manifestación de la espiritualidad que envuelve a las personas cuando el canal de las palabras sigue su curso y fluye con energía. En este caso, ese canal es la poesía, como mejor manifestación de los sentimientos, pero no de una forma ambigua o enigmática, sino directa y profunda, como sólo alguien que vislumbra que está ante una de las experiencias de su vida puede manifestar. Pues a medida que avanzan las sesiones, uno se queda con la duda de quién da más a quién.

En definitiva, Las sesiones es una plácida muestra del cine independiente norteamericano, que tiene todos los ingredientes para hacerse con el beneplácito del público, a poco que éste esté dispuesto a romper las barreras que nos pone la vida.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

KUVE EN COSTELLO CLUB (MADRID), 23 DE ENERO Y LE SAPEURS COCKTAIL BAR DE MÁLAGA, 25 ENERO

Entradas KUVE en MADRID

Concierto Acústico

Costello Club

6,00 € Anticipada / 9,00 € Taquilla

21,00h Puertas / 21,30h Concierto

http://www.ticketea.com/entradas-kuve-madrid-costello

A esta fecha hay que añadir, la del 25 de enero en Le Sapeurs Cocktail Bar de Málaga.



domingo, 6 de enero de 2013

PATRICIA MOON EN VIGO, 12 ENERO 2013


Puedes ver su último vídeo, “Oxytocin” en el siguiente enlace:


Próximos conciertos:
Sábado, 12 Enero, AUDITORIO DO CONCELLO, VIGO.
21:00h
Entrada 8 €
Venta anticipada en http://entradas.novagaliciabanco.es, Discos Elepé.



TEATRO GUINDALERA, LA LARGA CENA DE NAVIDAD, DE THORNTON WILDER: LA FINA BRISA DEL PASO DEL TIEMPO CONTRA EL PODER DE LOS RECUERDOS

Descifrar el enigma del paso del tiempo es tan imposible como detener el avance de las manecillas de un reloj. Sin embargo, lo que sí podemos hacer es representarlo mediante una reiterada repetición de fotos fijas el mismo día y a la misma hora durante noventa años. Y esa fue la genialidad que en su día tuvo Thornton Wilder al idear una pequeña obra de teatro donde el ser humano se enfrenta al paso del tiempo indefenso y desnudo. Del mismo modo, que Juan Pastor ha tenido la maestría de los grandes directores de teatro para ejecutarla sobre un escenario prácticamente vacío que deja a los actores solos ante el texto y los espectadores. Ese planteamiento de claroscuros nos atrapa desde el inicio, justo cuando el ama quita las telarañas de las sillas alrededor de la gran mesa apenas vestida con un mantel blanco y una vela, y que parece decirnos que lo único que está haciendo es rebobinar la cinta hasta el principio antes de darle al play. Esa repetición trágica y mágica, a partes iguales, que nos da la oportunidad de revisitarnos como meras cintas de vídeo, es lo que convierte en auténtico y genial a este montaje. Es verdad que el resultado final del mismo sin duda es demoledor, pero a la vez muy revelador, porque nos sitúa dentro de la película que es nuestra propia vida.

El gran acierto, en esta ocasión, de Juan Pastor y todos los actores del Teatro Guindalera que componen el reparto de La larga cena de Navidad, es aunar virtud y sencillez a la ahora de transformar el texto de Thornton Wilder en una obra de teatro donde la desnudez del escenario y el vestuario, no hacen sino acercarnos más si cabe a lo esencial del ser humano. No hay falsos artificios en esta entrañable puesta en escena, porque al igual que nacemos y morimos solos, los actores de la obra de teatro se enfrentan solos a la lucha que la fina brisa del paso del tiempo entabla contra el poder de los recuerdos. Esa esencialidad nos lleva casi a despreciar el poder de la palabra para dárselo a una mímica genial, genuina, auténtica, devastadora y magistral hasta decir basta. ¡Qué mágico poder el de los gestos!, y ¡qué grandes actores los ejecutan!, porque casi sin darnos cuenta caemos en esa mágica red del eco del paso del tiempo a través de la repetición de las mismas frases que sólo cambian de boca de los actores. Este ejercicio de cacofonía verbal nos hace ser testigos directos de nuestras obsesiones y fijaciones y de ese desliz casi cómico en el que se convierte nuestra propia vida, que en muchas ocasiones, es un sinfín de frases y gestos repetidos.

