Tiempo de comunicaciones rotas

Tiempo de comunicaciones rotas

lunes, 31 de octubre de 2011

COUNTRY STRONG: EL FINAL DE UN SUEÑO.

Las grietas del éxito a veces conducen al final de un sueño, que por esperado, no deja de ser triste y dramático, convirtiendo la estela de la fama de la estrella en cuestión, en una crónica de flashes apagados, que como un apagón inesperado, la dejan sumida en el ostracismo de las personas normales, pero ¿acaso las estrellas no son personas corrientes? La fragilidad caprichosa de la cantante country Kelly Canter, interpretada por Gwyneth Paltrow, en principio sólo nos deja ver al alcohol como causante de su derrumbe personal, pero la lenta cercanía a su vida, nos proporciona los datos suficientes para desentrañar las claves de su dura patria interior; un terreno tan extenso como inestable, que la llevan a decir en un momento del film, a su amante Beau Hutton (Garrett Hedlund), que el amor y la fama no pueden habitar en el mismo lugar. Ese déficit afectivo, lleva a la superstar a buscar refugio en la cercanía y sencillez de las personas corrientes, esas que todavía no se han visto contaminadas por el éxito arrollador (de la música en este caso), y que en esa batalla diaria a la que se enfrenta cualquier persona que tiene alguna vía creativa, buscan canalizar sus inquietudes e ideas de una forma pura. Y ese es el final del sueño para Kelly Canter, un asidero que la haga seguir adelante ante la falta total de pureza afectiva y creativa. Lo que de una forma bastante plausible nos lleva a preguntarnos con reiteración eso de ¿qué es el éxito? o en qué consiste ese término más allá de las edulcorantes imágenes que nos llegan a través de la televisión o los vídeos de las canciones de los grupos y cantantes, en este enrevesado negocio de la música masiva.

A medio camino entre una road movie y un continuo videoclip, la guionista y directora Shana Feste, ha dejado en manos de Gwyneth Paltrow, el peso de esta fallida crónica del fracaso de una cantante, que por lo que a su protagonista se refiere, ha acertado de pleno, pues las dotes interpretativas de la señora Paltrow salen indemnes y reforzadas, en esas dos aguas de ternura y destrucción que dan vía libre a su labor como cantante; una faceta que aunque no es nueva para la actriz, nos ofrece un nuevo campo en el que brilla como una auténtica estrella, no en vano, el tema Coming Home, uno de los muchos que interpreta en la película, ha sido nominado al Oscar a la mejor canción original.

Una pena, que la falta de un guión bien estructurado y capaz de proporcionar unas mayores dotes dramáticas y de verosimilitud a unos personajes perdidos en sus vidas, sea el culpable del naufragio de esta película que entretiene, pero nada más, a pesar del esfuerzo meritorio de un repertorio musical que lejos del clásico country, y mucho más cercano al pop country actual, se deja ver y escuchar, pero que no traspasa la barrera del recuerdo, por esa ausencia de un guión que esté a la altura del elenco de protagonistas que se reúnen en ella, pues tanto Tim McGraw en su papel de marido de la estrella, como Garret Hedlund en el de amante de la misma, y la Gossip Girl, Leighton Meester, en su papel de Chiles Stanton, podrían haber configurado una película con la suficiente sustancia como para habernos dejado un buen sabor de boca, más allá de la mera anécdota reiterativa, del camino que conduce al final de un sueño, en este caso, el de una estrella del country pop norteamericano.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

jueves, 27 de octubre de 2011

CONCIERTO PRESENTACIÓN DE LA GIRA MUNDIAL DE COLDPLAY, MYLO XYLOTO, EN MADRID: UN ESTALLIDO DE ALEGRÍA EN LA PLAZA DE TOROS DE LAS VENTAS.

La crisis no parece afectar a Coldplay, ya que en apenas una hora, se agotaron todas las localidades del concierto el día que éstas se pusieron a la venta; una euforia que también se trasladó al precio que las mismas alcanzaron en el mercado secundario o en la tarde de ayer en la inmediaciones del coso venteño, que pocas horas antes se había vestido de luto para despedir al gran maestro Antonio Chenel “Antoñete”. Y por si todo esto fuera poco, Chris Martin y sus chicos se unieron a ese estado de incontinencia positiva, ofreciendo a sus incondicionales fans, un recital pletórico de entusiasmo, que el grupo concibió como una colorida fiesta musical y multimedia con el objetivo de que nadie saliera defraudado, ni el público asistente ni el que siguió el concierto a través del canal de youtube que habilitaron. En una época global como la que vivimos, espectáculos concebidos y ejecutados para un público masivo, deben comportarse como tales, y quizá por eso, el concierto que anoche ofreció en Madrid el grupo británico Coldplay, más que servir para presentarnos su último disco Mylo Xyloto (sólo un tercio del setlist se paró en el disco), se convirtió en una nueva demostración del poderío y capacidad de convocatoria casi mimética, que en la actualidad profesan estos no tan jóvenes músicos británicos, que ayer presentaron una vez más, su candidatura a ocupar el primer puesto del ranking de giras mundiales, con la intención de arrebatárselo a los mismísimos U2.

De ahí, que no es de extrañar que la intro del concierto fuese Back to the future, como una metáfora en la que Coldplay nos intenta llevar hasta un espacio en el que el futuro (Mylo Xyloto) y el pasado (el repaso a sus grandes hits) se dan la mano, con la intención de convertir a sus actuaciones, en un estallido de alegría incontenida e incontenible, donde además de la música, también adquieren protagonismo los efectos especiales y la disposición de un escenario preparado para hacer las delicias de sus seguidores, que no dejaron de divertirse desde que comenzaron a sonar las primeras notas de Hurts like heaven; una canción que abrió el setlsit del concierto, sólo perturbado por un mini documental sobre Mylo Xyloto, que le precedió. Un tema que fue continuado por Yellow y con el que Coldplay se ganó al público, que lo coreó ampliamente y que al final provocó el primer (de un interminable) ¡gracias! de Chris Martin (se nota que Gwyneth Paltrow y sus hijos, cada vez más, le enseñan un mayor número de palabras en español), que se fundió con un ¡cantamos! cuando se inició On my place, que de nuevo el público hizo suya y que arrancó de Chris ¡Madrid, eh, oh yeah! Y que finalizó con un ¡muchísimas gracias! y con Martin y Jon agarrados sobre el escenario.

El primer parón lo invirtieron los británicos para tocar otra canción de su nuevo cd, Major minus y que Martin comenzó (ya embalado en su castellano) con un ¡Buenas noches, amigos!, estamos muy contentos de estar aquí en Madrid con vosotros (una declaración que no llegó a la contundencia con la que Bono se expresó en su concierto de 1987 en el Santiago Bernabeú cuando dijo en voz alta eso de: por qué demonios no hemos venido antes aquí), pero fuera agradecimientos y anécdotas del pasado, este nuevo tema se mostró como una canción dinámica y con mucha más presencia de guitarras, donde se produjo un claro guiño a The Edge de U2 (por si ya fueran pocas las comparaciones con el grupo irlandés), y que fue capaz de crear una atmósfera envolvente que se rompe con un torbellino más potente al final de la misma, muy cercano al rock. Después sonaron Lost!, The scientist, Violet hill y God put a smile upon your face, hasta recalar de nuevo en Mylo Xyloto con Paradise, un claro single, pues los potentes teclados del inicio, son los típicos marca de la casa; un tipo de interpretaciones a medio tiempo que tan bien ejecutan Coldplay, y que sirvió para inundar de mariposas el escenario, en una suerte de paraíso musical y del otro (puro hedonismo), que les lleva hasta Up in flames; una balada de piano con batería electrónica de su nuevo disco, que fue el puente perfecto para continuar con The Kingdom come que acaba con un oé, oé colectivo y que se transforma en un olé, olé muy taurino. Politik se enlaza con ¡Viva la vida!, donde Chris Martin de nuevo se pone su cazadora militar estilo graffitero (nada queda al libre albedrío en el concepto global de este grupo), que suena mucho más potente que en el disco, al sustituir las cuerdas de los violines por las de las guitarras y los sonidos de los teclados (puro epicismo sonoro) y que tras un multitudinario Oh, oh, oh, oh, acaba con Martin en el suelo, para dar paso a los coros del público mientras pronuncia la archiconocida frase ¡muchísimas gracias! que funde con otro nuevo tema, Charlie Brown, en el que le pide al público ¡saltar, por favor!; un tema donde regresan los ritmos rápidos que se congelan con los medios tiempos en los que Chris Martin se recupera del resuello de su voz, y que además, nos sirve para apreciar el sonido de fondo de los teclados, muy característico de los nuevos temas de Mylo Xyloto, sonidos que insisten en esos espacios vacíos que se rompen con las guitarras y que tan bien les funcionan a Coldplay, que con Life is for living serenan el ambiente hasta que se despiden con un ok, ¡good bye!, que a los allí presentes se les hace insuficiente, porque la ausencia del grupo, hace que las Ventas se llene de pañuelos blancos a coro con un oé, oé, oé, oé…

…que se interrumpe cuando suenan los acordes de Clocks y el ¡gracias! de Martin, que tiñen de un rojo muy taurino el escenario de la plaza de toros, que sólo es violado por la voz intensa de Chris Martin y el incesante aporreo de sus manos sobre el piano; que se funden con el tema Rehab en un claro homenaje a Amy Winehouse (I say no, no, no) y sirve de arranque a Fit you, lo que de nuevo resucita los sonidos más épicos del grupo, donde un intenso piano se funde con las guitarras y un apoteósico final, mientras Martin pinta un graffiti con el nombre de Madrid hasta que suenan, primero M.M.I.X, y después, Every teardrop is a waterfall (primer single de Mylo Xyloto) que con Io, io, io nos lleva a ritmos basados en el piano eléctrico y unas guitarras muy escocesas, que nos retrotraen a los matices más anglosajones de una banda que maneja a la perfección los códigos genéticos de sus orígenes como grupo, sin olvidarse de su cara más épica a ritmo de oh, oh, oh, lo que permite a Chris Martin soltarse a bailar por todo el escenario y al que acompañan unos fuegos artificiales y un ¡good night, thank you!

No contentos con lo que han visto y disfrutado, sus fans les reclaman con el oh, oh, oh de ¡Viva la Vida! marcándose un coro colectivo que llena todos los recovecos de la plaza de Toros de Las Ventas, al que añaden unas palmas muy taurinas para que regresen al escenario, y un otra, otra, otra con un espontáneo Ritmo, ritmo de la noche, que supuso el final de la retransmisión del concierto por youtube.

