Tiempo de comunicaciones rotas

Tiempo de comunicaciones rotas

miércoles, 28 de septiembre de 2011

SECOND, GIRA AUTODESTRUCTIVA 2011.

OCTUBRE
01 OCT; CARTAGENA
SALA LA MATRIZ CREATIVA, 23:00 h.
ENTRADA 6 € Anticipada.
PUNTOS DE VENTA
http://www.codetickets.com/lamatriz-creativa/es/lamatriz-creativa.com/




07 OCT; VIGO
LA FABRICA DE CHOCOLATE, 22:00 h. Apertura de puertas / 22:30 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/ y Discos Elepé


08 OCT; CORUÑA
Le Club, 22:00 h. Apertura de puertas / 23:00 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/ , Discos Portobello y Rock Box-

11 OCT; PILAR DE LA HORADADA
Alicante / FIESTAS


20 OCT; MADRID
Teatros del Canal / Conciertos retratos, 20:30 h. Apertura de puertas / 21:30 Concierto
ENTRADA 16€ / 14€ / 12€.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.teatrosdelcanal.com/



22 OCT; BURGOS
SALA EL HANGAR, 21:30 h. Apertura de puertas / 22:30 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/


28 OCT; MURCIA
BUM ESTRELLA DE LEVANTE / PLAZA DE TOROS
+ SUPERSUBMARINA + KAISER CHIEFS.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.estrelladelevante.es/

29 OCT; GRANADA
PLANTA BAJA, 21:30 h. Apertura de puertas / 22:30 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/ , Discos Marcapasos y Discos Subterránea

NOVIEMBRE
03 NOV; SEVILLA
SALA MALANDAR, 21:30 h. Apertura de puertas / 22:30 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/ y Sala Malandar



04 NOV; MALAGA
SALA EVENTUAL MUSIC, 22:00 h. Apertura de puertas / 23:00 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/


10 NOV; PAMPLONA
SALA BIG STAR, 20:30 h. Apertura de puertas / 21:00 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/ , El Infierno Guitar Shop, Tatuajes Tai y Cervecería Indian´s (Villava)

11 NOV; BILBAO
SALA AZKENA, 21:00 h. Apertura de puertas / 22:00 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/


18 NOV; ALICANTE
SALA STEREO, 22:30 h. Apertura de puertas / 23:30 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/ , Punto Pop, Café – Bar Pixies y Sampler (Elche)


24 NOV; BARCELONA
SALA MUSIC HALL, 20:15 h. Apertura de puertas / 21:00 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/


25 NOV; TARRAGONA
SALA ZERO, 22:00 h. Apertura de puertas / 23:00 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/


26 NOV; VALENCIA
SALA LA 3, 22:00 h. Apertura de puertas / 23:00 Concierto
ENTRADA 14 € Anticipada / 15 € Taquilla.
PUNTOS DE VENTA:
http://www.second.es/

DICIEMBRE
16 DIC; MURCIA
TEATRO CIRCO / GRABACIÓN DEL DISCO EN DIRECTO
PUNTOS DE VENTA: www.ticketmaster.es y discos tráfico, Bar La Yesería, Taquilla Teatro Circo. ENTRADA 18€ / 15€ / 12€


27 DIC; MADRID
FNAC FESTIVAL / PALACIO DE LOS DEPORTES
PUNTOS DE VENTA:
http://www.fnac.es/

LA BODA DE MI MEJOR AMIGA: LA CARA OCULTA DE LA FELICIDAD.

Hay cineastas como Malick, que nos proponen la búsqueda de la felicidad a través del dolor, y otros como Paul Feig, que nos la enseñan a través del reverso de la moneda de una boda, que en este caso, aparece disfrazada bajo el leitmotiv de comedia gamberra protagonizada por mujeres. Pero si nos detenemos ahí, creo que no llegaremos a ningún lugar, porque lo que se nos muestra, no nos permite adivinar nada nuevo bajo el sol, salvo si queremos ver en la trama la presencia masiva de mujeres en la pantalla, pero poco más. Sin embargo, el reto al que se enfrenta este film, es la de intentar hacernos ver, que tras la gran noticia que supone el anuncio de la boda de la mejor amiga de la protagonista, hay una historia que marcha en paralelo a esa inicial propuesta, y que en esta ocasión, se comporta como la verdadera acción de un guión, en el que ha participado su protagonista Kristen Wiig junto a Annie Mumolo, y que intenta mostrarnos ese otro lado de la felicidad.

Advertidos ya que nos encontramos ante una película que intenta hacernos reír con situaciones grotescas protagonizadas por un grupo de chicas insatisfechas y perdidas en sus vidas, nos queda el consuelo que dentro de la misma, se desarrolla esa otra sub trama que es con la que nosotros nos quedamos, pues Annie (Kristen Wigg) representa a las mil maravillas ese espectro personal que busca denodadamente el éxito y la felicidad sin llegar a conseguirlo, y hasta incluso su apariencia física con unas más que apreciables arrugas en su cara cuando mueve su boca o un enmarañado pelo rubio, nos sirven de referencia para poner en solfa la típica comedia romántica, donde su protagonista, es una de las típicas y exuberantes star system femeninas de Hollywood. En este sentido, Annie se nos presenta más creíble y cercana, lo que la convierten en la típica anti heroína que una vez tras otra, cae en las trampas de su particular caos existencial, adornado con ribetes tragicómicos que la hacen desplazarse con asiduidad a ese otro lugar donde se refugia la cara oculta de la felicidad, pues este estado tan añorado del ser humano, en la mayoría de las ocasiones es abordado desde un punto de vista erróneo, lo que nos hace tropezar una y otra vez con la misma piedra.

Para que nada falte en este comedia pseudo golfa de mujeres algo maduritas, también se nos presenta una historia de amor entre la protagonista y un policía local (Chris O’Dowd), que tiene su contrapunto en la batalla entre Rose Byrne (Helen) y la propia Kristen Wigg (Annie), a la hora de afrontar la organización de la boda de Maya Rudolph (Lillian), y que son el perfecto remedo de la Cenicienta y su madrastra, con final feliz, a lo que también contribuye el numerito musical del final y el vídeo que hay en los títulos de crédito, como un guiño más que directo hacia Resacón en las Vegas, en un intento de acercarnos al original y fresco planteamiento de estas dos comedias de éxito, pero sin llegar a conseguirlo, porque La Boda de mi Mejor Amiga se comporta como un intento fallido en su original intento de llevarnos más allá dentro de su género, sino fuera por esa otra cara de insatisfacción que nos propone su protagonista.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

martes, 27 de septiembre de 2011

ALFAGUARA PUBLICA LA ÚLTIMA NOVELA DE XAVIER VELASCO, "PUEDO EXPLICARLO TODO".

En esta nueva novela, Velasco recurre a excéntricos personajes, que tan bien se mueven en la picaresca, como suele ocurrir en el resto de sus obras. Centrada en México, por las páginas de esta historia se pasea un autor de libros de autoayuda con aires de grandeza y sin ningún tipo de escrúpulos, una mujer que se ve obligada a huir constantemente de la vida que ella misma va tejiendo, un estafador y mujeriego que se ha hecho rico gracias a hacer que los demás sean quienes paguen por sus delitos, una niña con la misión de salvar a un conejo y un perro y un hombre derrotado víctima de decisiones equivocadas, entre otros. Una novela sobre personajes que buscan su propio sentido en una aventura mexicana llena de farsantes, estafadores, gurús, asesinos, víctimas, inocentes y seres que sueñan con amores imposibles.


