Tiempo de comunicaciones rotas

Tiempo de comunicaciones rotas

martes, 31 de enero de 2012

NADA SURF, THE STARS ARE INDIFFERENT TO ASTRONOMY: GUITARRAS QUE ROMPEN LAS COORDENADAS DEL TIEMPO.

Las canciones de Nada Surf caen sobre nuestros oídos en una especie de viaje interestelar a través del tiempo y nuestros recuerdos; y para que no se nos olvide aquello que nos quieren transmitir, ya nos atacan con la directa, enérgica y estimulante Clear eye clouded mind, que no sólo sirve para abrir el álbum, sino que sus melodías también nos vaticinan el poder intrínseco de esta banda neoyorquina con raíces en el mejor sonido power pop que se pueda escuchar en la actualidad, donde la fuerza de sus guitarras entablan una lucha a muerte con las melodías entrecortadas de unas canciones que se van metiendo en nuestro subconsciente de una forma segura y estable a medida que avanzamos en sus escuchas. Dicen los propios Nada Surf (Matthew, Daniel e Ira) que este The Stars are Indifferent to Astronomy continúa con la idea de que la música es una realidad alternativa y que las canciones te pueden servir como inspiración y apoyo, y tienen razón, porque la textura de las canciones de este álbum tienen ese halo de distinción y locura necesarios para hacerlas únicas, y si nadie se lo cree, que escuche esa gran canción que es Looking Through, donde las guitarras rompen las coordenadas del tiempo para llevarnos muy lejos.

When I was Young fue el tema elegido para escuchar de forma gratuita a través de http://www.ernieproducciones.com/ y no ha sido una elección baladí, porque se trata de una composición en la que Matthew Caws, Daniel Lorca e Ira Eliot nos muestran la cara más folk y cercana de la banda, que poco a poco crece hasta convertirse en un remolino de imágenes y sensaciones que tiene su prolongación en Jules and Jim, uno de los mejores temas del disco, porque nos transporta a la tierra de los sueños con sonidos de campanas incluidos. Ese viaje por la máquina del tiempo también nos acerca hasta los ecos de Billy Corgan y sus Samshing Pumpkins en Let the Fight do the Fighting como un nuevo ejemplo del buen hacer de Nada Surf, que en esta ocasión han buscado la energía del sonido directo y sin artificios, ese que sale directamente del local de ensayo, lo que se pone de manifiesto en cada una de sus nuevas canciones, porque te atrapan sin quererlo y te hacen experimentar algo nuevo cuando las escuchas. Ese poder de renovación nos traslada por espacios que como en un film de ficción acaba con los sonidos de The Future; un futuro que desde el presente en el que estamos, no nos cabe ninguna duda que conquistarán, porque el universo interestelar está lleno de mentes tan inquietas como las que poseen Nada Surf y su perfecta combinación sonora.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

lunes, 30 de enero de 2012

THE ARTIST: EL REGRESO A LA ESENCIA DEL CINE.

The Artist supone volver a la conjura de las imágenes; a transitar por las historias sencillas que no por repetidas, te dejan de remover el corazón. También es acudir a la elegancia de una música que se adapta como un guante perfecto al relato de los hechos y a ese aura que poseían los estudios cinematográficos en los glamurosos años veinte. Un lugar donde todo era posible, desde el mayor de los triunfos al más sonado de los fracasos. En este film se unen, la sencillez y una capacidad de ensoñación que te envuelve en los límites del deseo y en la fuerza de los sueños para instalarte en una historia que no es la tuya, pero que no nos importa, porque lo que las imágenes nos muestran nos atrapa más allá de la ausencia de sonidos. The Artist es todo una sucesión de nuevas sensaciones, como si estuviéramos redescubriendo aquello que habíamos perdido, pero que nada más verlo sabemos que es nuestro y que siempre nos ha pertenecido, porque The Artist es la génesis de nuestro imaginario colectivo y el regreso a la esencia del cine, a los Lumière, a Chaplin…

El reto de Michael Hazanavicius es centrar la atención del espectador en las imágenes, que montadas a modo de una clásica película muda, se transmutan en algo más, pues aunque tengamos la sensación que la historia que nos cuenta ya la hemos visto, no nos importa, porque queremos saber más y más, y en ese envite, la habilidad cinematográfica del guionista y director Michael Hazanavicius sale victoriosa, pues los golpes de efecto del film son de órdago a la grande y de alguien que maneja perfectamente los tiempos del cine. The Artist es el cine dentro del cine; una meta película que nos muestra los destellos del éxito y los contraluces del fracaso, pero también, el desarrollo de una época con sus aciertos y astracanadas, en la que la ilusión era un juego. Un juego que en este caso es el juego de la vida, donde a veces se gana y a veces se pierde; y que como en tantas otras ocasiones, el paso del tiempo no es neutral, sino todo lo contrario. De ahí, que uno de los grandes aciertos de esta película es que nos muestra el paso del cine mudo al cine sonoro desde el punto de vista del primero, en una maniobra llena de una habilidad y un lirismo portentosos, que como titanes en una batalla naval, salen victoriosos en su enfrentamiento contra el progreso y su desdicha.

En este colosal cuento de las ilusiones, merece una mención aparte la música de Ludovic Bourde, sin duda, un personaje más de la película, pues siempre acude certera al auxilio de las emociones de los personajes y la tensión de la acción. Un entramado entre drama, romance y comedia, que protagonizan a gran altura Berénice Bejo y Jean Dujardin, ambos con una capacidad gestual y un magnetismo de cara al espectador digno de elogio. Podemos decir que es tal su acoplamiento al lenguaje gestual del cine mudo, que se nos antoja difícil volver a verlos fuera de ese formato, lo que sin duda comprobaremos antes o después cuando nos enfrentemos al juicio de nuestra memoria.
En definitiva, The Artist supone volver a la esencia del cine que muchas veces creemos perdida, y que para que no le falte nada, tiene un golpe final sencillamente sublime, digno de una obra maestra.
Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

NUEVO DISCO de NIÑOS MUTANTES‏

Niños Mutantes publica nuevo disco en el  mes de marzo. Su título, Náufragos, que ya ha pasado, entre otros, por el programa 180º de Radio 3, donde se estrenó el tema que adelantan del ábum, y que lleva por título, "Hundir la flota". Esta canción, además, ha sido elegida para ser el primer videoclip que se hará del nuevo álbum, y que este fin de semana se ha rodado en la bahía de Algeciras bajo la dirección de Alexis Morante.

Náufragos, además, será estrenado en un programa especial Niños Mutantes en 180º el próximo día viernes 10 de febrero.