En definitiva, Coldplay se muestran como un gran espectáculo de entretenimiento global y no sólo musical, con el que intentan subir a lo más alto del pódium de los espectáculos musicales llena-estadios (o plazas de toros). ¿Y en lo estrictamente musical?, pues ahí, nada nuevo.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel
Foto: LivestreamVEVO).

martes, 25 de octubre de 2011

LAS FLORES DE LA GUERRA, LA NOVELA EN LA QUE SE BASA LA PELÍCULA DE ZHANG YIMOU‏ SALDRÁ PUBLICADA EN EL MES DE MARZO DE 2012

La editorial Alfaguara publicará el próximo mes de marzo Las flores de la guerra, de Geling Yan, la novela en la que se basa la película de Zhang Yimou. Protagonizada por Christian Bale, es la mayor producción cinematográfica china de la historia y candidata a la Mejor Película Extranjera en los Oscar de 2012.

Las flores de la guerra, narra la conmovedora historia de un sacerdote estadounidense -interpretado por Christian Bale-, quien durante la invasión japonesa a Nankín queda al cuidado de unas niñas huérfanas, a quienes educa en su iglesia. En medio de la masacre japonesa se debatirá ante el peligro de dar albergue a unos soldados chinos y a un grupo de prostitutas.

El director, Zhang Yimou ha sido el responsable de la adaptación cinematográfica de Las flores de la guerra. Un presupuesto de más de 90 millones de euros convierte a la película en la producción más cara de la historia de China. La cinta, protagonizada por Christian Bale, representará a China en la próxima gala de los Oscar.

Geling Yan nació en Shanghai en 1958 en el seno de una familia de artistas y a los trece años entró a formar parte de la Joven Guardia Roja de Mao. Escribió sus primeras novelas en China, y abandonó su país natal después de los sucesos de Tiananmen para instalarse primero en Taiwán y posteriormente en San Francisco. Ha publicado más de veinte títulos, entre los que destacan The Banquet Bug, The Lost Daughter of Happiness y La novena viuda, (Alfaguara 2011), Premio a la Mejor Novela en lengua china de 2006. Su obra, traducida a catorce idiomas, ha recibido varios premios literarios y ha sido llevada al cine con gran éxito. Actualmente vive en Berlín y trabaja en el guión cinematográfico de La novena viuda.

CONCIERTO DE CHRISTOPHER CROSS EL 22 DE NOVIEMBRE EN LA SALA BIKINI DE BARCELONA

Christopher Charles Geppert, más conocido como Christopher Cross ( San Antonio, Texas; 3 de mayo de 1951) es un influyente compositor y cantante norteamericano ganador de un Óscar, un Globo de Oro y 5 premios Grammy. Su composición más conocida es "Arthur's Theme (Best That You Can Do)" para la película Arthur protagonizada por Dudley Moore y Liza Minnelli. La canción ganó el Óscar en 1981 (premio compartido con Burt Bacharach, Carole Bayer Sager y Peter Allen).

Cross tocaba con un grupo de Austin llamado Flash antes de firmar un contrato con Warner Bros, gracias al cual publicó un primer álbum llamado Christopher Cross en 1979 por el cual ganó 5 premios Grammy. Recibió en una misma gala los 4 premios principales que son: Mejor Grabación, Mejor Canción, Mejor Album y Mejor Nuevo Artista, record que comparte con Norah Jones. De este álbum destacan las canciones "Sailing", "Ride Like the Wind" y "Never Be the Same."

Su segundo álbum llamado Another Page de 1983 incluía las canciones "Think of Laura" y "All Right".

Este concierto es una magnífica oportunidad para ver a uno de los musicos mas influyentes del Pop/Rock americano.

Más información en:
christophercross.com
myspace.com/christophercrossmusic
http://www.youtube.com/watch?v=fcwLrEATXH4

ROCK MUSIC CONCERT PROMOTIONS
Avda, de Roma, 10 5º 1ª08015 - Barcelona - Spain
http://www.rmconcert.com/


CONCIERTO: 22 NOVIEMBRE - BARCELONA - SALA BIKINI a 21:00 H
Precio: Anticipada 30€ - Taquilla 35€
Venta de Entradas en: Fnac, Carrefour, puntos de la red Ticketmaster.es y en el teléfono 902 150 025 .

NADA SURF PUBLICA NUEVO DISCO TITULADO, THE STARS ARE INDIFFERENT TO ASTRONOMY, EN ENERO DE 2012

Ernie Records publicará en España el nuevo disco de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy, el 24 de enero de 2012. Los seguidores de la banda pueden bajarse ya una primera canción del álbum, “When I Was Young”, desde la web http://www.ernieproducciones.com/. The Stars Are Indifferent To Astronomy es el séptimo disco de Nada Surf y el primero con material nuevo en cuatro años.

La formación de Nada Surf sigue siendo desde hace quince años la formada por Matthew Caws (voz y guitarra), Daniel Lorca (bajo) e Ira Elliot (batería), aunque esta vez, como en if i had a hifi y su consiguiente gira, han invitado al guitarrista Doug Gillard (Guided by Voices, Death of Samantha) a unirse al grupo. Chris Shaw (Wilco, Brendan Benson, Elvis Perkins in Dearland y Super Furry Animals), que ya trabajó con la banda en la mezcla de “Always Love”, ha sido el encargado de la producción y la grabación.

A diferencia de otros discos de Nada Surf, The Stars Are Indifferent To Astronomy ha sido grabado con la intención de capturar el sonido del directo de la banda. “Siempre hemos tocado más rápido y un poco más fuerte en directo”, dice Caws, “pero en el estudio lo hacíamos con más cuidado. Así que para este álbum tomamos la decisión consciente de preservar lo que se siente en el local de ensayo al tocar con esa energía de las canciones nuevas. Simplemente aceptarlo y no preocuparnos por si nos estamos pasando, no pensarlo demasiado”.

Los tempos son altos, pero las canciones están cargadas de melodías contagiosas, cambios asombrosos y los geniales puentes característicos de Nada Surf. El oído atento percibirá la influencia de muchas bandas, desde el pop británico de los 60 al post-punk o el indie más clásico, pero aun así hay un inconfundible sonido de Nada Surf: el impulso de la sección rítmica, los acordes introspectivos y el peso emocional único de la voz de Caws, a la vez juvenil y llena de alma, una combinación de sabiduría y vulnerabilidad.

Nada Surf habían grabado todos sus discos menos el primero fuera de Nueva York, pensando que así evitarían las distracciones. Pero si quieres conservar la energía del local de ensayo ¿por qué no grabar en el local de ensayo? Así que para The Stars Are Indifferent To Astronomy se instalaron en el lugar donde ensayan, en el loft de Daniel Lorca en Williamsburg, Brooklyn. El lugar se llama “The Sitcom” porque recibe con regularidad la visita de un pintoresco reparto de personajes y alberga fiestas legendarias. Aunque hubo algunos problemas: “No podíamos grabar las voces de noche porque se colaba la música del bar de debajo”, dice Caws.

Hacer este álbum ha sido un gran placer, es la vez que mejor nos lo hemos pasado con un disco”, continúa Caws. “Durante muchos años escribía sólo si tenía algún problema en mi vida y necesitaba dejarlo atrás, pero esta vez quería superar lo de escribir sólo sobre mí. Esa nueva perspectiva, para mí, ha sido el motor para hacer este disco”.

The Stars Are Indifferent To Astronomy
continúa la idea de la música como una realidad alternativa y las canciones como algo que puedes tener a tu lado como inspiración y apoyo. Que es lo que hace de Nada Surf una banda realmente querida.

lunes, 24 de octubre de 2011

Sala & The Strange Sounds estrenan videoclip‏


El pasado 08 de octubre Sala & The Strange Sounds estuvo actuando en la sala Heineken de Madrid. Llegando al final del concierto el grupo ofreció en exclusiva al público que había acudido a verles la proyección de su nuevo videoclip del tema “No Way”, single de su próximo álbum que verá la luz en febrero de 2012. Después, el grupo tocó el tema en directo y todos los asistentes pudieron participar en el quitándose la bolsa de la cabeza.

En un mundo en el que cada vez mas habitualmente somos tratados como un simple numero sin rostro, Sala & The Strange Sounds nos invitan a rebelarnos, a liberarnos, a quitarnos la bolsa de la cabeza.

VETUSTA MORLA, ALEJO STIVEL (EX TEQUILA), RED HOUSE Y ANNI B. SWEET CIERRAN ESTA SEMANA ALTERNATIVAS EN CONCIERTO 2011‏

La Comunidad de Madrid apuesta, por séptimo año consecutivo, por el ciclo ‘Alternativas en concierto’, junto con la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes-AIE y La Noche en Vivo (Asociación de Salas de Música en Directo de la Comunidad de Madrid). Este proyecto persigue dos objetivos: el reconocimiento de los artistas consagrados a la labor que las salas de pequeño y mediano aforo hacen por la música en vivo de nuestra Comunidad; y promocionar a los artistas emergentes, que actualmente se encuentran rodando en el circuito de salas, tocando con una gran figura y beneficiándose de la promoción y el poder de convocatoria del artista consagrado que les acompaña.

La séptima edición, que se celebrará del 13 al 30 de octubre, hace coincidir en los escenarios a artistas y grupos ya consagrados, con otros emergentes a los que dan ‘la alternativa’: Los Brincos a Metropop (jueves 13), Cooper a Zipper (sábado 15), Vinila Von Bismark & The Lucky Dados a Void Camp (martes 18), Söber a 20 Segundos (jueves 20), Red House a Vucaque (viernes 21), Mastretta a Jazz Lemon (sábado 22), Vetusta Morla a Martin Page & The Polaroids (miércoles 26), Alejo Stivel (Ex Tequila) a 84 (jueves 27), Red House a Susan Santos (viernes 28) y Anni B. Sweet a Tuya (domingo 30).

De las salas que actualmente integran La Asociación de Salas de Música en Directo de Madrid, La Noche en Vivo, diez participan en ‘Alternativas en concierto 2011’: Segundo Jazz, Siroco, Taboo, Silikona, Reciclaje, Espacio R, Costello Nite&Club, Ritmo y Compás, Tempo Club y Búho Real.