Xavier Velasco, escorpión con ascendente acuario, hijo único de un virgo y una tauro, alumno problemático, narrador a hurtadillas, íntimo de diversos Cuadrúpedos, creció en la ciudad de México al lado de pacientes y sucesivos afganos. Descubrió a los nueve años el juego de escribir, como quien da con una salida de emergencia; desde entonces lo juega con fruición de tahúr y hasta hoy sigue creyendo que la vida de un narrador vale sólo para ponerla en juego. Como autor, ha hecho sus apuestas narrativas en Cecilia (novela), El materialismo histérico (fábulas cutrefactas de avidez y revancha, Alfaguara 2004), Luna llena en las rocas (crónicas de antronautas y licántropos, Alfaguara 2005) y Diablo Guardián (Premio Alfaguara de Novela 2003).

sábado, 24 de septiembre de 2011

EL ÁRBOL DE LA VIDA: LA BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD A TRAVÉS DEL DOLOR DEL HOMBRE Y EL DOLOR DE DIOS.

Al principio de la película, la voz en off de Jessica Chastain recuerda que las monjas en el colegio le dijeron que en la vida hay dos opciones: una, tirar por la senda de lo espiritual, y otra, ir caminado de la mano de la naturaleza. La primera a veces te quitará aquello que es tuyo y nunca te agradecerá lo suficiente todo lo bueno que hagas; la segunda sin embargo, siempre se mostrará con una fuerza arrolladora que te hará disfrutar de lo más bello de la vida, pero su egoísmo también lo arrollará todo. Sobre este axioma entre lo divino y lo humano, Terrence Malick divaga durante más de dos horas sobre el valor de la existencia, y lo hace con imágenes que tienen valor en sí mismas (¿qué dirían de este tipo de cine Eric Rohmer o Kiarostami), y con las que se lanza a la búsqueda de la felicidad en un juego introspectivo donde la plasticidad de su imágenes y el simbolismo que engendran, tienen tanto valor o más que la propia acción o los diálogos (que apenas existen), convirtiendo en protagonista al lenguaje gestual, y que en el caso de Jessica Chastain, se vuelve en bello y cristalino.

El Árbol de la Vida es una película de carácter filosófico, en la que Malick, ahonda en la introspección del origen del universo, y para ello, nos muestra una llama en forma de demiurgo, como símbolo inicial de la concepción del planeta Tierra. Un desarrollo narrativo que le embarca, y nos embarca, en un relato paralelo a la acción propia del film, para mostrarnos su amor por la naturaleza y su inquietud de explicarse a sí mismo y a los demás, su teoría acerca de cómo sucedieron las cosas en el génesis de los tiempos. Y lo hace con una sucesión de imágenes de una plasticidad más que sobresaliente, y que a buen seguro, harán las delicias de aquellos paladares más exigentes a la hora de degustar grandes documentales. Con ello, Malick nos muestra la confluencia de dos ámbitos: el universo y el ser humano, infinito y poderoso uno, insignificante y temeroso el otro. Ese universo infinito está capitaneado por la tierra, el viento y el fuego, y ese poderoso valor de purificación del agua, tan presente en las imágenes que Malick nos muestra tanto en la naturaleza como en el desarrollo de las vidas de sus personajes. Agua en forma de impetuoso océano, pero también de aspersor que riega el jardín o de manguera que nos limpia los pies en verano.

La otra vertiente de la película nos acerca al ser humano, que como siempre, se plantea su existencia, y con ello, los conceptos de vida y muerte. En ese camino, Malick se detiene en el arraigado sentido religioso que persiste en el ser humano, y que va más allá de las desgracias que el Ser supremo en ocasiones nos envía sobre nosotros y nuestras familias, lo que sin duda nos hace plantearnos nuestra fe. Esa capacidad para provocar tanto dolor por parte del Dios bíblico, en esta ocasión, el director también la abate sobre el padre (Brad Pitt) del protagonista (Sean Penn cuando ya es mayor), lo que le convierten en un ser infeliz pues su vida marcha dividida por el dolor que un solo hombre ha sido capaz de producirle (el dolor del hombre) y por el suicidio de su hermano a los diecinueve años (el dolor de Dios), y ante los que sólo ha tenido dos opciones: o refugiarse en Dios o huir de él.

En este caleidoscopio de sentimientos encontrados, Malick resalta la importancia de las relaciones de familia: padre-madre/ padre-hijos/ madre-hijos/ hermanos-hermanos y las consecuencias que en sí mismas acarrean, y de nuevo lo hace basándose en esa dualidad que parece que nos persigue a lo largo de toda nuestra vida, y que nos lleva siempre a tener que elegir. En este sentido, las imágenes se convierten en las auténticas protagonistas, pues su montaje es un puro engranaje mental del director y del desarrollo introspectivo que el mismo ha tenido a lo largo de los muchos años que hay entre película y película, pues no es un montaje al uso, y la parte más onírica aquí adquiere tintes muy personales, casi demasiados podríamos decir, lo que nos puede llevar a perdernos en una inconexa sucesión de imágenes que siempre buscan ese lado simbólico que te atrape el lugar más sensitivo del alma. Lo que nos lleva a interrogarnos qué subyace detrás de todo lo que El Árbol de la Vida nos muestra, y concluimos, que todo este viaje tiene un solo objetivo: el amor. El amor como llave que nos lleva hacia la felicidad, que en la película se transforma al final en perdón. Perdón entre padre e hijo o entre hermanos, y todo sucede en mitad de una bellísima imagen con la naturaleza como gran protagonista, donde los actores caminan en un cielo que está en la Tierra.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

viernes, 23 de septiembre de 2011

SHOWCASE DE RUSOS BLANCOS ANTE LOS MEDIOS PARA PRESENTAR SU DISCO “SÍ A TODO” EN LA SALA COSTELLO DE MADRID.

Ayer tuvimos la oportunidad de asistir a un pequeño adelanto de lo que será el nuevo disco de Rusos Blancos, titulado como “Sí a todo” y que saldrá a la luz el próximo 4 de octubre bajo el sello Ernie Producciones, lo que ya es toda una garantía, dado el elenco de buenos grupos que tienen en nómina este dinámico y joven sello gallego con Josiño y Arturo como estandartes y señas de identidad del mismo. Presentaciones aparte, Javier, Iván, Elisa, Laura y Manu, es decir, Rusos Blancos, nos mostraron ocho temas que se incluyen en el álbum, más dos nuevas canciones que deberán esperar a ser editadas (Broma Antisemita y Más Delgado). Todas ellas destacan por la aparente sencillez en las letras y la música, pero que nadie se lleve a engaño, pues estamos ante uno de los grupos más interesantes del cargado panorama indie español. Rodados en el circuito de las salas pequeñas de Madrid, Rusos Blancos nos dejaron muy claro que saben lo que quieren, y lo hacen en una dirección que a veces se acerca en la voz de Manu a la del cantante de Vetusta Morla, en una hierática postura en el tema inicial Supermodelo; o en una vertiente más animada y popera que nos recuerda al pop más fresco de los años sesenta de los grupos ingleses, que en ocasiones, se desplaza a esos ritmos jazzies y de bossa nova, elegantes y potentes, que nos acercan a ese gran grupo inglés de los ochenta llamado Style Council, con Paul Weller a la cabeza.