Como adelanto del álbum, os dejamos la lista de las nuevas canciones que componen este Náufragos:
1. La Puerta
2. Hundir la Flota
3. El Miedo
4. Náufragos
5. El infierno
6. Caerán los Bancos
7. Empezar de Cero
8. Querer sin querer
9. Dame tu mano
10. Volverás
11. El Pozo (Mejor morir de sed que ir a lo fácil nº12)
12. Muerte de un Ampli

viernes, 27 de enero de 2012

EL CONFERENCIANTE

Él terminó de exponer su alegato de defensa como si acabara de dar una conferencia, y lo hizo sin derramar una sola lágrima. Ella sabía que si no lo había hecho, no era por falta de ganas, sino porque su férrea doctrina labrada bajo las manos firmes de un severo juez, no le permitía tales deslices. En apariencia nada era distinto, sólo un desahucio más. Pero su frágil memoria, le avisó que ahora sería él quien pagaría el pato, que como una apisonadora, le aplastaba las rejillas de sus recuerdos. Ella le miró a los ojos, y no supo reconocerle bajo ese tamiz blanquecino en el que se había transformado su pelo. Sí, él era su padre, un abogado que se había convertido en un conferenciante de alegatos sin defensa, y que despojado de su memoria y de su auctoritas, ahora sólo le quedaba espiar su maltrecho pasado.
Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

martes, 24 de enero de 2012

KUVE EN EL IV FESTIVAL SUBTERRÁNEO EN EL COSTELLO CLUB: LOS REFLEJOS MUSICALES DE LO QUE PROMETE SER UN GRAN DISCO.

Kuve, inauguró anoche en la Sala Costello de Madrid, la IV edición del Festival Subterráneo; un evento que intenta acercarnos a los nuevos valores de la música española de una forma abierta y sin tapujos a través de los conciertos en directo. Maryan Frutos y Carlos Otero (Kuve) basaron su actuación en los temas de su primera maqueta denominada como ellos mismos, Kuve, y que ya tuvimos la ocasión de escuchar el año pasado. Unas canciones, a las que en esta ocasión, unieron la presentación de tres temas nuevos, sin duda lo mejor de la noche, pues se comportaron como los reflejos musicales de lo que promete ser un gran disco de canciones que contienen el perfecto binomio de la dulzura (en la voz de Maryan) y la garra (en las cuerdas de la guitarra de Carlos). Un cóctel cuyo resultado final son composiciones rabiosamente pop, que tal y como nos confesaron en el camerino al final del concierto los propios Maryan, Carlos y Mr. Kuve (Sean Frutos), serán el eje de su nuevo trabajo junto a temas que ayer todavía no nos mostraron, pero que por lo que escuchamos, se mueven en ese nuevo ámbito de la fuerza y la necesidad de búsqueda de unos sonidos francamente mágicos, porque se sumergen en espacios sugerentes y provocadores de buenas sensaciones (esas que te hacen sentir mariposas en el estómago), características ambas, que toda gran canción deben tener. Algo que nos quedó más que claro, cuando nos deleitaron con un futuro hit llamado Tu último domingo, donde todo gravita entorno a las aristas de una voz intensa (Maryan incluso cambia su forma de interpretar, aunque no las grandes dotes de su voz) que se hace acompañar por la guitarra de Carlos, que en este tema, se ha trasladado a los lugares donde habitan los ecos de las grandes canciones pop de siempre.
Pensando en ese futuro disco que comenzarán a grabar el próximo abril, y suponemos que bajo la tutela en la producción de Raúl de Lara (productor de Second), iniciaron su actuación con un sonido más directo y contundente, lo que ya pudimos apreciar en Nadie te dijo, tema con el que abrieron su concierto ayer en la Sala Costello, y que nos avisaba que algo se ha estado moviendo en las entrañas de Kuve en los últimos meses. Final feliz o Para ti fueron la constatación para los presentes de unos encuentros felices entre voz y guitara, que anoche fueron acompañadas por un bajo y una batería, y que lograron plasmar unas versiones más limpias de las canciones, con un final en Para ti mucho más guitarrero y auténtico a la versión original de la maqueta, lo que empieza a dotar a Kuve de un sonido más definido, por propio, y que En cualquier ciudad supuso la demostración de las grandes dotes de cantante que atesora una alegre y simpática Maryan Frutos, porque como dice el refrán: de casta le viene al galgo, pues para quien suscribe, su hermano Sean Frutos (cantante de Second) tiene la voz más personal y emblemática del panorama musical español.
Fotorrecuerdos, una buena balada pop, anoche se convirtió en una canción con mucha más energía y garra, y fue la antesala del gran momento de la noche cuando sonó Tu último domingo, magnífico ejemplo de lo que debe ser y a buen seguro será el sonido más próximo de Kuve, puro y pleno de fantasía y fuerza, que en nos llevó hasta las mejores resonancias pop anglosajonas reconvertidas en notas cálidas que buscan la rendición de las travesuras inconfesables. Con Regresión, Maryan vuelve a demostrarnos las cualidades de su potente voz, y Carlos la mejoría en las armonías que le ha introducido al tema.

La buena marcha del concierto, se acrecentó cuando sonó Peleando a la contra (otro de los temas nuevos), una sinfonía que nos demuestra el por qué estamos ante la búsqueda de ese nuevo sonido en Kuve, porque los inicios de una canción tranquila se transforman en un ciclón pleno de fuerza, con un ritmo elevado y más que notable (¡chapó!), y que apenas se interrumpe cuando suenan las primeras notas de un potente bajo en Seguirás corriendo, que se manifiesta dinámica, rítmica y efusiva. Una excusa perfecta para llegar a Siluetas de invierno, la tercera y última demostración de lo ya reseñado, porque esta nueva canción incide más y más en ese interesante y más maduro sonido de Kuve que parece haber tomado alas para salir volando hacia un espacio genuino y propio que les hace ser muy suyos, por auténticos. Una virtud que no se perturbó cuando tocaron Dando vueltas, hasta ahora, su tema estrella, y que ayer sonó como el resto de las canciones, densa, intensa y llena de nuevos matices, como las nuevas canciones de Kuve, porque ayer fuimos plenamente conscientes, que estábamos siendo testigos directos de los reflejos musicales de lo que promete ser un gran disco.

El resto del IV Festival Subterráneo en el Costello Club queda como sigue (los conciertos comienzan a las 21:30 h.):
Martes – LABUAT
Jueves – PASAJERO
Viernes - LOS PEDALES
Sábado – LOUISIANA
Domingo - WILLY NAVES.

Crónica de Ángel Silvelo Gabriel.

EL TIEMPO Y LOS CONWAY: LA TRILOGÍA DEL TIEMPO (PASADO, PRESENTE Y FUTURO) A ESCENA.

¿Qué es la vida?, o ¿qué es el tiempo? La vida como resultado final de la responsabilidad de nuestros actos y acciones. El paso del tiempo como un bucle asesino que nos descabeza las esperanzas. El tiempo y los Conway es todo esto y mucho más, porque su decadencia te conmueve, sus sueños rotos te rasgan por dentro, y la teoría de Dunne sobre el tiempo te fascina. En definitiva, “el tiempo como chivo expiatorio de nuestros fracasos, miserias…” En esta obra de teatro, el presente se da de bruces con el falso espejismo del futuro; un futuro que no es cualquier cosa, porque es el reflejo de todos nuestros sueños… de una vida soñada a la que cada uno de nosotros es incapaz de renunciar, porque sabemos que renunciar es morir. La vida atrapada en la jaula de la teoría temporal de Dunne. Una teoría del tiempo en la que no sólo Priestley cayó para no volver jamás a salir de ella, sino que escritores como Borges, también expiaron en alguna de sus obras. Como dice el maestro Javier Villán en el diario EL Mundo “el tiempo no pasa; es en todo caso, el eterno retorno”.