VII EDICIÓN DE ALTERNATIVAS EN CONCIERTO.
Conciertos del 26 al 30 de octubre

Miércoles, 26 de octubre – COSTELLO NITE&CLUB – 21:00H
VETUSTA MORLA + MARTIN PAGE & THE POLAROIDS
ENTRADAS AGOTADAS

Jueves, 27 de octubre – RITMO Y COMPÁS – 21:00H
ALEJO STIVEL (EX TEKILA) + 84
ENTRADAS: http://www.entradas.com/entradas/evento.do?idEvento=206973



Viernes, 28 de octubre – TEMPO CLUB – 21:30H
red house + susan santos
ENTRADAS: http://www.entradas.com/entradas/evento.do?idEvento=206714

Sábado, 30 de octubre – BÚHO REAL – 21:30H
ANNI B. SWEET + TUYA
Entradas: http://www.entradas.com/entradas/evento.do?idEvento=206975

PARA TODOS LOS CONCIERTOS:
Precio de las entradas: 8€ anticipada en http://www.entradas.com/ // 10€ en taquilla.

Toda la información en: http://www.lanocheenvivo.com/

NOWHERE BOY: LA GÉNESIS DE UN MITO.

Un mito, ¿nace o se hace?, porque más allá de la persona que construye sobre sí misma una leyenda, cabría hablar del espectro que sobre ella es capaz de tejer la sociedad, difuminando la distancia que separa al personaje de la persona. En este sentido, la mitomanía inherente al ser humano, e imperante de manera enfermiza a partir del siglo XX con la llegada de la sociedad de consumo, ensalza mitos con la misma facilidad que los derriba, y esa es una de las características que no deberíamos pasar por alto a la hora de acercarnos a la vida y milagros de cualquiera de las personas a las que se cataloga con dicho término. En el caso que nos afecta, Nowhere boy nos narra el inicio de la historia de uno de esos personajes que formarán parte del olimpo de los elegidos para no ser olvidados, porque tuvo el don de pertenecer a una nueva cultura que a través de la música, transformó la sociedad y las costumbres del mundo que le tocó vivir. John Lennon podría ser catalogado como un rebelde con causa, en el sentido, que su vida desde su infancia, fue una lucha entre sus recuerdos, sus sentimientos y la situación familiar que le tocó vivir. Acogido por su tía, pero abandonado por sus padres, a medida que se fue haciendo mayor no acabó de encajar en el puzzle de piezas rotas que era su existencia. La ausencia de las figuras paternas, desencadenó en una rebeldía que comenzó en el colegio, y que en su primera juventud, le llevó a adoptar una pose altiva, chulesca y siempre a la defensiva ante todo aquello que se enfrentaba, ya fuera una canción, una chica o una nueva relación de amistad.

Esta película retrata muy bien esa génesis del genio, justamente anterior a lo que luego fue la archiconocida historia de The Beatles, porque en Nowhere boy, vemos a un John Lennon que aprende a tocar la guitarra mientras marcha perdido en pos de la búsqueda de su propia identidad. En ese camino que le llevará a intentar resolver su primera incógnita, naufragará en la búsqueda de encontrar un sustento anímico y sentimental por parte de los suyos. La muerte de su tío George primero y la rigidez de su tía Mimi después, le dejarán el camino libre hacia la búsqueda de su propia identidad a través de su madre, pero una vez que la encuentra, tampoco le resultará fácil dejarse llevar por la inercia propia entre madre e hijo, que sobre todo al principio, irá encorsetada en los ritmos del rock’n’roll de Elvis Presley y Jerry Lee Lewis. Una música que acercará a madre e hijo de una forma nada maternal, pero que llevará a Lennon a encontrar en la música una salida para dar rienda suelta a los demonios que le recorren la cabeza, y que como una bomba, saltará por los aires el día que descubre la verdadera historia de adopción por parte de su tía.

Sin embargo, el gran duelo interpretativo de la película se produce entre las dos mujeres que luchan por la custodia del joven Lennon, con una acertada y contenida Kristin Scott Thomas en el papel de Mimi Smith (tía de Lennon) y una exuberante y vehemente Anne-Marie Duff en el papel de Julia Lennon (madre biológica del cantante), sin duda lo mejor del film en el apartado actoral, en el que tampoco desentona Aaron Johnson en el papel de John Lennon. Del mismo, modo cabría decir que tanto el guión de Matt Greenhalgh (basado en la memorias de la hermanastra de Lennon, Julia Baird), así como la escenografía elegida por la directora, Sam Taylor-Wood, y el tono sosegado aunque trágico en el que se enmarca todo el largometraje, contribuyen a dar unas mayores dotes de veracidad a la historia que se nos cuenta, que sobre todo, para aquellos fans de los Beatles que desconocieran cómo era la vida de uno de los componentes del grupo antes de que se convirtieran en una leyenda, a buen seguro les ayudará a componer el rompecabezas de uno de sus grupos favoritos, y a entender cómo fue la génesis de un mito.

Reseña de Angel Silvelo Gabriel

viernes, 21 de octubre de 2011

SECOND CONVIERTE EN UN GRAN FIESTA REPLETA DE BUENA MÚSICA EL INICIO DE LOS CONCIERTOS RETRATOS MAHOU 2011.





Todos aquellos que llevamos varios años siguiendo la trayectoria de este grupo murciano, nunca hemos dudado de su potencial y de las grandes posibilidades de su música, pero por si todavía teníamos alguna duda, ayer dieron el salto definitivo hacia el lugar donde se encuentran los mejores grupos (indies y no) de la industria musical española, porque Second, una vez más, demostraron que ganan muchos enteros en los espacios grandes que normalmente no frecuentan en los circuitos de las salas de conciertos del territorio patrio. Energía, contundencia, presencia (mucha presencia) y una brillantez arrolladora, son sólo algunos de los calificativos con los que cabe definir el proyecto cada vez más maduro de este grupo, que salvo el apoyo de la parafernalia de un buen juego de luces o de una pantalla gigante que nos vaya exponiendo imágenes de sus vídeos o instantáneas que sean del agrado de aquellos que van a sus conciertos, lo tienen todo. Ayer, Second, en esa desnudez de guitarras, bajo, teclados, batería y voz, capitaneados por ese gran cantante que es Sean Frutos, volvieron a salir victoriosos ante un nuevo reto, que como siempre, ellos afrontaron con total naturalidad y dotes de cercanía con su público a la hora de ejecutar sus temas, que como un álbum de fotos sonoro, compartieron con los asistentes como si los allí congregados fuésemos una parte más de la familia. Y disfrutamos de canciones hechas para soñar y recordar, porque ese es el poso de los grandes grupos y las grandes canciones que Second atesora. Al final del concierto el buen ánimo general fue tan entusiasta, que todo el mundo estaba esperando con gran expectación su próximo concierto el 16 de diciembre en Murcia (donde grabarán su primer disco en directo para celebrar sus quince años de carrera), y como no, el concierto del FNAC Festival que se celebrará en Madrid el próximo 27 de diciembre en Palacio de Deportes de Madrid, donde compartirán cartel con Amaral, Love of Lesbian o Iván Ferreiro, entre otros.

Second dividió ayer su concierto en tres partes, dos eléctricas y una acústica, que se convirtieron en un enorme regalo de cara sus fans. En este sentido, todo comenzó con la fuerza arrolladora de Mañana es domingo, un tema al que siguió el ritmo potente de A las diez, que se detuvo cuando Sean se dirigió al público por primera vez con un ¡Hola Madrid! somos Second, en el inicio de Demasiado soñadores, y que a Sean le sirvió para romper el hielo que Fran Guirao ya había fundido desde el inicio del concierto cuando se puso en pie sobre su batería a modo de estandarte. El ritmo del setlist cambió cuando tocaron Muérdeme con un inicio mucho más atmosférico e inquietante para una magnífica canción, al que siguió un espléndido punteo de guitarras (de Javi y Jorge), convirtiendo a esta historia de rendición en la primera canción ampliamente coreada por el público que canta la letra a pies juntillas, y que es el complemento perfecto de una canción épica y recurrente del mejor sonido de Second, que finaliza con unos magníficos coros, preludio de un rotundo final que les permite atacar el primer tema de su tercer álbum Invisible, Horas de humo, donde ya se aprecian las señas de identidad más que evidentes del grupo, aunque con un sonido menos contundente, pero que acaba con un entregado Jorge de rodillas sobre el escenario tocando la guitarra a modo de veneración hacia su entusiasta público.

Al inicio de En pequeñas cosas, Sean nos recuerda que aunque no es una de las canciones habituales en sus conciertos, sí es una de las elegidas por los fans a través de Facebook para que la toquen, y para no defraudarlos, ellos la inician con una contundente demostración de batería por parte de Fran, a la que siguen los ecos de la guitarras, que esta vez sí, nos retrotraen hasta Depeche Mode (grupo del que ya fueron teloneros). Este tema se convierte en un magnífico ejemplo del buen dominio que el grupo tiene sobre los medios tiempos épicos y rompedores que nos traen los ecos de las mejores canciones de los años ochenta, y que les sirve para enlazarla tras un largo inicio con Psicopático, donde una vez más, el ritmo del concierto sube y sube sin parar con toda la platea del teatro puesta en pie y dando palmas. Un tema, en el que Sean hace las delicias de sus fans con un baile psicopático dando vueltas sobre sí mismo, como exponente de una canción nuevamente eléctrica, potente y muy aplaudida. De ahí nos fuimos al Mar del Plata con De Buenos Aires (donde se produjo la anécdota de la noche), y que supuso el regreso a un sonido más eléctrico de guitarras que consigue trasladarnos de nuevo a ritmos que juegan una y otra vez a hipnotizar nuestros oídos y nuestros sentimientos en un bucle sinfín, donde de nuevo sobresale la magnífica voz de Sean, tan contunden con su instrumento vocal como el resto de los componentes de la banda con el suyo propio.