Pero sin duda, el tema estrella de esta recopilación de canciones es Tus padres, tu novio, tú y yo, que no sólo contiene una brillante concepción en su título, sino que también se vierte hacia su letra y su música, que esta vez más que nunca, nos recuerda ese otro gran grupo llamado La Buena Vida, y que está pidiendo a voces ser el tema adelanto de “Si a todo”, por encima de Supermodelo, que si bien pude ser la canción más conocida de Rusos Blancos por su inclusión en la serie televisiva Física o Química bajo la batuta inteligente de ese gran alquimista que es Julio de la Rosa, no llega al nivel musical de Tus padres… a pesar de que contiene un magnífico inicio con: "esas chicas indies que bailan sin mover los pies y sus sonrisas tristes que no te dejan ver”, muy bien contrarrestado por ellas, con ese otro estribillo: “nosotras no llevamos chándal”

Esa rareza en el mundo de la música, y en la vida en general, que es la de poseer una ironía inteligente, fue una de las señas de identidad de Manu durante todo el concierto, cualidad que tiene su reflejo en la aparente sencillez de las letras de sus canciones, que van desde la melancolía a la cotidianeidad, pasando por las situaciones más inverosímiles, y que anoche también pudimos apreciar, por ejemplo cuando invitó a los allí presentes (prensa) a dejar de tomar notas y disfrutar de la música; o cuando nada más empezar el concierto, nos recordó la mala fecha que había elegido REM para anunciar su separación, pues la presentación de su grupo, Rusos Blancos, eclipsaría dicho acontecimiento. Ironías al margen, estamos ante una más que interesante entrée en el panorama musical independiente patrio.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

miércoles, 21 de septiembre de 2011

RED BULL THRE3STYLE, LA FINAL / Madrid, 30 septiembre‏

El Red Bull Thre3Style llega a su vibrante y muy esperada final nacional. Hasta aquí, tres emocionantes rondas clasificatorias previas en las que 24 DJs se disputaron el paso a la final y de los que sólo los 6 mejores lo han conseguido: Bitcode, Dj Wilor, Dj Pimp, Dj Uve, Dj Fonki Cheff y Dj Soak.

La gran final nacional será el próximo viernes 30 de septiembre en Madrid (The Fame); en ella, los 6 DJs finalistas buscarán coronarse como el mejor DJ de Red Bull Thre3Style en España y con ello, ser el representante en la final internacional que se celebrará en Vancouver (Canadá) en el mes de diciembre.

La misma cita de Madrid contará con las sesiones de DJ Chelis (ganador de la edición 2010 de Red BullThre3Style en España) y con el productor y DJ de Glasgow Hudson Mohawke, quien ofrecerá una de sus imprevisibles sesiones donde todo estilo es susceptible de hacer reventar la pista. Desde la primera fila del prestigioso sello WARP, el joven productor lanzó Butter en 2009 con el que atrajo la atención de público y crítica. Este mismo año, Mohawke ha vuelto a sorprender con el reciente Satin Panthers, un EP de cuatro cortes más orientados a la pista de baile que hacen esperar grandes cosas de su inminente nuevo álbum.

Un jurado de expertos, entre los que se encontraban periodistas, DJs y promotores, decidieron quiénes fueron los mejores en cada cita. En la primera ronda clasificatoria celebrada en Barcelona Bitcode y DJ Wilor resultaron ganadores para llegar a la final nacional. El jurado destacó de DJ Wilor que ofreciera una sesión muy completa con la que consiguió ganarse al público y al jurado; una selección musical y composición sobre el set. El DJ, quien comenzó su sesión ataviado con un gorro de cocinero, fue enumerando a base de scratch todas las virtudes necesarias para ganar la competición sobre un speech de Karlos Arguiñano, como si de ingredientes culinarios se trataran.

El otro ganador de la noche, Bitcode, se metió en el bolsillo al jurado y al público con un set elegante en el que demostró una gran técnica y composición musical bien estudiada. Durante los 15 minutos que tuvo a su disposición, el DJ consiguió mezclar estilos tan dispares como hip hop, piano house y dubstep.

De la segunda ronda clasificatoria celebrada en Madrid resultaron ganadores DJ Pimp y Dj Uve. De DJ Pimp el jurado ha destacado su destreza y soltura tras los platos: “Dejó el listón bien alto utilizando una formidable técnica y una buena estructura, su desarrollo sobre el set fue de lo más creativo, un gran DJ para la gran final”. De DJ Uve, el jurado enfatizó su “trepidante carrera a través de la historia de la música, mezclada a la manera tradicional. Plástico, soul, funk y sobre todo mucho groove ayudaron a dar el salto a la final”.

Los nombres de DJ Soak y DJ Fonki Cheff fueron los proclamados ganadores en la tercera clasificatoria celebrada en Valencia. DJ Fonki Cheff sorprendió al público y se ganó al jurado con un show formidable y diferente repleto de mezclas imposibles donde un mash-up Drum´n´Bass de Hombres G resultó ser el punto más alto. Mientras que la juventud, la técnica y la energía amplificada a través de un mixer fue lo que le valió a DJ Soak para perfilarse como un gran rival en la final nacional.

En Red Bull Thre3Style los DJs participantes, además de demostrar la destreza con el manejo de los platos, deben buscar el límite de las posibilidades técnicas y conseguir que el público no deje de emocionarse y vibrar durante los 15 minutos que tienen a su disposición, en los que tendrán que elegir al menos tres estilos musicales diferentes.

Los DJs participantes serán juzgados por su selección musical, habilidad técnica, creatividad, facilidad para mezclar estilos dispares y crear sus propias versiones y mashups en directo, y lo que es más importante, por su capacidad para animar al público e incendiar la pista de baile. No importa que los DJs conozcan todos los trucos y las técnicas de manejo de los platos. Si no logran que el público se divierta, no tendrán la más mínima oportunidad de ganar la competición.

FINAL NACIONAL – Madrid. Viernes, 30 de septiembre de 2011.
The Fame (Calle Doctor Cortezo, 1)

DJ Invitado: Hudson Mohawke (WARP) + DJ Chelis (ganador de Red Bull Thre3Style España 2010)

Apertura de puertas: 00:00H – Inicio de la competición: 01:00H

Entrada gratis de 00:00h a 01:00h – 8€ con consumición (o 15 € con dos consumiciones) a partir de la 01:00H.

FINAL INTERNACIONAL - Diciembre de 2011. Vancouver (Canadá)

lunes, 19 de septiembre de 2011

AMERICAN PSYCHO: LA ÓPERA TRÁGICA DE FINALES DE LOS OCHENTA

El perfil del asesino en serie que interpreta Christian Bale, es una macabra y extraordinaria muestra de la transformación que experimenta el final de una época. El entusiasmo, la versatilidad y el desenfreno económico y cultural de la década de los ochenta, que se mostró muy prolífica en nuevas formas de ver la vida humana, experimenta aquí, una trágica dimensión respecto de lo que puede deparar a la mente humana si sólo se preocupa de sí misma. Patrick Bateman (magníficamente interpretado por Christian Bale) es un hombre que lo tiene todo, menos sentimientos. Esa falta de moral ética y de la otra, se manifiesta en dosis de locura tenebrosa, que le llevan al protagonista a sufrir una metamorfosis que le encadena en la sucesiva matanza del prójimo. La exasperación que le producen las personas que le rodena, la resuelve de la peor manera posible, en una interminable, y a cual más macabra sucesión de asesinatos, a los que el autor de la novela homónima Bret Easton Ellis no da solución, al dejar al autor de tanta barbarie impune ante la sociedad, aunque no ante sí mismo, pues esa maldición le acompañará hasta el último día de su existencia.