Si algo ayuda a que el resultado final sea tan brillante, aparte de la acertadísima puesta en escena, es el maravilloso elenco de actores, pues lejos de resaltar a uno de ellos, lo que hay que hacer es felicitar a todos por igual, pues cual equipo está tan perfectamente conjuntado que, entran y salen, brindan y cortan, viven y se mueren en la mejor de las armonías posibles. Lo que nuevamente nos da como resultado final un montaje más que sobresaliente del Teatro Guindalera. Una extraordinaria experiencia teatral que nos hace ir tras sus pasos función tras función y montaje tras montaje. No se me ocurre una mejor manera de celebrar la Navidad que ver esta Larga cena de Navidad en los Teatros del Canal.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

jueves, 3 de enero de 2013

LOS MISERABLES DE TOM HOOPER: UNA EXPERIENCIA SÓLO APTA PARA ADICTOS A LOS MUSICALES

Nuestra vida transcurre rodeada de luces y sombras que, como espejos rotos que no devuelven imágenes, nos acompañan a lo largo de nuestros días. No es fácil librarse de ellas, porque son unas poderosas compañeras que tiñen a nuestras acciones de brillo y oscuridad a partes iguales. La virtud se antepone a la falta, pero en ocasiones ocurre al contrario, y un error insignificante marca nuestra vida para siempre. Bajo esa necesidad de redención de la falta más insignificante para una sociedad enferma e injusta, Víctor Hugo se alzará como un potente faro para iluminarnos con su literatura en los primeros albores de las revoluciones liberales, y en esa necesidad de cambio inherente al ser humano. Vida y muerte marchan unidas en una narración que se convierte en una gran epopeya sobre la condición humana, el amor y la redención. No se nos debe olvidar que ser un miserable entonces, era algo muy distinto a lo que significa hoy en día. En el siglo XIX, ser un miserable era ser un excluido de la sociedad, una especie de paria que apenas tenía derecho a la vida. Hoy, sin embargo, ser un miserable es algo bien distinto, y para cerciorarnos de ello, sólo tenemos que pararnos a observar las imágenes de los telediarios para contemplar a esos otros nuevos parias de la sociedad, que en esta ocasión aparecen bañados en oro, bajo la consigna de nuestra casta política.

Matizaciones aparte, Los Miserables es una obra que cabalga a medio camino entre el final del Romanticismo y el inicio del Realismo, de ahí que, ensoñación y fantasía, convivan sin problemas con la miseria y cruda realidad de aquellos que por unas u otras razones viven al margen del resto. Sin embargo, la grandeza de la obra literaria y de alguna de sus anteriores adaptaciones cinematográficas, en esta ocasión ha salido herida de muerte, pues la nueva versión de Los Miserables, mitad lírica, mitad teatral, se pierde en el abismo de la lentitud de la narración, el abuso de los primeros planos y la ausencia casi total de diálogos que, no nos dejarán entender el sentir de unos personajes, que deambulan durante dos horas y media entre susurros y canciones interpretadas a pleno pulmón, lo que hace de esta adaptación dirigida por Tom Hopper una experiencia sólo apta para adictos a los musicales.