El tiempo y los Conway también es puro teatro. Esa genialidad a la que ya nos tiene acostumbrados un Pérez de la Fuente, distinto, original, intrépido, magistral, inolvidable… El montaje acertadísimo, pulcro y eficaz, con una iluminación que nos tapa para luego mostrarnos, y un telón que como una mueca de la realidad nos exhibe una larga sonrisa en color rojo, y a la que podríamos atribuir el poder de la continuidad, del paso del tiempo. ¿Y la dirección de actores? Inteligente, medida, acertada, magnífica… porque en El tiempo y los Conway es una gran obra de teatro de actores, a los que de nuevo Pérez de la Fuente ha sabido dar a cada uno su sitio y a cada uno su voz, con un resultado más que destacable en el conjunto, del que sobresale Luisa Martín, nuestra popular Juani, que aquí se nos muestra como una gran dama del teatro, joven, vieja, tierna, cruel, madre, amante…

Como dice el propio Juan Carlos Pérez de la Fuente “el gran teatro no es el que te da respuestas, es el que te remueve” y El tiempo y los Conway lo hace, porque te replantea toda una existencia, toda una vida, y más ahora en los tiempos de crisis en los que nos encontramos, pues es en este escenario, donde el ser humano se replantea muchos por qués y busca una salida, que como en este obra de Priestley, pueden venir a través del tiempo y su trampa, pues nadie quiere acabar aplastado por las paredes de su propia casa cuando éstas se erigen como jueces de toda una saga familiar.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

lunes, 23 de enero de 2012

LOS DESCENDIENTES: UNA VISIÓN DE LA VIDA DESDE EL OTRO LADO DEL PARAÍSO.

¿Paraíso?, el paraíso puede irse a la mierda. Esta es una de las contundentes frases con las que se inicia el film con la voz en off de este magistral actor y comediante llamado George Clooney. Desterrados de la idea de felicidad, tal y como nos la habían contado una y mil veces, en tiempos de crisis como los que vivimos se nos invitaba a mirar y valorar “todo” desde otro punto de vista. Este desnortado objetivo nos deja sin rumbo… a la deriva; y eso es lo que le ocurre a Matt King (George Clooney), que inmune a las caricias de lo que llamamos paraíso, se ve obligado a buscar un nuevo sentido a la vida cuando su mujer sufre un accidente y “todo” deja de ser como él lo tenía estructurado. Una vez más, el acierto de Alexander Payne se encuentra en ese equilibrio de tragicomedia con el que nos presenta sus películas. La vida es una tragedia con unas pocas dosis de humor ha declarado el guionista y director cuando ha presentado este film; y no parece faltarle razón, tal y como transcurre la acción de Los Descendientes, donde los desengaños a los grandes principios que rigen nuestras vidas, se salpican de pequeños rayos de luz donde la sonrisa se hace un hueco.

Una de las grandes tragedias de la civilización actual, postindustrial y postmoderna, es que sólo busca refugio en la sencillez de las pequeñas cosas cuando todo está perdido. La derrota y su posterior digestión es lo único que nos hace mirar de nuevo hacia lo que antes de la hecatombe nos hartamos de decirnos (a nosotros y a los demás), que es lo verdaderamente importante. En este saco de sensaciones que representa Los Descendientes, Payne rediseña con inteligencia el formato clásico al que estamos acostumbrados, para mostrarnos este asalto de combate contra el fracaso, y así, en vez de una mujer hundida, escoge a un hombre, que para colmo tiene dos hijas adolescentes a las que casi no conoce porque ha permanecido casi toda su vida con las narices pegadas a los papeles de su despacho (¿eso es lo verdaderamente importante?). Perdido, busca auxilio en las dos; en una más que meritoria Shailene Woodley (Alexandra) y en una dulce Amara Miller (Scottie). Pero ese grupo de detectives sentimentales no sería tan tragicómico, si no contase con un contrapeso adecuado que ejerciera como contrapunto del gran George Clooney, y en este caso, su contrincante masculino es un joven Nick Krause (Sid) que pone con acierto ese otro punto de vista a la historia trágica y existencial de Clooney.

Con todo, le falta algo a esta película para elevarla a la categoría de obra maestra, cuando tiene todos los ingredientes para ello. Quizá en su aparente simplicidad se encuentra gran parte de su éxito y el lleno inusual de las salas de cine donde la están proyectando; un éxito que a buen seguro no se debe únicamente al cierre de Megauload como apuntan los más irónicos, pero que tal vez también ese sea su talón de Aquiles, porque en esa ausencia de unas pequeñas dosis de complejidad y trascendencia que te dejen con el corazón abierto o el alma en un puño se fuga una parte del recuerdo imborrable que toda gran película te deja la salir de la sala de cine, lo que no es óbice para seguir recomendando ésta más que notable visión de la vida desde el otro lado del paraíso.
Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

domingo, 22 de enero de 2012

ENTREGA DEL TRIPLE DISCO DE ORO A AMARAL.

El grupo AMARAL recibirá el próximo martes, 24 de enero un triple disco de Oro por la venta en España de más de 60.000 copias de su último trabajo, “Hacia lo salvaje” (Discos ANTÁRTIDA/ Altafonte). Además, el grupo recibirá también un disco doble de Plata europeo, concedido por IMPALA (Asociación europea de sellos independientes).

La entrega se realizará en el espacio UFI de la Música, Plaza Matute nº 12 en Madrid, el próximo martes 24 de enero a las 12:30h del mediodía. Los encargados de entregar los galardones serán Fernando Luaces, Director de la distribuidora Altafonte junto a Mark Kicatt, Presidente de la UFI (Unión Fonográfica Independiente).

Este ha sido sin lugar a dudas el año de AMARAL, con la publicación de su nuevo disco, “Hacia lo salvaje” que consigue estos Premios a los 3 meses de su publicación, el pasado 27 de septiembre 2011. Durante 4 semanas consecutivas el disco se mantuvo en el nº 1 de las Listas de venta del Mercado español y después permaneció más de un mes en el Top 10 de ventas. También se colocó en el nº 1 de las Listas de I-tunes como el álbum digital más vendido.

La Gira Presentación del disco, que todavía continúa, y que ha recorrido gran parte de la geografía española ha colgado el cartel de “no hay entradas” en el 90% de sus conciertos, con gran éxito de público y crítica. Y también ha sido el primer grupo español, elegido por la plataforma internacional Youtube.com para retransmitir unos de sus conciertos a nivel mundial –celebrado el pasado 21 de Octubre en el Centro Cultural Niemeyer de Avilés-.

Amaral ha firmado uno de los mejores discos de las últimas décadas y además, lo ha hecho desde la independencia, montando su propio sello, Discos ANTÁRTIDA y gestionando todo el proceso desde el inicio hasta el momento en el que nos encontramos. AMARAL ha sido capaz de trasmitir al equipo humano que ha trabajado en este proyecto, confianza, ilusión, fuerza, pasión, entrega y cariño. Los artistas han arriesgado y han querido ir más lejos, en lo musical y en el negocio discográfico. Son creadores valientes e inquietos.