A ritmo de la música de New Order y su espléndida canción True Faith, arranca esta secuela de una novela que le valió a su autor, la fama a nivel mundial, y que le instaló en el Olimpo de los elegidos. Esta introspección en el ser humano, y en concreto , en la sociedad americana, ya la realizó con su primera y espléndida Menos que cero (Less than zero), donde en esta ocasión, fija su lente en la descomposición del mundo universitario norteamericano, en el que los jóvenes que en teoría serán el futuro más próximo de Norteamérica, crecen abandonados por sus padres para recalar una y otra vez en el mundo del alcohol y las drogas sin remordimientos de ninguna clase, ausentes ante todo aquello que les rodea, excepto de todo lo que entorpezca su propio hedonismo. Ese reflejo roto de la beautiful life americana que sólo se mira su ombligo, queda perfectamente retratada en ambos casos, y el gran narrador que es Bret Easton Ellis, lo refleja perfectamente en un discurso ameno e intenso que no te deja indiferente y que te engancha desde el principio al final.

Al igual que en la novela, uno de los puntos fuertes de la película es su exquisita banda sonora, que además de dar una silueta sonora a las imágenes, adquiere su propio y relevante protagonismo cuando Patrick Bateman se recrea una y otra vez en la enumeración de las sensaciones que le producen las canciones y los artistas que pone en su equipo de música, justo antes de cometer un nuevo asesinato, dotando de este modo a cada canción, de un simbolismo que va más allá de la propia banda sonora, para trasladarla al mundo de los sentimientos, y que le valen de perfecta compañía a la vida asintomática de los sentimientos del protagonista, y donde Wall Street de nuevo sale muy mal parado, en un retrato que más tarde se extenderá al ámbito financiero en las secuelas de Oliver Stone, entre otros.

Del mismo modo que cada época tiene su propio epílogo, en las imágenes de esta película, asistimos al final de una época que da paso a otra (la década de los noventa) que a su vez, acabará transformada por el inicio de una nueva (el inicio del siglo veintiuno) teñida con los grandes nubarrones bajo los que ahora nos encontramos sumidos, como reflejo de la maldición interminable en la que se mueve el ser humano actual, víctima de su propia codicia.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

LOQUILLO, GIRA 30 ANIVERSARIO, CONCIERTO EN EL BARRIO DE LA ELIPA DE MADRID: MUCHO MÁS QUE ROCK’N’ROLL.

Hay artistas que logran traspasar la barrera de su carrera artística para instalarse en una parte de la memoria colectiva de varias generaciones, y en ocasiones, esto sucede con una aparente normalidad que no deja entrever el alcance de sus mensajes y su forma de estar a lo largo de los años. Esto es lo que sucede con Loquillo, y lo pudimos ver a pie de campo en el concierto que el pasado sábado diecisiete de septiembre, ofreció en las Fiestas de La Elipa de Madrid. Un barrio madrileño, que por otra parte, ya cuenta con su propia leyenda musical y rockera a cargo del mítico grupo Burning, y al que Loquillo rindió homenaje con su canción convertida en himno ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, una canción a la que Fernando Colomo puso imágenes ayudándose para ello de una jovencísima Carmen Maura, aunque el sábado, de lo que se trataba era de recordar, como no podía ser de otra manera, a Pepe Risi, otro viejo rockero, que sin quererlo, también traspasó los lindes de sus inquietudes musicales, para situarse en ese otro más allá del imaginario colectivo.

Consideraciones extra musicales aparte, Loquillo nos volvió a demostrar que se encuentra en un buen momento de forma, con una particularísima voz, que todavía mantiene unos grandes registros, a la que acompaña con ese saber estar encima de un escenario, que por sí mismo llenó sin necesidad de hacer grandes aspavientos, a lo que le ayudaron su dos guitarristas (su inseparable Jaime Stinus e Igor Pascual) plenos, vitalistas y llenos de energía; sencillamente magníficos. Elegante, bajo su sempiterno traje negro, José María Sanz Beltrán, alias Loquillo, nos recordó a los grandes cantantes de rock’n’roll más clásico, pero en versión moderna, o a esos otros grandes cantautores de la canción francesa de los cincuenta, sesenta y setenta, desplegando en todo momento sus dotes de showman cargado de muchas tablas sobre el escenario, pues con movimientos apenas sugeridos la mayor parte de las veces, levantaba a un público que estuvo entregado en todo momento.

El motivo de su presencia en el barrio madrileño de la Elipa era la gira que desde el pasado mes de abril de 2010 le está llevando por toda la geografía española, y que bajo el nombre de 30 Aniversario 1980-2010, recorre una buena parte de su extensa y exitosa discografía, por lo que apenas pudimos ver la nueva faceta de cantautor total, bajo las letras de grandes poetas como Luis Alberto de Cuenca en su último trabajo Su nombre era el de todas las mujeres. No obstante, sí fuimos conscientes de la madurez de un sonido que ha sabido actualizar, y las versiones de sus grandes éxitos resisten con frescura esa tiranía que conlleva el paso del tiempo, sin olvidar por ello, los mensajes que viajan envueltos en las notas musicales en canciones como Memoria de jóvenes airados, que poco a poco, fueron dejando paso a esas otras instantáneas sonoras que recubren la vida de varias generaciones, pues allí se dieron cita padres e hijos con una armonía cuando menos llamativa, y todos lo hicieron bajo el denominador común de querer disfrutar de la música recubierta de conceptos como pandillero, Cadillac, Martini, palmeras o James Dean, creando un collage de imágenes y sonidos que van más allá de una simple canción.

Con El Rompeolas o Autopista, arrancó las voces de sus fans, que corearon los estribillos de las canciones a la perfección, pero que sólo sería un adelanto de lo que nos esperaba más adelante, en una última parte del concierto que arrancó con la mítica ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? en lo que se convirtió en un homenaje a todo el barrio de la Elipa y su tradición musical, dejándose llevar hasta (la anteriormente polémica) La Mataré con un ritmo trepidante que excitó sin límite a los asistentes. Un ritmo que ya no paró en ningún momento, y que se fue traduciendo en momentos brillantes en cada una de las canciones que siguieron a continuación: Feo, Fuerte y Formal; Ritmo de garaje; Rock’n’roll Star (en una versión más pausada a la original) y Cadillac Solitario, una canción que hizo saltar el resorte de las nuevas tecnologías, y que fue masivamente grabada en los teléfonos móviles como paradigma de nuestra caja de recuerdos, y a los que Loquillo regaló momentos de gran intensidad, para que a nadie se le olvide que su música es mucho más que puro rock’n’roll.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

viernes, 16 de septiembre de 2011

SALA & THE STRANGE SOUNDS NOS PRESENTAN TRES TEMAS DE SU PRÓXIMO ÁLBUM “IT’S ALIVE!!”.