No obstante, si algo cabe destacar de esta fallida versión, son los decorados de un París gris y miserable, con sus barricadas y bajos fondos como mejor reflejo de lo expuesto, y un vestuario amplio y siempre acertado, pues refleja perfectamente la época en la que se desarrolla la acción. Salvo eso, poco más, pues Tom Hooper naufraga en la dirección de la película, entre otras cosas, por su absoluta falta de ritmo, ya que siempre anda pegado de una forma casi constante a los primeros planos y a las interpretaciones de unos personajes que ralentizan la acción hasta el infinito y la resumen en una veintena de localizaciones, que se nos antojan cuando menos escasas para dos horas y media de película y la narración de un largo un período de tiempo (1815 a 1832) donde el espectador tiene la oportunidad de verse reflejado en el idealismo de los revolucionarios que caerán víctimas de sus propia ideales ante el Estado. Una muestra de entusiasmo liberador y de dignidad de las que hoy en día sin duda estamos muy faltos. Salvo eso, nada queda en esta versión de Los Miserables, salvo quizá la primera y larga interpretación de Fantine (Anne Hathaway) o la interpretación general de Jean Valjean (Hugh Jackman) que se convierte en el alma de la narración, y poco más, matizando que las voces femeninas están muy por encima de las masculinas.

En definitiva, Los Miserables de Tom Hooper se nos antoja como un esfuerzo demasiado grande y ambicioso para un resultado tan desesperante.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

miércoles, 2 de enero de 2013

PINTURA SUBTERRÁNEA, CAFÉ BAR LA PACA DE MADRID: INAUGURACIÓN EL 10 DE ENERO A LAS 19:30 HORAS

Resulta complicado resumir en unas líneas la obra y personalidad de un artista que ha estado durante años creando de manera silenciosa y en privado. Así, como si emergiera de debajo de la tierra, Arman da la sorpresa y selecciona una parte de toda esa creatividad y la comparte en público en una primera muestra que, coherente con su carrera, titula Pintura Subterránea.

Enmarcadas en la escena Lowbrow o Surrealismo Pop, sus piezas son testigo de la primera generación realmente televisiva que creció en los años 80 influenciada por los dibujos animados y programas como La Bola de cristal o Planeta imaginario, por los cómics de la época y las historias de Marvel. Factores de una cultura popular que, de acuerdo con el movimiento artístico underground Lowbrow, no se para en reproducir la realidad al detalle, si no en enseñárnosla con cierto sentido del humor, a veces alegre, pero lleno de picardía y sarcasmo.

Con la naturalidad y las infinitas posibilidades que ofrece al arte no estar sujeto a enseñanzas tutorizadas, Arman pinta al óleo porque así aprendió de manera autodidacta. Así se siente más cómodo aunque como él mismo dice “no hay técnicas mejores que otras, al final pintar es una cuestión de percepciones y a mí la que me gusta es la sensación mantecosa del óleo”. Aunque, en este camino de exploración individual, Arman ha estado también desarrollando serigrafías, collages y cuadros en 3D con luz.

“El tema no se elige. Eso es lo que ni el público ni los críticos comprenden. El secreto de las obras maestras está precisamente ahí: en la concordancia entre el tema y el temperamento del autor.” indicaba G. Flaubert y ese “qué” no ha sido un problema para Arman que no busca hacer series, ni quedar encapsulado en unas temáticas que no responden a sus planos creativos y que de manera negativa le llevarían al aburrimiento y a no reconocerse en sus propias obras.

Ligando experiencias, ideas e imaginación en sus cuadros viven animales humanizados, personajes grotescos y burlones, una seductora mujer serpiente, Conrad Veidt con su mejor sonrisa (precisamente este ha sido el cuadro elegido para presentar la exposición), una aventurera viajando a lomos de un caracol y un fantástico pez león inmortalizado en lo que con toda probabilidad fue una señal de tráfico anteriormente. En todo este mundo recreado de la cultura popular descubrimos mucho color y brillo, sobre todo color porque ahí está una de las principales señas de identidad del artista madrileño.

El concepto detrás de la obra y el proceso de realización de la misma, son igual de importantes para Arman que el resultado final. Así, lo que Arman ha aprendido de una experiencia individual, y lo ha trasladado con un propio y único estilo a una nueva situación, a un nuevo plano, al arte, es lo que disfrutaremos en Pintura subterránea.

Pintura Subterránea
Del 7 al 31 de enero
Café Bar La Paca (c/ Valverde, 36) Madrid
Si quieres ver su trabajo completo puedes hacerlo visitando www.pinturasubterranea.es