Gracias especiales a todos las personas que nos han ayudado a conseguir esto: tiendas de discos, medios de comunicación, tiendas digitales, periodistas, equipos de ventas y compras, etc y al gran público que es quien tiene la última palabra y el poder de decisión.

viernes, 20 de enero de 2012

THE GIFT EN EL TEATRO LARA: LA BRILLANTE CONSECUCIÓN DE UN AMBICIOSO PROYECTO MUSICAL.

Refugiados bajo la íntima penumbra del Teatro Lara y de las melancólicas y oscuras notas de Black (una de las mejores canciones de su último disco), The Gift nos demostraron una vez más que no son un grupo al uso, pues su consistencia es la brillante consecución de un ambicioso proyecto musical que va más allá de las modas, y que está sustentado en la genialidad de ese gran músico llamado Nuno Gonçalves y la voz de la diva de la canción portuguesa más internacional llamada Sónia Tavares, que allende de los fados, transforma las canciones en una deliciosa secuencia de imágenes imborrables. Nada más escuchar este Primavera, y tal y como comenté en la página oficial del grupo en Facebook, la primera sensación que me recorrió el cuerpo fue la de estar escuchando una sinfonía que muy bien podría haber salido de la mezcla entre Claude Debussy y The Art of Noise, un experimento que el grupo conceptual inglés ya realizó en el año 1999 con trece magníficas canciones. Anotaciones al margen aparte, tras Black, caímos hipnotizados por el poder de la música de un ensimismado Nuno ante su piano, pero que tras La terraza, Open window y Sehnsucht, despertó con la primera anécdota de la noche en el transcurso de Meaning of life (¡qué gran canción!), y que tuvieron que volver a iniciar, porque al propio Nuno no le convencía su ejecución. Preparado o no, lo cierto es que el incidente consiguió romper el hielo de la penumbra que había en el Teatro Lara (extraordinario lugar para oír Primavera) y logró transmitir todas las buenas sensaciones del escenario al patio de butacas.


Primavera es la ausencia de color, y el resultado de unas canciones escritas en primavera para ser escuchadas en invierno, tal y como nos dijo el propio Nuno. Es verdad, la música que se incluye en Primavera, exporta una sensibilidad única y mágica a raudales, como si sus notas nos mecieran en un infinito columpio que logra hacernos soñar con volar. Volar lejos, cerca, hacia dentro, hacia fuera; en definitiva hacia donde uno quiera, porque la profunda voz de Sónia (más diva que nunca) nos lo permite y nos lo facilita (a veces me acordé de Teresa Salgueiro, la voz de Madredeus hasta 2008), porque todo parecía recogido en un enigmático y gigantesco papel cebolla bajo el que resguardarnos para jugar al juego de las sombras justo antes de ser envueltos en el verdadero papel de regalo. Ese gigantesco tesoro, ayer se convirtió en un espectacular billete que nos permitió viajar por la vida y por el mundo de la mano de The Gift (¡qué gran compañía!). Sí, ayer surcamos mares, océanos, bancos de nubes y sueños, a la vez que escuchábamos Blindness, Les tulipes de mon jardín y Primavera y sus variaciones, siempre bajo la tutela cercana de un Nuno Gonçalves feliz de tocar en su propia casa, tal y como él también nos confesó ayer.

Tras un merecido descanso del grupo (y sobre todo de la embarazadísima Sónia Tavares), en la segunda ocasión que se levantó el telón del Teatro Lara, fuimos trasladados a otro lugar; a una estancia multicolor que desprendía fuerza y optimismo y que era acompañada de ritmos que nos incitaban a bailar. El escenario del Teatro Lara se metamorfoseó para acabar convertido en una explosión de luz y color bajo el estigma de ese gran álbum que es Explode. Suft full of colours llenó de energía al grupo y a los asistentes al concierto, y hasta Sónia se atrevió con unos ralentizados movimientos de baile (habría que haberla visto en su anterior actuación en Madrid en el Circo Price para saber de lo que estamos hablando). Esta nueva propuesta de The Gift no cayó en saco roto, y con RGB, todo el mundo se levantó de sus butacas para acompañar los ritmos de esta ópera musical fusionada con explosivos colores y ganas de vivir llamada Explode. Ese río inusitado de alegría, encontró un aliado natural en esa gran composición pop llamada Race is long, que tras una larga presentación de la misma por parte de Nuno, resultó ser la excusa perfecta para que él y el resto del grupo se la dedicara a Sónia y su futuro vástago, Fausto; una propuesta que terminó arrollando a un público que ya estaba entregado ante la mayúscula causa musical de The Gift, y que una vez más, agradeció las muestras de cercanía del gran maestro de ceremonias en el que ayer se convirtió un gran músico al que podríamos denominar como Sir Nuno Gonçalves.

Made for you fue la constatación de la química existente entre el binomio Sónia-Nuno y su público, y que en Fácil de entender se tradujo en una complicidad sin límites. Lo que nos llevó hasta Driving you slow y al grito por parte de un espectador de: ¡conciliación! Una espontánea manifestación que dejó un poco descolocada a Sónia, pero no a la canción, que de nuevo fue una nueva demostración de las magníficas cualidades que tienen las notas de muchas de las canciones del grupo para transformar su conciertos en una mega pista de baile, pero no de un baile cualquiera, sino de una sofisticada muestra de sonidos que de nuevo te embelesan en su versión más trepidante. Con The singles (nuestra propia aventura galáctica tal y como nos confesó Nuno) se terminó la actuación de ayer de The Gift en el Teatro Lara. Este rap colectivo fue un extraordinario cierre y fin de fiesta, que al poco tiempo se manifestó como falso, pues The Gift nos tenía reservada una última sorpresa (suponemos que muy a pesar de Sónia, valiente y tenaz en su puesta en escena toda la noche) con la ejecución de In repeat; un tema eterno, apoteósica y venerable, que ante el ¡sois un maravilla! de Nuno, tuvo el acierto de convertirse en un gran colofón a una actuación que nos muestra lo mucho y bueno que hay tras estos cuatro músicos portugueses, llamados a escribir grandes páginas en la historia de la música, ya sea ésta indie, masiva o de la otra, porque la calidad no entiende de marcas sino de paladares, y ayer los que tuvimos la fortuna de asistir al bello espectáculo musical propuesto por The Gift, nos fuimos a casa saciados de buena música.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

jueves, 19 de enero de 2012

LA ASOCIACIÓN EL ENCIERRO ENTREGA LOS PREMIOS DE FOTOGRAFÍA Y MICRORRELATOS 2011.

La Asociación El Encierro entregó, el 18 de enero, los premios del XI concurso de Fotografía y VIII de Microrrelatos 2011. El primer premio de fotografía, dotado con 750 euros y trofeo, recayó en “Cosa de pocos”, del fotógrafo local Roberto Ferrero. El segundo fue para Ángel Minaya por su fotografía “Salto de obstáculos”.