Capitaneados por Sala Elassir, este joven grupo de la escena independiente londinense, desembarcarán el próximo 8 de octubre en la Sala Heineken de Madrid para presentar un adelanto de lo que será su nuevo cd It’s Alive!!, y lo harán bajo la consigna del sonido “brit” con ciertos toques de garaje en sus distorsionadas y bulliciosas guitarras, a las que tampoco falta esa parte más melódica e intimista en canciones como Drunk as a Shunk o en Oh Vivianne (versión acústica) que ya se pueden escuchar en su página web http://www.salamusic.com/, junto a otros seis temas de los que Oh Vivianne y No Way forman parte del maxi-single de adelanto de la banda. Si bien el primero de ellos, No Way, es una pura descarga de energía que contiene todos los ingredientes de la new-wave anglosajona, Affectology tiene un ramalazo a Oasis y los hermanos Gallagher con esa textura mitad nostálgica mitad melancólica que tan bien ejecutaban y que patentaron como marca de la casa. Comparaciones al margen, Sala & the Strange Sounds exploran ese margen de la música en el que tienen cabida todas las vertientes y ritmos con los que intentan movernos nuestro atormentado corazón.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

ÁNGEL SILVELO SELECCIONADO EN EL I CONCURSO DE MICRORRELATOS ACEN (ASOCIACIÓN DE ESCRITORES NOVELES DE CASTELLÓN) 2011.




De entre los más de 1.000 microrrelatos presentados al concurso, el jurado ha seleccionado 300 de ellos que verán la luz en un próximo libro que se editará bajo el nombre de "Bocados Sabrosos", y yo he tenido la suerte de formar parte de esa selección con mi micro titulado La Distancia. Aún queda por conocerse el ganador del concurso, que saldrá de entre los 10 finalistas que ya están seleccionados. ¡Suerte!

La Distancia

Miraba una y otra vez cómo pasaba el tren. Cansado, levantó la mirada de la maqueta que albergaba a su tren viajero, y desde la parte externa del escaparate, supo que esa era la distancia que separaba a sus miedos de la realidad, porque desde el día que ella le dejó, vagaba perdido, buscando un destino que los volviera a unir de nuevo.








Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

jueves, 15 de septiembre de 2011

COPIA CERTIFICADA: DE QUÉ SIRVEN LAS IMÁGENES.

Hay cierta tendencia entre los denominados como directores de culto, a presentarnos un tipo de películas donde lo realmente importante no son las imágenes que nos muestran, sino las palabras que las recubren. Hasta ahí nada que objetar, pero ese ejercicio liberticida de su profesión cinematográfica, los lleva a trasladarse sin quererlo, o sí, a los márgenes del teatro o incluso de la novela, ambas, nobles manifestaciones de la creación del ser humano, pero cuyo tratamiento y estética admiten cuando menos peculiaridades que el cine no tiene. Por si esto fuera poco, al igual que hay escritores que para conseguir que su protagonista abra la puerta de la nevera necesitan más de diez folios para contárnoslo, Kiarostami se envuelve en la tela de la disquisición intelectual entre original y copia para atrincherarse en sus posiciones de esteta de las palabras y paradigma de la búsqueda de la verdad por encima de planteamientos artísticos y conceptuales. Lo malo de sus consignas es que ya las hemos visto demasiadas veces, y esas ínfulas de trascendencia intelectualoide, te hacen soltar las amarras de la película y dejarla ir a su propia deriva, que se convierte en un total hundimiento, cuando sin venir a cuento, el enfrentamiento entre original y copia en el mundo del arte se traslada a la conjugación entre original y copia en el mundo del amor y de los sentimientos encontrados de una pareja. La escena del café que emplea para ello, lejos de meterte de nuevo en la película, se antoja demasiado caprichosa y sin sentido, casi como el resto de la película. Si bien, una vez que aceptas que estás viendo otra historia dentro de la primera, no acabas de ver por dónde nos quiere llevar Kiarostami, pues a pesar de su esfuerzo al rodar todo el film casi como un largo e infinito plano secuencia con continuos cambios de plano y contraplano entre sus protagonistas, hace que su lentitud y tendencia abrumadora a los largos y concienzudos diálogos, te dejen más que hastiado si cabe ante un esfuerzo que ya sabes que no te va a ofrecer ninguna recompensa.

No obstante, dentro de todo este revuelto de palabras, siempre hay un héroe que te ayuda a llegar a la orilla después del naufragio, y en este caso es heroína, pues la interpretación de Juliette Binoche, está muy por encima del texto y las imágenes, dándonos toda una lección de interpretación con diferentes y muy enriquecedores registros, que abarcan una amplia gama de los sentimientos humanos, y que como una diva, se sumerge en la nostalgia y los buenos recuerdos que nunca más regresarán en la penúltima secuencia de la película cuando se tumba sobre la cama del hotel y descansa su cabeza sobre la almohada, y que quizá, junto con la última escena de las campanas, sean las dos únicas imágenes que dan un sentido fílmico a una historia que por manida no interesa, y que al final de la misma te lleva a preguntarte ¿de qué sirven las imágenes?

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

miércoles, 14 de septiembre de 2011

EXPOSICIÓN DE ANTONIO LÓPEZ EN EL MUSEO THYSSEN DE MADRID: LA BÚSQUEDA DE LA BELLEZA A TRAVÉS DEL ANONIMATO.

Hay algo en la pintura de Antonio López que nos impulsa a buscar la pureza bajo el cielo azul de sus magníficas vistas urbanas. Su forma de ver la realidad se torna en un enigma que nos invita a todos aquellos que contemplamos su obra, a buscar ese otro significado que encierran sus cuadros urbanos. Como muy bien expresaba Caballero Bonald el pasado 24 de junio en El Cultural: “la muy aireada conjetura poética de que toda la realidad oculta un misterio, adquiere en el caso de Antonio López un impecable rango de paradigma”. Esta magistral lección que Caballero Bonald titula como La realidad exasperada, es el camino que muchos de los visitantes han recorrido a la hora de acercarse a la pintura de Antonio López, pero embrujados por su propio yo, lo hacen en sentido inverso, pues lo que más llama la atención al público es la incesante necesidad de identificar este o aquel edificio, esta o aquella terraza, su casa o su oficina… sin darse cuenta que otra de las grandes cualidades de la obra de este gran artista manchego es la búsqueda de la belleza a través del anonimato, porque Antonio López nos ofrece la posibilidad artística y estética de contemplar la belleza que cubre nuestras vidas, dotándolas de un significado superior al que poseen por sí mismas, sobre todo, desde el punto de vista estético y trascendental respecto a la batalla que nuestra existencia entabla contra el paso del tiempo.

Pero el espectador que acuda a ver la exposición no sólo contemplará esa confrontación entre el misterio y el tiempo, porque de lo que no podrá librase y salir indemne, es de la luz que desborda a sus creaciones, donde el sol es suplantado por su reflejo y el de éste sobre los edificios que caen embrujados ante la mirada de este prestidigitador de la pintura. Su maestría es tal, que en sus grandes perspectivas juega con nosotros sin que nos demos cuenta, pues en muchas de ellas, fija su atención en una parte concreta, que puede ser la central o no del cuadro, para ir difuminando sus pinceladas poco a poco, hasta convertirlas en meros apuntes que poseen la fuerza y la definición que sólo atesoran las obras de los grandes maestros de la pintura. Ese poder sobre el color y el trazo, alcanza momentos sublimes en la serie de flores (y en concreto, las rosas) que hay en la parte final de la exposición, lo que te lleva a preguntarte cómo hay tanto con tan poco, pues los pétalos apenas están sugeridos, pero son tan impactantes, que te dejan con la boca abierta.