Rincón exquisito es el primer gran hit de la noche que sale a escena, y que todo el mundo canta de la primera a la última estrofa. Una canción pop, que es capaz de poner de acuerdo a todos los asistentes, pues se levantan de sus asientos y de pie en sus asientos corean la canción con un unánime manos arriba (de aplausos) al que Second responde con apabullante directo que acaba en acapella con Sean sentado en el borde del escenario junto al resto del grupo. Y de un hit al siguiente, porque casi sin solución de continuidad suenan las notas de N.A.D.A., uno de los temas más emblemáticos de la banda murciana, que se inicia con un tenue sonido de teclados que enseguida sube hasta el infinito en una nueva demostración de fuerza y de garra. Una canción que admite múltiples interpretaciones, y por ello, se hace grande, lo que supone la demostración de la madurez compositiva de José Ángel Frutos (Sean), que en este último álbum demuestra sus grandes dotes como letrista. Autodestructivos y sus notas que rinden pleitesía a los sonidos electrónicos de los grupos españoles de los años ochenta, es el final de la primera parta eléctrica de un concierto, donde sobresale un inmenso (en lo musical y en lo humano) Nando Robles; una contundencia que lleva al público a convertir al teatro en una gigantesca pista de baile, que termina con Fran apoyando con sus baquetas los aplausos del público, que culmina con un final muy psicodélico que nos recuerda a los Stone Roses.

La parte acústica, uno de los regalos que ayer nos ofrecieron Second, se inició con el tema Conocerte y con Sean a la voz y la armónica, en una pose que resucita en nuestros corazones la leyenda de los cantantes malditos, y al que acompañan el brillo de la guitarras acústicas de Javi y Fran que nos rasgan una vez más los sentidos de los allí presentes que estamos expectantes ante este nuevo formato de Second. Sometimes es una canción de su segundo disco Pose, y que por ende, hace las delicias de sus seguidores más veteranos. Una canción que cantan en inglés y que nos recuerda al Morrissey sin los Smiths, lo que no deja de sorprendernos, pues Second posee esa versatilidad de recuperar sonidos y sensaciones de otra época, lo que les hace sencillamente magníficos y que el público despide al son de ¿esos murcianos! Her Diary es la siguiente en sonar en el gran escenario de los Teatros del Canal, y se muestra como la cómplice perfecta entre estos magos de las cuerdas (vocales y de las otras) y un público que se entrega a la pureza de una voz que gana muchos enteros en este formato acústico. En el viaje es otra de la canciones votada en el Facebook por sus fans, y que a pesar de ser una de las canciones que no suelen tocar en directo, se adapta perfectamente al formato acústico, pues sus combinación de sonidos jazzies y de bossa nova la hacen propicia para dejarla bien guardadita en el cajón de los buenos recuerdos, donde también podemos guardar Tu alrededor, una canción que posee un gran carga de melancolía y ensoñaciones de ánimos de cambio, y que tiene ese tono de final de algo, como el final de los veranos o de las historias de amor, y en la que Sean salta del escenario y recorre todo el patio de butacas ofreciendo su micro al público para que cante el estribillo. Un público entre el que se encuentra su hermana Maryan Frutos (también con grupo denominado Kuve) y que hace las delicias de los asistentes con su gran chorro de voz.

El regreso al formato eléctrico es también el comienzo del fin. Un final que se inicia con el tema Más suerte; una canción repleta de atmosferas envolventes que da paso a Invisible para poner el cuentakilómetros a cien, y que sirve de presentación al gran descubrimiento de la noche, que no es otro que Watching the moon; una canción de su primer álbum que nos devuelven al territorio de los sonidos oscuros y a que Morrissey vuelve a colarse por el patio de butacas de los Teatros del Canal, con unas espléndidas guitarras que suenan a otro tiempo. Sin duda, un tema con una gran dimensión y una profundidad dignas de alabanza. ¡Qué gran viaje en el tiempo! que como una manta sonora de gran intensidad lo cubre todo, sensaciones y recuerdos; y que da paso a Rodamos, otro gran hit con el que acostumbran a despedir sus conciertos, y donde todo el mundo abandona sus butacas para ponerse a bailar delante del escenario. En resumen, un gran concierto que se convirtió en una gran fiesta, sí, pero de la buena música. En tiempos de crisis y temores como los que vivimos, se me ocurre una pregunta ¿Cuándo podremos devolver a estos músicos los buenos momentos que nos hacen pasar en cada concierto?

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

jueves, 20 de octubre de 2011

Alfaguara publica "El libro de las horas contadas" de José María Merino.

La nueva obra de José María Merino se lee de un tirón, atrapa al lector en una tela de araña hilvanada con una imaginación desbordante, donde la realidad no es lo que parece y donde lo cotidiano se mezcla con lo fantástico con asombrosa facilidad.

El libro de las horas contadas puede leerse como una sucesión de cuentos, unidos por un hilo común que los recorre. El escritor deja fluir todo aquello que le viene a la cabeza y es así como surgen un conjunto de historias fantásticas de una hondura delirante, que resaltan lo que de existencialista tiene lo doméstico y lo ordinario. Son minicuentos, algunos apenas unas píldoras, donde transgrede la realidad, que se convierte en materia fantástica. Muchos de ellos hacen referencia a recuerdos soñados, a la transición entre el sueño y la vigilia, un tema recurrente en la obra de Merino.

Aparecen ante el lector relatos sorprendentes, en ocasiones perturbadores, donde la muerte a menudo hace acto de presencia, aunque eso no signifique que sea tratada como un factor negativo. El autor ahonda en la idea de que hay otras realidades además de la nuestra y en ocasiones le da la vuelta como si fuera un calcetín.

José María Merino (A Coruña, 1941) residió durante muchos años en León y vive en Madrid. Comenzó escribiendo poesía y se dio a conocer como narrador en 1976 con Novela de Andrés Choz, libro con el que obtuvo el Premio Novelas y Cuentos. Lo escurridizo de la identidad, sus conexiones con el mito, el sueño y la literatura, y muchos elementos de la tradición fantástica, caracterizan su obra narrativa. Su novela La orilla oscura (Alfaguara, 1985) fue galardonada con el Premio de la Crítica. Además, ha recibido el Premio Nacional de Literatura Juvenil (1993), el Premio NH para libros de relatos editados (2003) y el Premio Salambó (2008). En Alfaguara ha publicado, entre otros, la trilogía novelesca Las crónicas mestizas, así como las novelas Las visiones de Lucrecia (1996), Premio Miguel Delibes de Narrativa; El heredero (2003), Premio Ramón Gómez de la Serna de Narrativa; El lugar sin culpa (2007) premio de narrativa Gonzalo Torrente Ballester, y un volumen que recoge sus libros de relatos, Historias del otro lugar (2010). Es miembro de la Real Academia Española.

"CONTRA EL VIENTO DEL NORTE" DE DANIEL GLATTAUER SE ESTRENA EN EL TEATRO.‏

El fenómeno editorial provocado por la publicación de Contra el viento del norte del autor austríaco Daniel Glattauer va a ser llevado al teatro. La compañía Tanttaka Teatroa estrena mañana jueves la obra de teatro basada en la novela en el Teatro Arriaga de Bilbao, desde donde comenzará una gira de 30 funciones que llevará la obra por toda Euskadi. El montaje, que lleva el título del libro “Contra el viento del norte”/”Ipar haizearen contra”, con adaptación de Daniel Glattauer y Ulrike Zemme, se estrena mañana jueves en euskera y el viernes en castellano. La dirección corre a cargo de Fernando Bernués, la escenografía es de José Ibarrola y los intérpretes son Joseba Apaolaza, Itziar Atienza y Kike Díaz de Rada.

La obra basada en Contra el viento del norte se ha estrenado con la misma adaptación en 23 teatros de las principales ciudades de Alemania, Austria y Suiza con gran éxito de crítica y de público. Muy pronto esta adaptación se llevará también a los teatros de Italia, Polonia, Eslovaquia y Eslovenia.

Contra el viento del norte y su segunda parte, Cada siete olas, se ha convertido en un auténtico fenómeno editorial. Traducidos a 37 lenguas, los dos libros han vendido más de 2.500.000 de ejemplares en toda Europa. Contra el viento del norte es una obra que rescata y refresca el género de la novela romántica epistolar a través de un espléndido manejo de la acción y un cuidado estilo que resulta a la vez literario y coloquial. A lo largo de la novela se tratan temas como las fronteras entre la amistad y el amor, el intento de reprimir los sentimientos, la infidelidad, los celos y la búsqueda de la felicidad. Emmi Rothner quiere dar de baja la suscripción de su madre a una revista cuya calidad ha bajado drásticamente, para lo que se dirige por correo electrónico a la editorial. Enfadada por la falta de respuesta, sus e-mails son cada vez más furibundos. Hasta que un día recibe respuesta de un tal Leo Leike, cuya dirección sólo se distingue en una letra de la de la editorial. El incidente cae en el olvido hasta que, en Navidades, Leo recibe una felicitación destinada a los clientes de Emmi, a la que responde con un ingenioso mensaje. A partir de entonces, alimentado por la curiosidad, comenzará un intensivo intercambio electrónico en el que irán descubriéndose el uno al otro.

El autor, Daniel Glattauer, nació en Viena en 1960. Desde 1989 colabora para el periódico austriaco Der Standard. Es autor de varias obras, entre ellas, Der Weihnachtshund, Die Ameisenzählung, Darum y Die Vögel brillen; pero su gran éxito es Contra el viento del norte y su segunda parte, Cada siete olas, ambas publicadas por Alfaguara.

miércoles, 19 de octubre de 2011

ÁNGEL SILVELO ES FINALISTA DEL III CONCURSO DE MICRORRELATOS SOBRE ABOGADOS EN EL MES DE SEPTIEMBRE.

Después de no haber conseguido pasar el corte de los seleccionados en este aguerrido concurso durante los últimos meses, de nuevo he conseguido ver publicado mi último micro en la lista de los finalistas del mes de septiembre. Aunque sé que no ganaré, al menos esta vez, veo recompensado el esfuerzo al que uno se somete cada vez que tiene que componer en 150 palabras un micro a partir de las cinco palabras que los organizadores te proponen.


Como siempre os lo cuelgo para leerlo.

Saludos .

MI SOLÍCITO DESEO
Mi mujer me ha prometido un premio si me curo pronto del catarro. Pero ella está tan metida en su propia jurisdicción que no se da cuenta que a mí no me interesan sus regalos. Yo sólo deseo que me haga caso, porque siempre tengo que competir con sus proyectos y sus correspondientes reformas. No sé para qué se casó conmigo o hizo la carrera de derecho, porque se pasa las noches tecleando delante de su ordenador, mientras yo me tengo que conformar con verla reflejada en la sombra que la bombilla de su despacho emite sobre la pared del pasillo. Ni mi tos, ni mis anhelos, la sacan de su togado ensimismamiento. Y sus promesas, como las de los personajes de sus novelas de abogados, de nuevo se incumplen, porque las absoluciones se convierten en condenas, y los plazos se pierden en el olvido, como mi solícito deseo.


Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

lunes, 17 de octubre de 2011

LA CAÍDA DE LOS DIOSES, ADAPTACIÓN TEATRAL DE TOMAZ PANDUR: UNA METÁFORA ESTÉTICAMENTE INTENSA SOBRE EL FIN DE LA HUMANIDAD.

"La moral individual ha muerto”. Esta es una de las frases que el espectador puede leer en la gran pantalla que hay detrás del escenario, que como una boca muda expulsa mensajes y proclamas al modo multimedia de cualquier macro concierto musical, y que junto a la música de Wagner, interpretada por el pianista Ramón Grau, inunda de una atmósfera intrigante la Sala 1 del Matadero Naves del Español. Una intriga que con el transcurso de la trama se vuelve codicia, frialdad y odio, y que como un reflejo maldito de la condición humana, se traslada por todos y cada uno de los personajes de esta metáfora estéticamente intensa sobre el fin de la humanidad, que se muestra tan poderosa, que tampoco se detiene ante los corazones invadidos por la sensibilidad del arte. En este viaje a los infiernos teñido de blanco, negro y rojo, la escenografía y puesta en escena cobran un papel determinante, y logran trasladar esa atmósfera cinematográfica a algo que no lo es, y lo hacen de una forma efectiva y estimulante a través de una gran pantalla de fondo, un gigantesco espejo en el techo que nos devuelve el reflejo de los personajes sobre el escenario y que se comporta como un gran cielo abierto por donde se escapan y cubren todas las perversiones del ser humano, y una cinta transportadora en el centro del escenario, que hace las veces de un original travelling de un montaje arriesgado y dinámico, pero espectacular.

La caída de los dioses de Pandur es profundamente visual y estética, lo que supone un mérito a la hora de presentarnos esta derrota de la condición humana. Este planteamiento, proporciona a la historia que se nos cuenta, las virtudes y defectos de todo gran espectáculo, en donde ese fogonazo de luz y de lujo, es un magnífico espejo que nos refleja la aparente imposibilidad de tener más, porque como nos recuerda la gran pantalla: “los Essenbeck era una familia que lo tenía todo”. Entonces, ¿qué hay detrás de ese majestuoso TODO? Y es ahí, en ese terreno de las tinieblas del ser humano, donde Visconti se sumergió en su día, y donde Pandur nos muestra la fría destrucción de una familia que es la de todo un pueblo, y por ende, la de toda la humanidad, que impregnada de la brillantez totalitaria de los grandes escenarios públicos y privados, cae rendida ante el lujo de la sobre exposición de los grandes ideales. Esa ceguera universal, envuelta en el brillo del lujo y las lentejuelas, pasa inadvertida para todos, ciudadanos de a pie y mentes privilegiadas, que como una masa amorfa caen rendidos ante la pseudo magnificencia del Estado totalitario, para hacer certera la expresión de “la moral individual ha muerto”.

En ese terreno perfectamente abonado para que el odio nazca como arma política, hay un mundo paralelo de excesos, que como un bailarín a su pareja, marchan unidos a los grandes movimientos sociales, y así, la homosexualidad masculina o las relaciones incestuosas entre madre e hijo son un apoyo más del hedonismo que como un arma arrojadiza, Visconti emplea para remover las conciencias de la sociedad que le tocó vivir, porque su misión es la de marcar una “no” indiferencia. Del mismo modo, que Pandur de una forma brillante e inteligenteintroduce en la obra el personaje de Janek (Emilio Gavira) alter ego del propio Visconti y que Pandur emplea como hilo conductor de toda la obra, amén de servirle de homenaje al cineasta y al mundo del cine, que como un atrezo más, narra, dirige y nos acercar ese mundo del cabaret y music-hall (brillante sus dos interpretaciones musicales) como una demostración más del lujo y del hedonismo ya expuestos. En este sentido, Emilio Gavira, es sin duda, una pieza clave dentro de este montaje de la obra de Visconti, pues su sola presencia en el escenario hace que la misma se vuelva más cercana, sincera y verdadera, porque nos lleva al escenario todo el entramado que transcurre detrás de la escena. Un Emilio Gavira, que es acompañado por un buen elenco de actores (veteranos unos y nobeles otros) que ante la ausencia de largos textos, exponen sus dotes interpretativas de una forma muy gestual, y en donde las posturas, las miradas y ese movimiento ralentizado de sus brazos son un elemento más de la forma tan visual de ver la obra. Y hay que decir, que de ese esfuerzo, salen victoriosos ante el reto que Pandur les ha ofrecido, y en el que destacan la ceremonial y erguida postura de una Belén Rueda que se muestra magnífica en la escena final de la obra con una transformación que te arrastra y no te deja indiferente y que nos hace ver con luz y taquígrafos su más que prometedora progresión en el campo de la interpretación. Una Belén Rueda que tiene enfrente a su hijo, Pablo Rivero que defiende su papel de manera solvente, y lo mismo cabe decir de Manuel de Blas o el malvado Fernando Cayo.

En definitiva, Visconti y su mundo, que cargado de una poderosa carga política, Tomaz Pandur ha visto de una forma brillante, pues ha sabido rodearse para rendirle homenaje a este gran artista italiano, de una gran montaje, un espectacular escenario y un buen elenco de actores.

Postdata: no se pierdan antes de entrar a ver la obra, la exposición fotográfica de Aljosa Aleksej Rebolj titulada “Escultura de Tiempo”, sobre las imágenes de la obra.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

viernes, 14 de octubre de 2011

RYUICHI SAKAMOTO, PRESENTA SU LIBRO AUTOBIOGRÁFICO Y SU GIRA ESPAÑA / PORTUGAL - NOVIEMBRE 2011

Ryuichi Sakamoto realizará una gira en formato de trío, con violín y cello (Jacques Morelenbaum), en la que ofrecerá un repaso a su carrera, incluyendo sus famosas bandas sonoras y composiciones más recientes.

NOVIEMBRE DE 2011
Martes 15 – Madrid
Teatro Arteria Coliseum
www.arteria.com
Entradas:www.arteria.com www.entradas.com www.elcorteingles.es

Miércoles 16 – Cartagena
Festival de Jazz
www.jazzcartagena.com
Entradas: www.ticketmaster.es

Viernes 18 – Barcelona
Festival de Jazz - Palau de la Música
www.barcelonajazzfestival.com
Entradas: www.telentrada.com

Domingo 20 – Valladolid
Auditorio Miguel Delibes
www.auditoriomigueldelibes.com
Entradas: www.auditoriomigueldelibes.com

Lunes 21 – Lisboa
Fundacao Calouste Gulbenkian (Grande Auditorio)
www.musica.gulbenkian.pt
Entradas: www.bilheteira.gulbenkian.pt

En 1996 Sakamoto lanzó un disco con el nombre “1996” con arreglos para piano, cello y violín. El disco incluía repertorio nuevo así como nuevos arreglos de su repertorio. La grabación la realizó con su eterno colaborador Jacques Morelenbaum al cello y Everton Nelson al violín. Tras el lanzamiento del disco, el trío realizó una extensa gira fascinando a las audiencias por todo el mundo.

Ahora en 2011, Ryuichi Sakamoto ha recuperado el formato trío para realizar una gira por Europa en noviembre con un repertorio que incluirá nuevas composiciones, así como sus clásicos de toda la vida y sus grandes bandas sonoras de películas como El Último Emperador, Feliz Navidad Mr. Lawrence o El Cielo Protector, acompañado de nuevo por Jacques Morelenbaum al cello y un nuevo violinista. Como suele ser habitual en los conciertos de Sakamoto, habrá una cuidada puesta en escena basada en un elaborado diseño de iluminación.

La gira coincidirá además con la publicación en España de del libro Ongaku wa jiyuu ni suru (La música os hará libres), la primera autobiografía de Ryuichi Sakamoto. Una oportunidad única de poder disfrutar de uno de los músicos más extraordinarios de nuestro tiempo.

Altaïr presenta un libro muy especial y una gran novedad editorial. La música os hará libres es la autobiografía de Ryuchi Sakamoto. El músico va a la esencia de su vida y la relata sin adornos. Rememora seis décadas de existencia con un estilo directo que destila delicadeza y sensibilidad, y la franqueza de quien quiere comprenderse a sí mismo. Ryuichi Sakamoto toma la música como hilo. Desde su primer contacto casi casual con un piano, en el parvulario, va desplegando un amplísimo abanico de influencias, que luego aflorarán en su heterogénea obra, en una carrera tan rica como diversa. Con naturalidad, se suceden sus estudios universitarios, sus inicios como músico, sus primeros pasos en su carrera en solitario, en paralelo con su incorporación en la Yellow MagicOrchestra, el grupo que lo llevaría a sus primeras giras mundiales. También relata sus primeros pasos en el mundo del cine, en el que se inició como actor y luego como compositor con dos directores de la talla de Nagisa Oshima y Bernardo Bertolucci, en sus películas Feliz Navidad Mr. Lawrence y El último emperador. No deja de lado su itinerario vital, que le ha llevado a vivir en Nueva York y a presenciar en directo el 11-S. Tampoco, su activismo social. Todo aparece con naturalidad, después de interrogarse sobre cómo se encontró allí, a veces casi sin quererlo. El libro parte de un extenso diálogo con el editor de la revista japonesa Engine, que se publicó en sucesivas entregas a lo largo de dos años.

Ryuichi Sakamoto (Tokio, 1952) ha explorado todo el universo musical, desde las melodías populares de Okinawa a los futuristas italianos, su adorado Debussy, el minimalismo y la bossa nova. La primera formación en la que participó, la mítica Yellow Magic Orchestra, fue pionera en la música electrónica. Ha compuesto piezas para piano, un concierto para orquesta, una ópera, y participó en la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona. También ha colaborado con músicos como Tom Jobim, David Byrne, Iggy Pop o Youssou N’Dour. Además de participar como actor, compuso la música de las películas Feliz Navidad Mr. Lawrence de Nagisa Oshima y El último emperador de Bernardo Bertolucci. También ha colaborado con los directores Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Brian De Palma o Alejandro González Iñárritu. Su larga carrera le ha reportado un Oscar, dos Globos de Oro, un Grammy, un premio de la MTV y muchos más reconocimientos internacionales.

miércoles, 12 de octubre de 2011

AMARAL, HACIA LO SALVAJE: AULLIDOS DE CAMBIO.