En relatos el primer premio, dotado con 450 euros, fue para Ramón Zarragoitia por “Soy Viento”. Y el segundo para Ángel Silvelo por “Encierro al aire libre ”.

En el enlace siguiente, se puede ver el vídeo de la noticia completa que el canal de televisión local Canal Norte Digital hizo de la entrega de premios. Por mi parte, sólo me queda dar la enhorabuena a todos los premiados y las gracias a la Asociación el Encierro y a las cariñosas palabras que su Presidente tuvo hacia mi relato, comparándolo con un pasaje de El Quijote, así como, agradecer al Ayiuntamiento de San Sebastián de los Reyes que apoye iniciativas culturales como esta en los tiempos que corren.
 
¡Hasta la próxima!
 

martes, 17 de enero de 2012

EN FEBRERO, FIESTAS DEMOSCÓPICAS DE MONDOSONORO.‏

Hace ya 12 años que las Fiestas Demoscópicas que organiza MondoSonoro acercan gratuitamente al público de once ciudades españolas las mejores bandas noveles del país. Por estas fiestas han pasado grupos ahora consolidados como Lori Meyers, Triángulo de Amor Bizarro, La Bien Querida, Mendetz, Anni B Sweet, Mujeres, We Are Standard, Cat People, Guadalupe Plata, Hola a Todo el Mundo o Bigott.

Como cada año, en Barcelona y Madrid, los grupos seleccionados estarán acompañados por una actuación también GRATUITA de la banda ganadora del Mejor Disco del 2011 según MondoSonoro, que este año es El Columpio Asesino. En años anteriores han participado grupos como Standstill, Love of Lesbian, La Bien Querida, Lori Meyers o El Guincho.

Cada uno de los grupos participantes en las black xs Fiestas Demoscópicas ha sido seleccionado por los responsables de las nueve ediciones de la revista, tras considerarlas autoras de las mejores maquetas de 2011.

Los once conciertos serán gratuitos (con invitación a imprimir desde http://www.mondosonoro.com/  o desde la web de Paco Rabanne Black XS http://www.be-a-rockstar.com/ ). Las Fiestas empiezan el 3 de febrero en Valencia y terminan el 25 de mismo mes en Pontevedra.

Como gran novedad de este año, las black xs Fiestas Demoscópicas contarán con la colaboración de black xs de Paco Rabanne Fragancias como patrocinador y organizador de los conciertos junto con MondoSonoro.

BLACK XS DEMOSCÓPICAS 2012
Viernes 3 de febrero VALENCIA
SALA MATISSE
Trinidad – Pretty Becky + Dwomo (grupo invitado)
Apertura de puertas: 22h

Sábado 4 de febrero LA LAGUNA (TENERIFE)
AGUERE ESPACIO CULTURAL
Bel Bee Bee – Victoria Marso – El Faro – Holy Disgrace.
Apertura de puertas: 21h (Hora insular)

Jueves 9 de febrero MADRID
SALA JOY ESLAVA
Bravo Fisher – Calimä – Dolores
El Columpio Asesino (Mejor grupo nacional 2011 Mondo Sonoro)
Apertura de puertas: 20h

Viernes 10 de febrero BARCELONA
SALA RAZZMATAZZ 1
Doble Pletina - L'Hereu Escampa - Boreals
El Columpio Asesino (Mejor grupo nacional 2011 Mondo Sonoro)
Apertura de puertas: 20h

Viernes 10 de febrero CÁDIZ
SALA SUPERSONIC
La Cena – Delapica – Amnesia
Apertura de puertas: 21:30h

Sábado 11 de febrero ZARAGOZA
LA CASA DEL LOCO
Will Spector & The Fatus – Nureyev + Guisante (grupo invitado)
Apertura de puertas: 21h

Viernes 17 de febrero OVIEDO
SALA NUNCAJAMAS
Stanley Road - The Starkwells
Apertura de puertas: 22h

Viernes 17 de febrero BILBAO
SALA AZKENA
Joe La Reina - Wilhelm and The Dancing Animals + The Cherry Boppers (grupo invitado)
Apertura de puertas: 20.30h

Sábado 18 de febrero SANTANDER
SALA BLACK BIRD
Sierra Nevada – Somepeople + Hendrik Rover (grupo invitado)
Apertura de puertas: 20h

Viernes 24 de febrero BURGOS
SALA HANGAR
La Maravillosa Orquesta del Alcohol – Little Boca + Bravo Fisher! (grupo invitado)
Apertura de puertas: 21:30h

Sábado 25 de febrero PONTEVEDRA
SALA KARMA
Tora Tora Tora - Fantasmage + Los Cafres (grupo invitado)
Apertura de puertas: 22h

lunes, 16 de enero de 2012

“LA DAMA DE HIERRO”: PERSIGUIENDO SOMBRAS EN LA PENUMBRA.

El olvido se muestra tenaz con el paso del tiempo. No le deja, sino todo lo contrario, lo atosiga y le apremia sin mostrar la necesidad que uno se haya muerto para acorralarlo. Más allá de aquel estupendo título, también cinematográfico, de ¿Quién se acordará de nosotras cuando hayamos muerto?, aquí podríamos traducirlo como ¿Qué será de mí antes de que me haya ido? Y ese es el dilema que parece plantearnos la dirección de Phyllida Lloyd y el guión de Abi Morgan para recrearnos la vida de una Margaret Thatcher que se busca a sí misma y a sus recuerdos perdida en un mar (que aquí no es de Los Sargazos como el de la novela de Jean Rhys, puestos a crear un símil feminista acorde con el toque que sus creadoras han intentado dar a este biopic), sino de tinieblas, donde las sombras persiguen a la protagonista en su periplo por el mundo que transcurre fuera de los límites reales, esos a las que la protagonista tanto se apegó a lo largo de su vida y que quedan muy bien retratados en la frase que la protagonista espeta a su médico cuando le dice que vivimos en un mundo de sentimientos y no de ideas; pensar y no sentir, ese es el camino.

Sin embargo, el gran error de esta cinta, es intentar reconstruir toda una larga vida llena de acontecimientos, a cada cual más reseñable, desde un presente muy bien construido (aunque sea desde el punto de vista más sentimental posible), que nos permite disfrutar de la parte más desconocida del personaje público y que reconstruye de una forma admirable Meryl Streep. Esa humanización de la dama de hierro, contrasta con sus episodios políticos más célebres, que sólo resultan destacables en esta versión cinematográfica, en las esclarecedoras imágenes de una mujer sumergida entre hombres, pero no una mujer cualquiera, sino una Primera Ministra a la que escuchar y a la que obedecer. Dicho lo cual, se echa de menos en este retrato hagiográfico, una parada más profusa en los inicios y en la formación del carácter de la Sra. Thatcher, así como del retrato de su familia y entorno, que perfectamente, se podrían haber superpuesto a todos aquellos episodios de su fase pública de sobra conocidos y que en el film muchas veces se nos presentan bajo el signo del documental que apenas aportan nada.