La luz y su estudio, es sin duda, otro de los grandes hallazgos en la obra de Antonio López, que se postula como una artista concienzudo, perseverante y meticuloso cuando una y otra vez nos propone la quietud del instante y del tiempo atrapado en un segundo, porque esa es una de las esencias de su pintura, el poder detener el tiempo en apenas un instante que se hace infinito y maravilloso. Y como muestra de todo ello, podemos contemplar el laborioso estudio que está realizando sobre la Gran Vía madrileña y los diferentes edificios que pinta a distintas horas del día, que nos muestran un resultado inacabado, pero sencillamente sublime, porque como un mago todopoderoso, se impone a esa atmósfera de la ciudad de Madrid que también conoce, y de la que nosotros podemos disfrutar como observadores privilegiados.

Esa pasión con la que Antonio López se enfrenta a sus creaciones, es también la culpable de su dispersión y de la escasa culminación de sus obras, pero debemos admitir, que su pintura no precisa de ser meticulosamente terminada, porque sus cuadros a medio hacer, poseen en sí mismos la esencia de la obra completa. Un matiz que también podemos aplicar a sus esculturas, que buscan la perfección con un minucioso estudio de las proporciones humanas y que resultan deudoras de la escuela clásica, y a las que el artista de Tomelloso, dota de contornos limpios y volúmenes armoniosos para dejarlas a solas con su estudiado equilibrio, que tiñe de realidad cuando las da ese barniz externo, blanco en ocasiones o color carne en otras, para transformarlas en espectadores perennes de sus limpias y cuidadas líneas.

La exposición recorre una buena parte de su trayectoria artística, donde no sólo hay perspectivas urbanas y esculturas, sino que también podemos descubrir a ese otro Antonio López más desconocido, con algunos cuadros de su primera juventud en los que adivinamos alguna huella surrealista; o sus primeras aproximaciones al retrato con imágenes de su familia, para posteriormente desplazarnos a los bajorrelieves de la mujer descansando en la cama, realizados con diferentes materiales y colores que nos vuelven a mostrar la inquietud creativa de un artista curioso e insatisfecho, y que luego nos desplaza hacia sus bodegones y la serie de las flores, que de nuevo nos vuelve a situar en ese territorio íntimo, donde lo mágico y lo hiperreal se dan la mano y que no se sueltan en el profuso estudio de las cabezas de sus nietos.

La exposición seguirá abierta al público hasta el próximo 25 de septiembre en el Museo Thyssen de Madrid, como una forma de expresión artística que nos traslada a la búsqueda de la belleza a través del anonimato.


Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

martes, 13 de septiembre de 2011

RUSOS BLANCOS PRESENTAN SU NUEVO DISCO "SÍ A TODO"





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El próximo 22 de septiembre Rusos Blancos presentarán su nuevo disco "Sí a todo" (Ernie Records) ante los medios en la Sala Costello de Madrid. Como adelanto del evento, os colgamos el vídeo de su canción Supermodelo. Un tema que ya sonó en la banda sonora de la última temporada de la serie telvisiva "Física o Química".

RED BULL TOUR BUS EN EL FESTIVAL EBROVISIÓN

Siete bandas serán las protagonistas de la próxima parada del Red Bull Tour Bus. Esta parada forma parte de la programación del festival Ebrovisión, que se celebra en Miranda de Ebro (Burgos). Los días 16 y 17 de septiembre el Red Bull Tour Bus desplegará su escenario en dos espacios públicos de Miranda de Ebro para acoger las actuaciones de bandas nacionales, ofreciéndoselas a los viandantes en horario diurno y de forma gratuita.

En su primera jornada, el viernes 16 de septiembre, el Red Bull Tour Bus parará en la Calle Francisco Cantera y sobre su escenario disfrutaremos del pop de El Secreto de Amelie (13:00h), el pop rock de la banda revelación de 2011 The Last Dandies (14:00h) y el pop rock de Ruidoblanco (16:45h).

El sábado 17 de septiembre, el Red Bull Tour Bus aparcará en la Plaza de España (Casco Viejo) de Miranda de Ebro. Allí escucharemos el rock experimental de Fira Fem (14:00h), el pop personal y lleno de emociones de Eladio y los Seres Queridos (15:00h), el pop adictivo de The Bröntes (16:15h) y el pop hedonista de Varry Brava (17:00h).

El festival Ebrovisión celebra su XI edición en Miranda de Ebro (Burgos) del 15 al 17 de septiembre. Convertido en un referente de la música independiente del país, ofrece un cartel de actividades y artistas en el que están Delorean, Javiera Mena, Vetusta Mora, Erland and the Carnival, The View, Maga o Mendetz, entre otros. El “festival que enamora” contará además con actividades paralelas como una comida popular, exposiciones, mercadillo y un festival para los niños: Ebropeque.

El Red Bull Tour Bus arrancó su ruta por España el pasado mes de abril, y desde entonces ha llevado la música en directo y de manera gratuita para todo el público a diferentes localidades de España. Así, el Red Bull Tour Bus ha formado parte de la programación de los festivales SOS 4.8, San Miguel Primavera Sound, Faraday, Festival Internacional de Benicàssim, Sonisphere, LowCost, Electromar, Arenal Sound, Sonorama, Rototom Sunsplash, Turborock! Festival, I Globe Carhartt Skate & Music, En Vivo y ha celebrado el Día Europeo de la Música junto a Rototom Sunsplash en Madrid.

En 2011 han subido al escenario del Red Bull Tour Bus grupos como Javiera Mena, Standstill, Evripidis and His Tragedies, Atleta, The Leadings, Layabouts, Eric Fuentes & El Mal, Bushman, La familia del árbol, Fred i Son y Male Bonding, entre otros. También han tocado en directo Sons Of Rock, Kenedy y Pull my Strings, las tres bandas ganadoras de la convocatoria Red Bull Tour Bus – Indomesticables, en la que se inscribieron más de 800 bandas. Su escenario seguirá recibiendo las actuaciones de bandas noveles y consolidadas hasta octubre de 2011, y con ello amplía el número de paradas y de sesiones de música en directo respecto a la experiencia de 2010, cuando el Red Bull Tour Bus comenzó su ruta en España.

sábado, 10 de septiembre de 2011

ALIS NOS PROPONE UN SALTO MORTAL EN SU NUEVO TRABAJO MATERIAL DE DISECCIÓN.

La desnudez del sonido y las letras que este jienense de Baeza nos presenta en Material de Disección nos lleva a interrogarnos acerca de ¿qué es la música?, porque la combinación de letra y música en ocasiones nos aproxima hacia una poesía sonora que sólo un artista preocupado por todas las facetas estéticas de sus propuestas está dispuesto a asumir, y así, las canciones de Material de Disección se comportan como un flujo vehicular único por el que nos desplazamos de la mano de Alis (Pachi García). Una mano que apenas sentimos, pero que no podemos dejar de coger. Sonidos enmascarados bajo cajas de ritmos y percusiones que no molestan, teclados tenues y guitarras cargadas con acordes sinceros, y una voz que parece que se resquebraja a cada momento. Todos estos elementos están perfectamente fusionados, y bajo los que podemos distinguir la mano de Suso Saiz en la producción, lo que nos retrotrae en su etapa en La Orquesta de las Nubes, donde la elegancia de su sonido no dejaba indiferente a todo aquel que le gustase disfrutar de la buena música.