Como un animal herido que huye a través del bosque, así es como Amaral se ha planteado su nuevo disco. El escritor Benjamín Prado define este disco como “doce canciones en las que se puede confiar”, pero antes de hacer esta contundente aseveración, nos plantea lanzar una moneda al aire para descubrir de qué lado caen cada uno de los temas de este Hacia lo Salvaje, en los que encontramos alegrías y tristezas, euforias y decepciones, en una suerte de enfrentamientos ciclotímicos. Pero por encima de cualquier consideración más o menos erudita, o más o menos musical, lo que queda claro nada más escuchar la primera canción de este disco (justo la que da título al álbum) es la intención de Juan y Eva de ir hacia otros territorios, sin por ello dejar de manejar las señas de identidad que los han hecho grandes. Y tanto el uh, uh, uh, uh de Eva nada empezar la canción como el primer verso de la canción: "Ella fue la primera de sus hermanas en huir", así nos lo indican. Ahora queda por definir ese espacio o lugar hacia el que se quieren dirigir con sus nuevas canciones, que en el caso de Hacia lo Salvaje es una incursión hacia el pop más contundente con tintes folk que hacen ganar enteros a su carta de presentación. Sin embargo, la primera gran canción de este álbum es Antártida, con una secuencia inicial de guitarras verdaderamente admirable, pues te hacen mover los pies nada más oírlos, y que nos recuerdan a esos planteamientos de búsqueda que se encontraban en las canciones de los ochenta, donde la espontaneidad creativa era la verdadera musa.

Los medios tiempos se agarran con fuerza a Si las calles pudieran hablar con una historia de caída desde lo más alto, y que nos recuerda con más fuerza a anteriores composiciones del grupo; que se torna en otra demostración de fuerza en Esperando un resplandor que muy podría ser uno de los próximos singles del álbum, pues estamos ante una canción donde se unen y fusionan muy bien las guitarras de Juan y la voz de Eva. Una fuerza que se torna en íntima y tortuosa en la brillante Robin Hood, donde la letra de la canción nos devuelve a los territorios de los personajes perdidos, que en esta ocasión, están perfectamente adornados por una guitarra acústica que nos susurra las derrotas al oído de una forma directa. Con Riazor, un tema escrito por Juan, regresamos a esa fuerza donde las cuerdas de las guitarras buscan la contundencia de las causas perdidas y que muy bien podría servir de estandarte a este cd, y que nos lleva a Montaña rusa donde la cacofonía distorsionada de Eva resurge entre los sonidos de ese folk rock americano que tanto gusta a Amaral, pero al que ellos dotan de su propia paleta de sonidos.

Olvido es sin duda la mejor canción del disco, donde los toques de guitarra nos retrotraen hasta el gran Roy Orbison y no nos sueltan hasta el final, con una letra que sobrecoge y te agarra el hilo de los sentimientos más profundamente trágicos: Las letras, los títulos de las canciones/ El paso cambiado de las estaciones/ Me acerco al espejo, me miro y sonrío/ Mi propio reflejo cayó en el olvido, convirtiendo su transcurso en una suerte de reflejos repletos de imágenes inolvidables, “lejos del olvido”… Reflejos que se transforman en una desbandada de ilusiones rotas por el paso del tiempo en Cuando suba la marea: “ahora sé que nunca he sido tu princesa/ Que no es azul la sangre de mis venas”, que juegan muy bien en ese medio tiempo al que parecen aferrarse con fuerza Amaral en esa búsqueda de nuevos espacios donde habitar, en los que nunca les faltarán esa dosis de melancolía que también nos proporcionan en esta canción.

El último tramo de este disco comienza con Como un martillo en la pared, donde parte de la crítica cree ver ramalazos del movimiento 15M, pues justo cuando grababan el disco en los estudios O Gato Negro de Madrid, se produjo la erupción de dicho movimiento en la sociedad española. Pero lo que de verdad aquí cuenta es ese amplísimo eco de unas guitarras que se muestran como exploradores que buscan un espacio abierto tras la espesura del bosque. Si bien esa búsqueda se detiene con los dos últimos temas del disco, Hoy es el principio del final y Van como locos que se comportan como la transición de los aullidos del cambio a los que asistimos en este nuevo trabajo de Amaral, titulado Hacia lo salvaje.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

UN HOMBRE SOLTERO: LA PRECIOSISTA ESTÉTICA DE LA PÉRDIDA.

A veces la vida de un hombre, se reduce a aquello que le ocurre durante un solo día. Este es el arriesgado marco narrativo en el que se ha basado Tom Ford para mostrarnos un film que gira en torno a la pérdida, el desconsuelo y la necesidad de desaparecer del mundo donde ya no se encuentra la persona amada. La estrategia que emplea el director y antiguo modisto de la casa Gucci no es nada original, pero sí lo es la forma en la que lo hace. Su personal concepto de ver y entender el cine, está presente en cada plano, donde la duración de los mismos y el lento pero efectivo movimiento de la cámara, nos hacen reposar nuestra mirada no sólo en los actores, sino en todo lo que les rodea, porque cada objeto y su elección, está perfectamente estudiados hasta el más mínimo detalle. En este sentido, Un hombre soltero es una película preciosista en lo estético y pulcra en lo sentimental, y Tom Ford se basa en ambas premisas para presentarnos este drama sentimental, donde un hombre apuesto de 52 años, profesor de Universidad y homosexual en los EE.UU. de 1962 (que se encuentran en plena crisis de los misiles cubanos) deambula a la deriva en su mundo interior. Un personaje al que da vida una magnífico Colin Flirth, que de nuevo nos da una lección de interpretación con esa aparente frialdad británica en la exposición de los sentimientos más dramáticos y profundos que merodean a la muerte de un ser querido. Este es otro de los puntos fuertes de este film, porque le hace mucho más creíble a pesar de lo grotesco de alguna de las situaciones que se nos muestran, y al que da réplica (aunque sea corta) Julianne Moore, que al igual que su compañero de reparto, está a gran altura.

Un hombre soltero está basada en la novela homónima de Christopher Isherwood, que junto a la música de Abel Korzenioswski y la fotografía de Eduard Grau, se comportan como perfectos hilos conductores de una historia que busca la belleza a través de la muerte; un viaje nada placentero, pero en el que resalta la magnífica luz que acompaña a las bellas imágenes que se nos muestran. Un cuidado planteamiento de la estética que nos envuelve en una atmósfera única y que nos hace plantearnos si de verdad puede haber tanta belleza en la desgracia. Aunque en el fondo del ser humano, lo único que de verdad cuenta son los sentimientos que como una fuerza de energía infinita, nos trasladan de acá para allá, zarandeándonos y dejándonos a merced de nuestros instintos más básicos, como en este caso es el amor, porque esta película también es una historia de amor y del camino de soledad que recorre uno de los enamorados, eso sí, envuelto en una preciosista estética de la pérdida.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

martes, 11 de octubre de 2011

Second - N.A.D.A. con la OSRM Los Mejores (La Verdad)



N.A.D.A fue el tema elegido por Second para presentarnos su último disco titulado Demasiado Soñadores. Desde que los conocimos hace algo más de dos años, siempre nos hemos preguntado qué hacía falta para que este grupo y su música llegase a un mayor número de personas. Este vídeo es una demostración que han iniciado la senda de los grandes porque aúna todo: buena música, una gran canción y la voz más personal del panorama musical español. Sencillamente increíble.

lunes, 10 de octubre de 2011

"El alumno oyente", nuevo videoclip de ALIS‏




Alis presenta el nuevo Videoclip del tema "El alumno oyente" extraído del álbum "Material de disección" BMG 2011, dirigido y realizado por Ignacio Martín Lerma (ganador del Festival de Málaga por el cortometraje “Merry Little Christmas”) y cuenta con la impecable fotografía de Migue Amoedo, que ha trabajado en “La Princesa de Éboli”, “Hispania”, y en “De tu ventana a la mía”. El video ha contado con unas localizaciones de lujo, como el Aula Antonio Machado, de Baeza (Jaén), o la Imprenta Picasso, situada en Úbeda (Jaén), lugares emblemáticos – y de difícil acceso para las cámaras por su interés histórico- que recrean a la perfección la historia de la canción, guionizada por el propio Alis y Cristina Peña.

Bitcode, ganador de Red Bull Thre3Style España‏

El pasado viernes 30 de septiembre se celebró en Madrid la Final Nacional del Red Bull Thre3Style en la sala The Fame. En una noche agitada y llena de sorpresas procedentes de los platos, Bitcode se hizo con el puesto vencedor tras haber demostrado cómo mezclar estilos musicales diferentes y mantener al público sin parar de vibrar y bailar en la pista de baile.

Los seis DJs procedentes de diferentes lugares de España llegaron a la cita como finalistas tras las rondas clasificatorias previas celebradas en Barcelona, Madrid y Valencia. DJ Soak (Valencia), DJ Wilor (Sevilla), DJ Pimp (Gijón), DJ Uve (Santander), DJ Fonki Cheff (Valencia) y Bitcode (Barcelona) mostraron sus habilidades haciendo bailar a una multitud entusiasmada que no cesó de moverse y de animar a los finalistas. Pero fue Bitcode el que más sorprendió al equipo de jueces, del que formó parte el MC y director de Hip Hop Life, Dobleache, quien destacó del triunfador de la noche: “Equilibrio es la palabra que mejor define a este campeón. Tocar todos los palos requeridos –destreza, selección musical, respuesta del público… - sin abusar o quedarse corto, ha sido básico para que el próximo mes de diciembre Bitcode tire a la final. Vancouver, quédate con el nombre desde ya”.

D-Beam reconocido turntablist y miembro del jurado, resume así la participación de Bitcode: “Realizo un fantastico set, elegante donde los haya, con una fuerza y carisma electrizante; su set tuvo una muy buena estructura y un grandísimo desarrollo, fue construyendo una piramide musical, una presentacion basada en la técnica y musica con voces de presentacion y acordes que rizaban el bello. Pasó de la técnica de scratch al hiphop electro y de ahí al dubstep y la electrónica, finalizando con algo de pop. Buen gusto en los cortes de melodías y el detalle de los cues con armonías dubstep. Sin duda alguna su set dejo boquiabiertos a toda la sala.”