Hablar de La Dama de Hierro es hacerlo de Meryl Streep, que de una forma magistral, ha exorcizado el alma de Margaret Thatcher para hacerlo suyo, pues sólo hace falta mirar como mueve las manos, los labios o sus ojos, para darnos cuenta que estamos ante una de las grandes interpretaciones de su carrera (una más), convirtiendo a la película en una magnífica excusa para visionarla como un ejemplo de ejercicio interpretativo, al que acompaña muy bien la recreación de los escenarios elegidos, el vestuario y esa atmósfera tan típicamente british que se pasea por el metraje de la película, en el que cabe destacar a un extraordinario Jim Broadbent como Denis Thatcher, sin duda lo mejor de la cinta junto a la Streep. Un duelo interpretativo que junto a la certera escenificación del olvido en el presente de la dama de hierro, es lo que quedará en el recuerdo de esta película con el paso del tiempo, ese que como un tirano nos hace ir persiguiendo sombras en la penumbra.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

viernes, 13 de enero de 2012

CRISTINA FALLARÁS, ÚLTIMOS DÍAS EN EL PUESTO DEL ESTE: LAS COORDENADAS DE UNA SINGLADURA HACIA EL ABISMO.

Partir de la última esperanza de los sueños hacia el fin. Erigirse en la heroína de la derrota. Recorrer los ecos de otras voces y las grietas de otros ámbitos. Así se defiende de sí misma la protagonista de esta novela. No hay certezas, si no hechos, que como una catapulta te trasladan al otro lado de la muralla donde ya no existe la sociedad y el mundo tal y como lo conocemos, sino sólo la intemperie y la desnudez de aquellos que se saben avocados a un final; un desenlace que se torna despiadado como la civilización que nos domina, silenciosa e impasible ante los débiles y los diferentes. Aquí no hay razas, ni ricos ni pobres, sólo la exposición de las entrañas hacia el exterior de una forma distinta, única, poética, nihilista...

Las claves de esta singladura, y sus imposturas hacia lo imposible, ya vienen implícitas en las primeras líneas de esta intensa, maravillosa, apocalíptica y poética novela. Estas primeras palabras hieren y hacen daño a los sentidos, y sobre todo, son una sinopsis perfecta que nos anuncia todo: “Día 1. Arrecia el frío y aquí, en el Puesto del Este, empiezan a escasear las vituallas. Nueves meses de sitio son mucho tiempo. Ellos siguen ahí afuera, ya casi nunca se les oye, pero podemos sentir su tensión y oímos también las patas de sus perros. Su silencio es casi peor que lo otro. El capitán partió a buscar algo, sólo eso, algo. Salió sin despedirse para no romper esto que llamamos equilibrio y que sólo es una representación a punto de romperse. Su ausencia resta ánimos a la tropa. Afortunadamente, están los niños y eso nos obliga a mantener el ánimo.”

Nueve meses de sitio son mucho tiempo nos dice la protagonista de esta historia; nueve meses que son el ciclo de la vida y que aquí se convierten en un proceso involutivo de la existencia humana que tarda diez días en dar a luz, perdón, en acabar en oscuridad, fin, desesperanza, muerte… A diferencia con la gran novela de Cormac McCarthy, La carretera, donde el apocalipsis proviene del exterior en forma de crisis nuclear, el final de Últimos días en el Puesto del Este es intrínseco al ser humano, porque nace de la ética, de la moral, de las creencias… perdidas en fogonazos diseminados por Madrid, Barcelona, Cádiz, Nueva York, Coacoyul… e incluso Londres y El Dorchester como paradigmas de la decadencia iluminada por sus grandes arañas repletas de cristalitos que nos reflejan la luz de una vida que no existe salvo en las películas de época y en las historias de bailes de salón que nos llenan los días de un rictus plagado de lentejuelas.

Y al otro lado… ¿existe algo en lo que refugiarse al otro lado? Sí, al otro lado también existe el amor. Amor como sueño, deseo, pasión y refugio. La desnudez solitaria del cuerpo que se transmuta en erotismo atormentado por la ausencia, pero que también busca el desgarro y el tirón definitivo del corazón envuelto en llamas. Fuego que no destruye, sino que purifica a la pasión de los sueños imposibles, que acaban en las lindes de lo tangible cuando la Polaca detiene su mirada y el último rescoldo de humanidad en León y la pequeña (sus hijos). Si jugásemos al juego de los roles, ellos serían el futuro, pero en el mundo de Últimos días en el Puesto del Este no existe la palabra mañana. Del mismo modo que el Capitán representa los pilares del orden, la estabilidad y los valores que sobreviven el paso del tiempo y las generaciones, pero que en este caso, son derribados por el integrismo de un dios quizá no existe, o que simplemente nunca existió.

Últimos días en el Puesto del Este es un relato que nace de las entrañas de una mujer, porque sólo ella puede dar y quitar la vida; y lo hace mediante el arrebato de las frases cortas, los puntos y seguido y la prosa poética y las imágenes imposibles y las frases perfectas y enigmáticas, que como un duendecillo se internan en esa parte oscura que nadie conoce salvo uno mismo. Pero Últimos días en el Puesto del Este también es un viaje; una singladura con diez etapas, que como un Dakar sin brújula, intentan mostrarnos las coordenadas hacia el abismo, igual que cuando nos cortamos la larga melena de nuestra vida y sus mechones buscan un lugar donde depositarse y no volver a molestar más.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

jueves, 12 de enero de 2012

CYAN - SALITRE (versión) / Fnac Music Festival 29/12/2011 FMF Palau Sant Jordi - Barcelona

NADA SURF PUBLICA NUEVO DISCO: THE STARS ARE INDIFFERENT TO ASTRONOMY

Ernie Records publicará en España el nuevo disco de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy, el 24 de enero de 2012. The Stars Are Indifferent To Astronomy es el séptimo disco de Nada Surf y el primero con material nuevo en cuatro años.

La formación de Nada Surf sigue siendo desde hace quince años la formada por Matthew Caws (voz y guitarra), Daniel Lorca (bajo) e Ira Elliot (batería), aunque esta vez, como en If i had a hifi y su consiguiente gira, han invitado al guitarrista Doug Gillard (Guided by Voices, Death of Samantha) a unirse al grupo. Chris Shaw (Wilco, Brendan Benson, Elvis Perkins in Dearland y Super Furry Animals), que ya trabajó con la banda en la mezcla de “Always Love”, ha sido el encargado de la producción y la grabación.

A diferencia de otros discos de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy ha sido grabado con la intención de capturar el sonido del directo de la banda. “Siempre hemos tocado más rápido y un poco más fuerte en directo”, dice Caws, “pero en el estudio lo hacíamos con más cuidado. Así que para este álbum tomamos la decisión consciente de preservar lo que se siente en el local de ensayo al tocar con esa energía de las canciones nuevas. Simplemente aceptarlo y no preocuparnos por si nos estamos pasando, no pensarlo demasiado”.