Material de Disección es el cuarto trabajo de Alis, y en él se nota la necesidad de mostrarnos la profundidad de su alma, y lo hace a través de unas canciones que a medida que aumentan sus audiciones van ganando en matices, intensidad y en esa extraña necesidad de aprendernos su letras que siempre van cargadas de un señuelo existencial que te resquebraja, porque Alis se disecciona a sí mismo y nos presenta las aguas cristalinas de sus lagos interiores sin impunidad. Ese mostrar ajeno a reproches nos hace sentir que la música siempre nos sorprende, porque presenta la mágica capacidad de convertirse por sí misma en infinitas combinaciones posibles, que te hacen disfrutar de ella de mil y una formas distintas.

Una forma de experimentar esas sensaciones sonoras, está presente en temas como Viaje en Zeppelin o Telescopio, que se comportan como viajes sonoros interestelares que desembocan en la divertida Material de Disección que a modo de fiesta “con Fanta y con sorpresas” nos traslada a una particular declaración de amor diseccionada de órganos del cuerpo humano en una original forma de concebir el amor. Sin embargo, esas sensaciones cambian con temas como El Alumno Oyente, una de las mejores canciones del álbum, que navega por esas aguas inciertas de la vida que a veces se tiñen de colores oscuros que proyectan grandes dosis de melancolía, una cualidad que de una forma magistral atesora todo este compendio de canciones, y que la última de este Material de Disección, Contraseñas (sin duda el tema más completo del disco) explora de una forma tan sencilla y directa que cada vez que la escuchamos, nos deja con la boca abierta. Ya en su inicio, posee un hipnótico punteo de guitarras que nos retrotraen a universos protegidos con la placenta de nuestros mejores recuerdos. Pero esa no es la única cualidad de esta gran canción, porque la letra de Antonio Román “Telémako” fusiona perfectamente música y literatura poética, para atravesarnos como un ciclón todos nuestros órganos vitales sin necesidad de seccionarlos, porque la letra de esta canción es sencillamente genial, pues aúna a la perfección tristeza, melancolía y un existencialismo pleno, actual y arrebatador, que te deja sin palabras y que te lleva a escucharla una y otra vez, y que uno con sumo gusto, deja aquí plasmada para ser disfrutada.

Contraseñas
Vamos a necesitar
cantidades industriales de odio
para que la venganza contra los que venden
pasaportes falso a Nunca Jamás.

Falsas ilusiones
y nos edificaron sobre pies de barro,
y ahora que somos pigmeos no valdrá
hacernos pasar por molinos d viento.

¿Quién nos va a devolver al punto de partida?
¿Quién nos va a resetear la inocencia perdida?
No se ha inventado aún la unidad de medida
que pueda calibrar esta vida sin vida.

Las emociones han huido
en naves espaciales y ahora somos estratos,
cirros, nimbos, cúmulos atormentados,
deseando derramarse en los cuerpos vacíos

de los que creímos que éramos los elegidos
y ahora somos moldes de ceniza, huecos,
sepultados por algún Vesubio ocioso
que gastó una broma pesada.

¿Quién nos va a devolver al punto de partida?
¿Quién nos va a resetear la inocencia perdida?
No se ha inventado aún la unidad de medida
Que pueda calibrar esta vida sin vida.

Confinados en cajas fuertes,
enlatando nuestros rencores,
sujetamos las tentaciones
Con contraseñas que no podemos recordar,
Con contraseñas que no podemos recordar…
Con contraseñas que no…
Contraseñas…

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

viernes, 9 de septiembre de 2011

ÁNGEL SILVELO SELECCIONADO COMO AUTOR DEL DÍA EN LA PLATAFORMA PAPERBLOG



Me acaban de comunicar que he sido seleccionado para salir hasta el próximo lunes como Autor del día en la portada de la plataforma de blogs paperblog. Desde aquí quiero dar las gracias a Natalia por comunicármelo y la gente de parpeblog por seleccionarme. Creo que más allá de la distinción, lo mejor de la misma es que con ella puedo seguir difundiendo mi blog (Fragmentos) a un mayor número de personas, que al final es de lo que se trata. El esfuerzo que en muchas ocasiones supone dirigir y orquestar un gran número de propuestas de diferentes disciplinas artísticas encuentran su propio sentido con noticias como esta.

Sólo recordaros que Fragmentos es un micro espacio cultural con aquello que mis ojos y mi vista captan dentro del inmenso universo cultural que nos rodea. Espero que os guste y como siempre ¡gracias!

miércoles, 7 de septiembre de 2011

CUANDO RUGE LA MARABUNTA: UN RELATO PASIONAL ENTRE DOS DESCONOCIDOS

La traducción directa del título original en inglés The Naked Jungle (La Jungla Desnuda) en esta ocasión parece que funciona mejor que el adoptado finalmente como Cuando ruge la marabunta (Paramount, 1954), pues si en el segundo subyace la contraseña de una película de aventuras, en el primero nos dice bien a las claras cuál es el hilo argumental principal de este apasionado enfrentamiento interpretativo entre Charlton Heston y Eleanor Parker, que como dos antagonistas, se enfrentan a sus miedos en un territorio salvaje, pero aparentemente desnudo, como sus pasiones y el conocimiento que el uno tiene del otro.

Hoy en día, sorprende más si cabe este duelo de caracteres, pues en él se encuentran presentes tanto la misoginia de Heston, como la fuerte sexualidad solapada de entereza de Eleonor Parker, que ante los empujes egoístas y machistas de su marido por poderes, se mantiene firme en ese milenario combate que entrelaza diariamente a hombres y mujeres, y que en esta ocasión, aparte del proceder violento del Sr. Leiningen, va más allá en el plantemaiento de las relaciones humanas para desembocar en una pasión arrolladora entre dos personas de fuertes caracteres y convicciones, de ahí, que no es de extrañar, que los diálogos se planteen cargados de inteligentes metáforas entre ambos protagonistas, cuando por ejemplo tratan el tema del sexo en la sublime escena del piano, que a modo de plano secuencia, desemboca en una segunda escena en el dormitorio de Joanna. Una secuela interpretativa a la que Charlton Heston dotó de una gran maestría interpretativa, cuando saltándose el guión, rocía a su mujer con la colonia que él mismo le había regalado. Una anécdota, en la que palpa por una parte la inteligencia del guionista, y por otra, el trato preferencial hacia un espectador que debe saber leer entre líneas.

En ese combate entre géneros nadie sale bien parado, pues el acercamiento de los protagonistas se producirá tras la constatación del mutuo conocimiento que una tragedia mayúscula se cierne sobre sus vidas. Ese miedo a perderlo todo, es el que hace cambiar la mirada a las personas y volver su gesto sobre uno mismo y sobre aquello que verdaderamente importa, y que en este caso, se traduce en el choque de trenes pasional entre dos personas que al final estaban condenadas a entenderse por lo accidentado de sus vidas, que se juntan en un cruce de caminos del que ya partirán de la mano y listas para afrontar nuevas y desconocidas aventuras que los acercarán o alejarán definitivamante, pero que ya no son el hilo argumental de esta película.