Así, Bitcode será el representante de España en la Final Internacional de Red Bull ThrE3Style, que se celebrará el próximo mes de diciembre en Vancouver (Canadá). Allí tendrá que luchar por hacerse con el primer puesto frente a los DJs que llegarán desde países del resto del mundo.

En Red Bull Thre3Style los DJs participantes, además de demostrar la destreza con el manejo de los platos, deben buscar el límite de las posibilidades técnicas y conseguir que el público no deje de emocionarse y vibrar durante los 15 minutos que tienen a su disposición, en los que tendrán que elegir al menos tres estilos musicales diferentes.

sábado, 8 de octubre de 2011

SOMEWHERE: ELÍPTICA Y ENCERRADA EN SÍ MISMA.

La mirada de Sofía Coppola en esta ocasión se detiene en el ensimismamiento de la falta de ilusiones, y en esas voces sin eco que transitan por el interior de las personas, que como un animal herido te llevan a una madriguera (en esta ocasión) en forma de hotel mítico y lujoso donde sólo conviven la falta de estímulo respuesta, y la necesidad de satisfacer las necesidades más básicas del ser humano, en una encrucijada cuyo mayor protagonista en la existencia anodina. Esta ausencia de futuro y dejar pasar el tiempo sin tener la necesidad de ir a algún lugar o alguna parte, es una constante en los nuevos narradores norteamericanos, que lejos de sustraerse a esa realidad que acompaña a los focos y estrellas del gran negocio montado entorno a Hollywood, se sumergen en la parte de atrás del mismo, para mostrarnos eso que no sale en ninguna parte y que resulta ser el día a día de muchas de las personas que forman parte de la industria de entretenimiento más grande del mundo. Tras ese decorado infinito en el que no cabe más que felicidad y sonrisas, existe eso que se ha dado en llamar la soledad del éxito, de la que sólo se puede salir a través de la recuperación de los sentimientos de verdad, esos que afortunadamente existen detrás y lejos del star system.

Con todo, en este relato de pérdida de los sentimientos, donde Sofía Coppola se esfuerza en mostrarnos lo que nadie quiere ver, hay elementos comunes con la última novela de Bret Easton Ellis, Suite Imperiales, donde el famoso escritor norteamericano también se fija en la decadencia más absoluta de una buena parte de la sociedad norteamericana (justo aquella que se esfuerza en hacer sonreír al resto del universo), y entre esos puntos de encuentro, más allá del divagar sin rumbo de su protagonista, hay también enigmáticos sms que recibe en su móvil o esa errónea paranoia que tienen acerca de que siempre les persiguen con coches camuflados, si bien, el ritmo y la forma de contar la misma situación son diametralmente opuestas, porque Ellis lo hace desde el desenfreno, las drogas, la rapidez más espídica o los asesinatos, y Sofía Coppola se sirve de largos planos secuencias, iluminados por ese sol incansable de California, que a la vez que brilla te ciega.

Somewhere se comporta de una forma elíptica y encerrada en sí misma, y para muestra, no hace falta más que fijarse en la escena inicial, para darnos cuenta que nos esperan 105 minutos de contemplación por la contemplación, y ese es el mayor esfuerzo y mérito de Sofía Coppola en la película, pues la apatía del protagonista queda magníficamente filmada con esa ausencia de palabras que nos transmiten, como un aguijón en la piel, la soledad por la que se mueve Stepehen Dorff (Johnny), y en donde los largos planos secuencia se suceden como si no jugase ningún papel en los mismos el montaje, pues en esta ocasión carece de relevancia salvo si es para mostrarnos los momentos cotidianos de una vida anodina, que sólo puede ser salvada por los verdaderos sentimientos que atesora el ser humano, y a los que la directora ha vestido para esta película como una niña de once años, Elle Fanning (Cleo), que como un bote salvavidas introduce ese contrapunto vital repleto de brillos a la vida de Johnny. A veces, la soledad sólo necesita de una buena excusa para salir huyendo, y en este caso, esa excusa es el amor entre un padre perdido y una hija vitalista que tiene miedo a ser abandonada, víctima de la excusa existencial de sus padres. Sin reproches, sin preguntas ni interrogantes a los que responder, Somewhere camina por esa fina línea que divide lo verdaderamente importante de aquello que no lo es, y como decía el gran Steve Jobs, ten ilusiones y lucha por aquello que crees y deseas, porque ese será el auténtico motor de tu vida, en la que debes aprovechar cada día como si fuera el último.



Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

MICHAEL NYMAN PRESENTA EN VALENCIA SOLO PIANO Y CINE OPERA DENTRO DEL ART IN GROUP.

Michael Nyman presentará sus obras de videoarte (Cine Opera) con música de piano y un cuarteto de cuerda dentro del evento Art in Group, donde también se estrenará la película “Nyman with a Movie Camera” en la filmoteca de Valencia y participará en una charla en el IVAM.

Michael Nyman encabeza el cartel de la primera edición del evento Art in Group en Valencia que se celebrará del 18 al 22 de octubre. El programa incluirá algunas de sus obras más conocidas y también algunas piezas de video arte creadas por Nyman que serán acompañadas de música en directo interpretada por el pianista.

Art in Group es el espacio en el que artistas, profesionales y público establecen un punto de encuentro donde dialogar en grupo acerca de las Artes del mundo contemporáneo y sobre el papel que ocupa la creación artística del siglo XXI.

Programa completo de Michael Nyman en Art in Group:
21 Octubre – 22:30h – Concierto en el Auditorio del Palacio de Congresos
22 Octubre - 12:30h - Ponencia Michel Nyman, su experiencia como video artista (IVAM)
22 Octubre – 20:00h – Proyección de la película “Nyman with a Movie Camera” (Filmoteca) - Estreno en España.

jueves, 6 de octubre de 2011

CUERPO Y ALMA (1947): LAS PENUMBRAS DE LA EXISTENCIA HUMANA.

Los tonos grises del blanco y negro le sientan a esta película como las canas a un galán pasados los cincuenta, acertados e interesantes, porque más allá del contraste cromático de sus reflejos, éstos se comportan como una gran epopeya de la existencia humana, que sin necesidad de guerras, poseen ese poso trágico que posee toda vida que merezca la pena de ser vivida. La historia del boxeador que llega al estrellato desde la pobreza no es nueva ni lo será, pero Cuerpo y Alma, de Robert Rossen, presume de ser una de las cuatro o cinco mejores películas de la historia del cine que abordan el mundo del boxeo, y eso, a pesar de las poco afortunadas escenas dentro del cuadrilátero que la misma tiene. Pero por mucho que no nos queramos dar cuenta, las cuerdas del cuadrilátero son sólo los límites del decorado que acompañan a esta historia de éxitos y fracasos, de felicidad y tristezas, porque la fecha de 1947 no se nos debe olvidar que es el punto de partida del renacimiento de un nuevo mundo tras la Segunda Gran Guerra, donde millones de personas perdieron la vida para dar paso a lo que actualmente conocemos como el estado del bienestar, y al inicio de ese trayecto de historia, aparece este film, que tampoco es ajeno a la polémica política, pues tanto el guionista Abraham Polonsky como el director Robert Rossen y parte del equipo, fueron víctimas de su militancia en el Partido Comunista, y por ende, de la caza de brujas, y tuvieron que huir de un país de acogida como EE.UU. hasta Italia o España.

Cuerpo y alma es una película genuinamente neoyorquina, y como tal, demuestra su independencia de la poderosa Hollywood en cada uno de su planteamientos, donde resalta el cuidado guión y la correcta actuación de sus actores, que desde John Garfield hasta Lili Palmer, Hazel Brooks o Anne Revere dejan constancia de su buen hacer y su corrección a la hora de dar vida a unos personajes que por manidos no dejan de ser creíbles y cercanos, dando en el clavo a la hora de representarnos los más bajos fondos de una sociedad y una ciudad que van a marcar el designio del resto de la humanidad durante las próximas décadas. Con todo, el inteligente guión que nos plantea la historia a través de un poderoso flashback que nos cuenta el cómo y el por qué, y que termina en una magistral elipsis, es lo mejor de esta película donde queda más que palpable el amor por el cine de verdad, ese que por mucho tiempo que pase, nunca pasa de moda.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

ÁNGEL SILVELO GANA UNO DE LOS TRES PREMIOS DEL XIX CONCURSO DE RELATOS DE IGUALDAD DE MIRANDA DE EBRO

Tras la nota de prensa emitida por la Concejalía de Igualdad de Miranda de Ebro, que comunicaba que el jurado se reunió por última vez el pasado 27 de septiembre para consensuar el palmarés del concurso, ya daba por perdido el citado concurso una vez más. Pero esta mañana he recibido una llamada del citado Ayuntamiento para comunicarme que soy uno de los tres premiados sin especificarme cual de ellos soy y remitiéndome a las bases del concurso. Leídas las mismas, puedo decir que la entrega de premios será el próximo viernes 4 de noviembre a las 20:00 horas en el Salón de Plenos del Ayuntamiento, y será entonces, cuando sepamos el lugar que ocuparemos en el palmarés.

Desde aquí quiero felicitar al resto de premiados y dar las gracias al jurado por elegir mi relato titulado Paula y su madre como merecedor de dicha distinción. En esta ocasión, me fijé en el otro lado de la igualdad, y tras leer un artículo en la revista Yo Dona donde se mostraban distintos ejemplos de la persecución y despido que las empresas ejecutan cuando sus empleados masculinos optan por acogerse al derecho que les acoge la Ley de Igualdad en cuanto al cuidado de sus hijos con la correspondinte reducción de jornada, vi una opción más que interesante de hacer llegar a la sociedad este tipo de discriminación.



Como siempre dejo un pequeño adelanto del mismo.



PAULA Y SU MADRE

Hay un monstruo suelto por la habitación. Ruge y hace ruidos extraños que no sé distinguir. Me arrugo como un guiñapo debajo de las sábanas, que uso a modo de escudo protector. Lo peor de todo es que no veo nada, y que todavía queda mucho tiempo para que se haga de día. Mi madre siempre me dice que me olvide de la fauna salvaje que tengo en mi cabeza, pero ella no sabe que sólo se atreve a salir en mi busca cuando estoy a oscuras en mi habitación. Por mucho que se lo explico ella no me cree, pero yo estoy seguro que están ahí, justo debajo de mi cama. Ahora el ruido es más intenso y los siento muy cerca. ¿Dónde estará mi padre?, si estuviese a mi lado todo sería más fácil, pero la verdad es que estoy solo, solo ante el peligro… Se despertó sudando y sobresaltado, aunque esta vez no había gritado. Su mujer dormía plácidamente a su lado y era ajena a las pesadillas de su fauna salvaje. ¿Cuándo fue la última vez que había soñado que era perseguido por aquellos monstruos que no le dejaban dormir de pequeño? Había cosas que el paso del tiempo nunca lograba borrar del todo y esta era una de ellas. Pensó que la estela del tiempo no era capaz de congelar a los corazones, y todavía medio dormido, se levantó y fue a ver a Paula, su hija de casi tres años. Mientras que llegaba a su habitación, sólo deseó una cosa, que ella estuviese a salvo de la fauna animal que poblaba el universo.