Los tempos son altos, pero las canciones están cargadas de melodías contagiosas, cambios asombrosos y los geniales puentes característicos de Nada Surf. El oído atento percibirá la influencia de muchas bandas, desde el pop británico de los 60 al post-punk o el indie más clásico, pero aun así hay un inconfundible sonido de Nada Surf: el impulso de la sección rítmica, los acordes introspectivos y el peso emocional único de la voz de Caws, a la vez juvenil y llena de alma, una combinación de sabiduría y vulnerabilidad.

Nada Surf habían grabado todos sus discos menos el primero fuera de Nueva York, pensando que así evitarían las distracciones. Pero si quieres conservar la energía del local de ensayo, ¿por qué no grabar en el local de ensayo? Así que para The Stars Are Indifferent To Astronomy se instalaron en el lugar donde ensayan, en el loft de Daniel Lorca en Williamsburg, Brooklyn. El lugar se llama “The Sitcom” porque recibe con regularidad la visita de un pintoresco reparto de personajes y alberga fiestas legendarias. Aunque hubo algunos problemas: “No podíamos grabar las voces de noche porque se colaba la música del bar de debajo”, dice Caws.

“Hacer este álbum ha sido un gran placer, es la vez que mejor nos lo hemos pasado con un disco”, continúa Caws. “Durante muchos años escribía sólo si tenía algún problema en mi vida y necesitaba dejarlo atrás, pero esta vez quería superar lo de escribir sólo sobre mí. Esa nueva perspectiva, para mí, ha sido el motor para hacer este disco”.

The Stars Are Indifferent To Astronomy continúa la idea de la música como una realidad alternativa y las canciones como algo que puedes tener a tu lado como inspiración y apoyo. Que es lo que hace de Nada Surf una banda realmente querida.

martes, 10 de enero de 2012

THE GIFT ANUNCIA NUEVA FECHA EN MADRID: 19 DE ENERO

Debido a la gran demanda de entradas que ha suscitado la vuelta a los escenarios de The Gift (el grupo indie portugués más internacional) con su gira "Primavera/Explode - Mil colores posibles", que se basará en nuevas canciones grabadas recientemente durante 10 días en el Centro Cultural de Belém y las más recientes de su último disco Explode, se ha ampliado una fecha más en Madrid: 19 de enero en el Teatro Lara.

El resto de la gira es el siguiente:


THE GIFT: PRIMAVERA / EXPLODE - GIRA ENERO/FEBRERO 2012


18 ENERO/ TEATRO LARA, MADRID.

19 ENERO/ TEATRO LARA, MADRID.

20 ENERO/ Sala BIKINI, BARCELONA.

2 FEBRERO/ TEATRO PRINCIPAL, SANTIAGO DE COMPOSTELA.

LIMBO STARR ANUNCIA EL FICHAJE DE MODELO DE RESPUESTA POLAR

En Limbo Starr estamos muy ilusionados por comenzar el año anunciando nuestra alianza con Modelo de Respuesta Polar. Nacidos hace dos años en Valencia, el grupo compuesto por Borja, Matías y los hermanos Mollá, Jorge y Francisco, ha dado forma durante este tiempo a su personal sonido y trabajado con el único objetivo de crecer como banda, ganándose un exponencial reconocimiento gracias a su intenso directo, que les ha llevado a presentar su EP homónimo por más de treinta fechas, destacando sus participaciones en los festivales Low Cost, Arenal Sound y Vinilove.

En breve editaremos su primer álbum y el 4 de febrero estarán en el eno!Festival.

Nosotros, de paso aprovechamos para recordar la reseña que les hicimos con su primer EP:

MODELO DE RESPUESTA POLAR: POP OSCURO CARGADO DE REALISMO SUCIO.

El sonido del primer Ep de este grupo valenciano, es una perfecta simbiosis entre el pop oscuro de su música, y el realismo sucio de sus letras, lo que nos da como resultado, unas composiciones que salen desde lo más profundo de sus entrañas, y que además, tienen la extraña virtud de querer conmovernos y no dejarnos indiferentes.

Canción de culto es sin duda el mejor tema de los cuatro, donde la voz de Borja Mompó se funde en un perfecto cóctel musical, donde nada es gratuito, pues el desgarro musical y vocal se desplaza por nuestros sentidos de una forma directa y que sigue en la audición de una Afinidad Inventada cargada de intensas declaraciones vocales y de guitarras soterradas de gritos de desesperados.

Ellos admiten las influencias de las bandas indies nacionales y sudamericanas en su música, lo que a veces nos lleva al sonido del desaliento callejero de Julio de la Rosa, o en otras ocasiones al más puro sonido shoegaze de algunas composiciones de Nadadora, lo que ya es decir mucho y apostar fuerte por Modelo de Respuesta Polar, un cuarteto compuesto por Jorge Moyá al bajo, Francisco Moyá a la guitarra, Matías Entraigues a la batería y Borja Mompó a la voz y guitarra.

Por si nos quedaban dudas sobre la apuesta de la banda, han vuelto a editar dos canciones más, Por Costumbre y el Principio de Otro, donde otra vez, dejan muy claro cuál es la apuesta por la que ellos se han decantado, que no es otra, que la de una música personal, que busca en la profundidad de los sentidos el lugar desde el que decirnos que ellos están aquí, abriéndose camino en el competitivo espacio del indie nacional, que cada nueva propuesta que nos llega, nos sirve para reafirmarnos en la buena salud con la que cuenta.

Si queréis escuchar los seis temas del grupo, sólo tenéis que enlazaros a su MySpace: http//www.myspace.com/modeloderespuestapolar.   

IV EDICIÓN FESTIVAL SUBTERRÁNEO EN LA SALA COSTELLO CLUB (MADRID) DEL 23 AL 29 DE ENERO 2012.

Apertura de Puertas: 21,00h


Inicio CONCIERTOS: 21,30h




PROGRAMA DE CONCIERTOS

Lunes, 23 Enero - KUVE

Martes, 24 Enero - LABUAT

Miércoles, 25 Enero - THE NOISES

Jueves, 26 Enero - PASAJERO (ÚLTIMA INCORPORACIÓN)

Viernes, 27 Enero - LOS PEDALES

Sábado, 28 Enero - LOUISIANA

Domingo, 29 Enero - WILLY NAVES

Entradas ya a la venta en la misma sala (venta de 20,00h a 22,00)

viernes, 6 de enero de 2012

SECOND, POSE: LAS GRIETAS MÁS OSCURAS DE LOS INICIOS DE UNA LEYENDA.

Las rutas que nos conducen por las arterias de nuestras vidas siempre tienen un inicio que muchas veces nuestra memoria y las ansias de vivir nuevas experiencias no nos permiten revisitar. La génesis donde todo comienza es un lugar casi siempre olvidado, pero en él está el por qué de todo lo que viene detrás, y más en la vida de un artista, o como este caso, de un grupo musical. ¿Cómo eran Second allá por el año 1999 o el 2003? Estamos acostumbrados a ver la palabra the end en las películas, series y novelas, pero poco sabemos de su contraria, inicio. Second han despedido el año 2011 copando las listas resumen del año en un buen número de revistas musicales, blogs y demás mentes inquietas de este país, lo que sin duda, ahora sí, los ha catapultado a ese edén donde sólo habitan los mejores. Demasiado soñadores se ha comportado como una máquina de sueños que ha convencido a propios y extraños (superadas las 5.000 copias vendidas, ya van en busca de la cifra mágica de las 10.000), y ha rodado y rodado por todo el territorio nacional colándose en las salas más pequeñas y más grandes entre festival y festival, pero ¿cuál es el inicio de Second?

La locura maravillosa que este mundo de la música atesora, un día me llevó a realizar mi primera entrevista a Sean en el zaguán de las escaleras de la mítica Sala El Sol de Madrid, mil y una veces revisitada en los lejanos y tardíos años ochenta; y esa senda de los soñadores por donde algunos tratamos de caminar el máximo tiempo posible, hizo que un deseo expresado al sol del invierno de Madrid, se convirtiera en realidad semanas más tarde con la recepción de este Pose, segundo disco de Second que tengo la fortuna de tener gracias a la generosidad del grupo. Nada más recibirlo fui presa de esa necesidad de buscar ese por qué y el inicio de estos cinco jóvenes murcianos que en Pose parecen sacados de cualquier barrio de Londres, Manchester o Liverpool.
Enseguida caí en la red de la sencillez como mejor esencia de unas canciones que sólo inundan mi cabeza de buenas imágenes cada vez que las escucho. Sus notas son como una película que nunca te cansas de ver por mucho que la hayas visto cientos de veces y ya te sepas el final. Canciones como Different Levels, Living in London, Star Glasses o Situation me hacen revivir ese tiempo donde todo parecía que podía ocurrir, y que como un regalo a punto de ser abierto te deja con la boca abierta de las buenas sensaciones. Las grietas oscuras de las que nacen las notas de estas canciones se sustentan en las experiencias que uno guarda dentro de ese pequeño cajón que abre cada vez que necesita saber cuáles son sus orígenes como sustento para poder seguir adelante. Es cierto que los ecos de Morrisey o las guitarras de Los Smiths o Los Cure recorren sus sonidos con total libertad, pero lo que no se les puede discutir a Second es ese sello tan personal de afrontar una nueva aventura con cada canción, a la que proporcionan esas gotitas de esencia puramente Second, y que nos permite reconocer este Pose con permiso del desconocido Private Life y su magistral Watching the moon como los inicios de una leyenda que con el paso del tiempo se va haciendo cada día más grande y no sólo por su música, sino también por el gran número de personas que día a día caen hipnotizados en las redes musicales de este grupo, a los que podríamos rebautizar como Los Cinco de Murcia.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

martes, 3 de enero de 2012

Nace el enoFestival, el primer festival que fusiona música independiente y cultura enológica

Nacho Vegas, The Right Ons, Christina Rosenvinge, The New Raemon, Tachenko, y Modelo de respuesta polar protagonizarán la primera edición de este festival único en su especie. El próximo 4 de febrero se celebrará en el Palacio Vistalegre, el primer festival completamente dedicado a la música y el vino, donde las catas y el buen ambiente se entremezclarán con los directos de algunas de las bandas más interesantes del panorama independiente nacional.

El enoFestival es un festival de día en el que, desde las 13:00 hasta las 00:30h, se podrá disfrutar de un espacio exclusivo creado para la ocasión. Vinos de distintas denominaciones de origen, variedades y tipos podrán ser degustados, con precios a partir de 2€, al ritmo de los conciertos de Nacho Vegas, The Right Ons, The New Raemon, Christina Rosenvinge, Tachenko y Modelo de Respuesta Polar.

Un concepto diferente de festival, donde redescubrir el placer de la música en directo con una buena copa de vino en la mano.

Las entradas tendrán un precio especial de 20€ hasta el 15 de enero. A partir de ese día pasarán a tener un precio único de 27 euros más copa de vino gratis. Pueden adquirirse a través de Ticketmaster.

domingo, 1 de enero de 2012

DRIVE: UN HÉROE SIN MOTIVO APARENTE.

Intensa, dura, brillante, tierna, demoledora, noir… Magnífica, sublime, apoteósica, lírica, atmosférica… Irreal, oscura, incierta, sangrienta… Muda, visual, sobrecogedora… La aventura épica de este cowboy silencioso y moderno es una sucesión infinita de sensaciones que te fijan al asiento de tu butaca y no te dejan indiferente por mucho que intuyas el final, aunque en este caso, eso es lo de menos, porque lo que ocurre antes de llegar a ese the end estilo samurái es tan impactante que no recaes en ello, y sólo buscas sobreponerte a la intensidad de unas imágenes que acompañadas de una música para recordar, te dejan sin poder articular palabra.

La ciudad vestida de un negro largo nocturno, y el silencio que reina en esa oscuridad de la noche, son sólo dos personajes más de esta apabullante película, que transita a través de unas panorámicas a cámara lenta espectaculares; y lo hace por la piel de una noche iluminada por infinitos puntos de colores, que como faros tan cercanos como desconocidos, nos envían mil y un mensajes que no nos paramos a descifrar, pero que cada uno de ellos, lleva en sí mismo una vida con sus respectivas encrucijadas. En ese escenario negro, silencioso, solitario y casi perdido aparece él (Ryan Gosling), subido a su coche como un cowboy moderno, para ayudarnos a desentrañar los enigmas de los cruces de caminos a los que él se enfrenta y nos enfrenta. Pero en esa lucha él no está solo, porque le acompaña la música de la banda sonora que Cliff Martínez ha compuesto para este film, y que sencillamente es sublime.

Las imágenes y la música se funden en un plácido y enigmático viaje, como ocurre al inicio de la película en la larga escena de persecución automovilística, donde ya nos damos por enterados de las habilidades más que ciertas que posee al rodar este tipo de escenas su director, Nicolas Winding Refn. Esa frialdad nórdica a la hora de dirigir, se traslada hasta la mirada de Drive (Ryan Gosling), que con un palillo entre sus dientes, adivinamos que es el personal leitmotiv que ha elegido para atenazar el nerviosismo y la concentración que sus ojos nos brindan en una secuencia muda y casi onírica de una aventura de caballos de metal sobre las calles de Los Ángeles.

Drive es un héroe sin motivo aparente, pero a nosotros nos da igual, porque estamos tan faltos de ellos, que con su sola presencia caemos rendidos a sus pies y les veneramos sin necesidad de que ellos nos den un por qué. Al otro lado de esa mirada fría, intensa y enigmática, está el calor de los ojos de Carey Mullighan; un calor y una cercanía con la que intenta sobreponerse a los reveses de su descolocada vida. La ausencia de palabras a las que ambos se enfrentan, nos remite al lenguaje visual de sus ojos, en el que nos sumergimos víctimas de esa intensidad que nunca parece romperse, pero que es tan real como los latidos del corazón que sentimos bajo nuestra piel cuando los estamos viendo. ¿Es posible que el amor surja en ese espacio donde sólo hay un lugar para la tierra quemada? La química que ambos nos muestran parece decirnos que sí, aunque esto también debamos imaginarlo, como tantas otras intenciones mudas de este clásico del cine noir con ramalazos atmosféricos del cine western del siglo XXI.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.