¿Acaso ahora te han salido tetas?... acaso ahora te haaan salidooo tetasssss… pensaba en esa frase una y otra vez mientras su mirada y su pensamiento se perdían y se difuminaban en la cálida y tranquila soledad de los columpios. Miró a su hija Paula, y se sintió muy a gusto, pero no plenamente satisfecho.

Extracto del relato Paula y su madre de Ángel Silvelo Gabriel.

martes, 4 de octubre de 2011

RUSOS BLANCOS, SÍ A TODO: ROMPIENDO LOS MOLDES DEL INDIE ESPAÑOL.

Rusos Blancos nos propone en su primer disco titulado Sí a todo, saltarnos las barreras arquetípicas cargadas de la solemnidad y la oscuridad pretenciosa de muchos de los grupos de la denominada música indie española. El hecho en sí mismo de transgredir las normas establecidas, no quiere decir, ni mucho menos, que Rusos Blancos nos propongan una música exenta de alma. Muy al contrario, el universo adolescente de las letras y la música de sus canciones, está salpicado de situaciones cotidianas a las que alguna vez nos hemos tenido que enfrentar por muy rocambolescas que inicialmente nos parezcan. Pero su ingenio va más allá, pues su letras en ocasiones están teñidas de ese color tan sutil como inteligente que se denomina ironía; una ironía que comienza en sus títulos y que nos sirven para enfrentarnos a sus letras y su música que van desde el pop más luminoso de la música anglosajona (inglesa y americana) de los ilusionantes años sesenta hasta ese showgaze tan característico de grupos como Nadadora, sin descuidar por ello su gusto por temas más jazzies y coloridos donde la sencillez de su multi instrumentación (sin llegar al coro sonoro de HATEM) hacen ganar el resultado final de los temas.

Su versatilidad musical tiene su punto más paradigmático en su famosa canción Supermodelo, que nos sirve como ejemplo de fusión de todo lo dicho, pues se comporta como un caleidoscopio sonoro donde se dan la mano, el ritmo alegre y pegadizo de su música y su potente estribillo, que posee el duende de quedarse incrustado en nuestro subconsciente. Un alumbramiento de pop directo que tiene su antecedente en (Todo es tan) Teenager con un inicio muy Beatle, donde la inocencia se ilumina de un pop alegre y sesentero. Un brillo que continúa en Carrie con un ritmo entre marcial y melódico al mejor estilo de las grandes bandas americanas de la costa oeste, y que junto a temas como Gorka o Cabano (la canción más pegadiza del álbum) son ese espacio musical en el que Rusos Blancos deleitan a su público más juvenil con guiños.

Ese lado más genuinamente existencial de Rusos Blancos viene protagonizado por canciones como Si quieres me quedo, una de las composiciones tapadas de este disco, que sin duda, poco a poco tendrá su momento, porque reúne todos los ingredientes de una buena canción, con referencias a caídas y derrumbes muy a la medida de letra de Manu, y donde el sintetizador alcanza un protagonismo muy alentador. Y como si el grupo se hubiese calentado a la hora de decidir el orden de sus composiciones, Normandía aparece con una dinámica sonora que te atrapa desde su inicio, y que se desplaza, en esa parte del caleidoscopio sonoro que Rusos Blancos nos proponen, hacia un ensimismamiento enigmático que sólo se rompe con los pegadizos coros de Laura y Eli, y que sin apenas pensarlo nos trasladan a los años ochenta.

Y para el final hemos dejado el punto álgido de Sí a todo, que no es otro que el hit que este disco atesora, Tus padres, tu novio y yo; un tema que navega con total delicadeza por ese río sonoro que tan bien atesoraron La Buena Vida en España, y algo antes, Style Council en Inglaterra, y en donde la fusión de ritmos e intenciones nos desplazan por sensaciones placenteras por mucho que su título y su letra nos choque y nos coloque en el carril de la inoportunidad, pero que se salva como un náufrago perdido en mitad del mar, en ese brillante guiño hacia el cineasta Jim Jarmusch al final del tema. Brillos sonoros que se superponen y nos dejan con ganas de más, y que en este disco, nos tenemos que conformar con saciarlos al escuchar Comida para Gatos, pues se comporta como una sucesión de sonidos, en ese intento de agradarnos con secuencias de sonidos que se enredan en el mejor de los hit parade de nuestro universo musical.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

GUILLERMO BUSUTIL, VIDAS PROMETIDAS: LA ILUSIÓN DE LAS VIDAS SOÑADAS.

Cuando nacemos, nuestra memoria está vacía de recuerdos que no de instintos; y si ambos tienen algo en común, es que se comportan como timones que nos llevan a lo largo de nuestras vidas, a veces, hacia lugares que no conocemos, y en ocasiones, a destinos a los que no hemos pedido ir. En ese instante en el que en nuestro particular trayecto, la realidad se superpone a los sueños, la vida del día a día deja de tener sentido y nos dejamos llevar hacia el otro lado de la montaña donde nos encontramos más a gusto. Si no nos rendimos, recuperamos la ilusión de las vidas soñadas y transitamos por ella con huellas que no dejan rastro, salvo en nuestra memoria, que caprichosa, nos concede aquello que le pedimos, y así, poco a poco el espejismo de las ilusiones perdidas se refleja en nuestro yo más profundo como si fuera una placa solar que nos nutre de energía para salir adelante cuando las fuerzas nos flaquean. Esa es la energía intrínseca que gobierna los designios de los relatos que Guillermo Busutil de una forma sutil, inteligente y repleta de humanidad nos presenta en su libro de relatos Vidas Prometidas, que a modo de paraíso terrenal, les proporciona a sus personajes la posibilidad que la moneda caiga por el lado adecuado; y a los lectores que los leen, esa opción de reconfortarse con la narración de unas historias que transitando por la cotidianeidad más absoluta, tienen ese punto mágico de las posibilidades imposibles.

En este sentido, cada relato es un hallazgo, un triunfo o una salida a la vida que vivimos, y que ya en el primero de ellos, Estrella sin ley, nos enfrenta a ese batalla sinfín en la que el pasado y el presente dirimen su fuerzas poseídos por las coordenadas del destino; una colisión que tiene como protagonistas al fútbol, las novelas del oeste y las peleas de colegio, en las que a modo de Alan Ladd, tienen su particular héroe que nos ajusta las cuentas a todos… Este tránsito, también se detiene en la rutina diaria que supone hacer frente a esa realidad familiar que como una máquina perfecta nos presenta en Shaw & Maciá, donde el título ya lo dice todo y que por sí mismo supone una pirueta del mundo en el que vivimos, y que en el relato titulado On the air, nos acerca por primera vez a esa dura experiencia del acoso laboral como uno de los signos de la sociedad y el tiempo que nos han tocado vivir, porque en el caso de Guillermo Busutil, su ficción muchas veces se esfuerza en no separarse de la realidad, y lejos de huir de ella, se sumerge en sus profundidades, con relatos estremecedores donde lo que allí se narra emociona, estremece y hace surgir de dentro de uno mismo sentimientos encontrados pero intensamente humanos, porque como un maestro de la palabra, el autor te lleva allí donde la historia y sus personajes quieren tenerte. Un hombre llamado Proust es un magnífico ejemplo de lo antedicho, y aquí Busutil nos presenta a un periodista que da voz a un parado de larga duración que acaba quemando una oficina del INEM, pero sin duda eso es lo de menos, porque el relato que llega ahí nos deja con la boca abierta, ya que el que poder de su prosa es demoledor.

Viviana es el lugar soñado en parte de sus relatos, y en él, sitúa sus historias que siempre tienen ese apego al pasado, como el melancólico La siesta de Odiseo, donde el autor ajusta cuentas con su abuelo, la literatura y su infancia; o en ese otro, El cumpleaños de Oliver Gide, que como una elipse, se cierra sobre sí mismo en lo que podríamos denominar la esencia genética entre padre e hijo, y que una vez más, es esclarecedor y demoledor a partes iguales, porque cómo dice el narrador ¿qué nos queda después de los cincuenta? En ese bloque que podríamos denominar como de búsqueda en el pasado, Promoción Oxford se mueve entre la sutil esperanza de recuperación de los sueños y obsesiones de la juventud, que se vuelven ternura y magia en Flor en la ventana, con un magnífico toque de efecto.

Del mismo modo que Viviana es el espacio donde Guillermo sitúa buena parte de sus historias, los gatos y sus diferentes razas y rasgos, son utilizados por el escritor para hacer compañía a sus personajes, que en ocasiones, se ven atrapados por el poder de las marcas, que en la prosa de Busutil, tienen un mayor significado que el propio del logotipo que representan, y que pasan a formar parte de la propia historia (extraordinaria muestra de estilismo en Maurice y el mundo de los zapatos) y de la psicología y construcción de los personajes. Ese exquisito gusto y poder de seducción, trasciende en cada detalle de la prosa de Busutil, lo que hace disfrutar de su lectura al lector más exigente. Pero dentro de estas Vidas Prometidas, no podemos dejar de resaltar el relato titulado La señorita Margot, que aparte de la lección de vida que en sí misma contiene, camina por sí solo a través de la senda que trasciende más allá de las palabras y que se va a posar en el espacio de los sentimientos, porque es tanta la ternura que desprende, que te emociona hasta hacerte saltar las lágrimas.

Las historias que transitan por los relatos de Vidas Prometidas, encierran en sí mismas el poder de la ilusión de las vidas soñadas, y que el autor nos apunta muy bien en el epílogo que cierra el libro: “No soy un gato pero he conocido muchas vidas. Vidas de familia, vidas de trabajo, vidas de libros, vidas políticas, vidas de empresa, vidas de lluvia, vidas imaginarias, odiseas de vida y vidas que me contaron. Cada una era la historia de una vida prometida”.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.