De ahí, que lo primero que sorprende cuando uno se pone delante del televisor a ver esta película, es que la misma se programe en horario nocturno y que a la misma le acompañe la calificación de un cuadro rojo en el que se inscribe el número dieciocho. Esta apreciación no deja de ser chocante, porque el recuerdo de la infancia que uno tiene de este film, se traslada a la ensoñación de una película de aventuras basada en el relatro corto de Carl Stephenson "Leiningen contra las hormigas", como paradigma del cine de acción apto para pasar la tarde antes de bajar a la calle a reunirse con los amigos. Hoy por hoy, esa percepción de la película es tan desacertada como lejana en el tiempo, porque ni los efectos especiales de la misma con la devastadora marabunta avanzando por la selva amazónica, ni el el efecto Technicolor, han salido indemnes del paso del tiempo. No ocurre lo mismo sin embargo,con ese relato pasional entre dos desconocidos, que como las pasiones humanas, sigue tan vigente como el primer día.


Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

LA MIRADA DE SCHIELE EN EL LEOPOLD MUSEUM DE VIENA.




¿Cuántas formas distintas e increíblemente bellas de ver las cosas se esconden tras la mirada de un artista? ¿Qué hay detrás de esa capacidad innata de deconstrucción de la realidad para dotarla de un poder estético que ya no te permite ver las cosas tal y como tú las habías imaginado? Ese juego y esa transformación se dan la mano de una manera casi mágica tras las huellas que la gran historia del imperio austrohúngaro ha dejado en la ciudad de Viena. Una de las grandes sorpresas que esta gran ciudad guarda bajo su inmenso legado artístico y arquitectónico, se encuentra camuflada tras las perfectas y lineales formas del cubo níveo que cobija al Leopold Museum, que como un héroe sin bandera, nace del esfuerzo modernizador que la capital austriaca está dando al complejo de los Museums Quartier Wien, por donde hace ya muchos años, la emperatriz Sissi cabalgaba sobre su caballo en los días de lluvia. En ese espacio, que en la actualidad se muestra libre de luchas y batallas, nace este museo en el año 2001, para entre otras cosas, albergar la mayor exposición de cuadros del genial Egon Schiele.

Una gran fotografía de cuerpo entero del artista delante de un espejo al inicio de la exposición, es la primera pista acerca de cuál es la esencia de lo que luego vamos a ver, que no es otra, que esa particular y atormentada mirada con la que Schiele observa el mundo. Ese universo convulso que recorre los días de su existencia, se inician en el Leopold Museum con su superpuesta capacidad para dotar a las casas de una vida que al natural no tienen, transformando su linealidad en una superposición de objetos que reclaman nuestra atención no sólo por la fuerza que desprenden los colores con los que los ha pintado, sino también, por esa ausencia de perspectiva, dejándonos indefensos ante esa única y nueva imagen tan distinta a la real, que en este caso, juega a enseñarnos la realidad desde un punto de vista que no conocíamos. Sus construcciones, por tanto, se desenvuelven como formas superpuestas que intentan transmitirnos esa capacidad de fuerza y tenebrismo que también conjuga Schiele en sus paisajes arquitectónicos.

Casi sin darnos cuenta, sus casas superpuestas dejan paso a su retratos y autorretratos, en una sucesión de instantáneas que nos muestran bien a las claras las dotes de gran dibujante de este pintor austriaco, que consigue con apenas unos trazos, proporcionar de una singular vida a sus personajes, a los que por no faltarles, no les hace falta casi ni colorearles la piel, pues en sí misma se ensalza de una forma independiente de todo aquello que no sea el trazo que la define. Pero no todo es simplicidad en las formas de sus retratos, pues esa expresividad que tanto marca su obra, se desplaza tanto en las posturas y en los gestos que contienen sus formas humanas, que en ocasiones llegan al éxtasis del amor, con por ejemplo sucede en el cuadro “el abrazo”, donde unas figuras humanas entrelazadas en una superficie que a modo de alfombra mágica los traslada por un espacio sin límites ni roces, nos hace sentirnos por fin libres de toda atadura, y nos concede esa extraña capacidad del deseo sin límites.

En esa aparente sencillez, no deja de sorprendernos la comparación que en el Leopold Museum hacen de la mirada, la expresión y la vida de Schiele y James Dean, que por caprichosamente paralela, te deja boquiabierto tras la comparación de las fotografías que de ambos se nos ofrecen y de ese tupé rebelde que protagonizan una buena parte de sus autorretratos, que a modo de montaña, juegan al despiste de sus ojos tan marcados y a veces saltones. Esos ojos que nos miran y nos interrogan, pero que también nos dicen que tras de sí hay mucho ingenio, tormento, vanidad y ganas de vivir, lo que nos lleva a preguntarnos una y mil veces ¿Qué hay detrás de la mirada de Schiele?, para en el siguiente retrato o en la siguiente composición, replantearnos lo que hasta entonces hemos visto, en una sucesión de interrogantes que nos dejan sin palabras, pues la estética de Schiele está delante de nosotros para disfrutarla, y es en ese gozo estético donde uno se pierde en el Leopold Museum, que horadado mediante ventanas imposibles y caprichosas, nos muestra esa necesidad de expresión que le llevarán hasta Klimt, como símbolos de los nuevos tiempos que transcurren desde la Academia de Bellas Artes de Viena al estilo de la Secesión.

Tras la fugaz vida de Schiele, quedan su hombres, sus mujeres, sus paisajes arquitectónicos y tantos y tantos dibujos y pinturas que no hacen sino lamentarnos de su temprana desaparición, pero que a modo de ironía del destino, siempre nos recodarán, que él y su mirada, siempre permanecerán ahí, en lo más profundo del ser humano.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

lunes, 5 de septiembre de 2011

EN LA BIBLIOTECA



En la biblioteca les enseñé a esquivar tormentas, a resguardarse de amenazas y hasta aprendieron a soñar. Tirado en el contenedor de papel, no sirvo para nada.






Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

sábado, 3 de septiembre de 2011

RED BULL THRE3STYLE: ¿QUIÉN HARÁ ARDER LA PISTA?

El Red Bull Thre3Style vuelve a recorrer en 2011 clubs de todo el país para encontrar al DJ más completo y transgresor. La competición, que se celebrará en España por segunda vez tras el éxito del año pasado, tendrá lugar a lo largo del próximo mes de septiembre. Los DJs participantes deben mostrar diversas cualidades para asegurarse su paso en cada una de las rondas clasificatorias. Además de la destreza con el manejo de los platos, deben buscar el límite de las posibilidades técnicas y conseguir que el público no deje de emocionarse y vibrar durante los 15 minutos que tienen a su disposición, en los que tendrán que elegir al menos tres estilos musicales diferentes.

Lo que empezó como un evento local en Canadá en 2007 se ha convertido en un certamen global que este año se disputa en países de todo el mundo, y cuya final internacional se celebrará en el país que lo vio nacer, en la ciudad de Vancouver, el próximo mes de diciembre.

En nuestro país se celebrarán tres rondas clasificatorias que tendrán lugar en Barcelona, Madrid y Valencia, más la final nacional, en Madrid. Los 8 participantes de cada ronda tratarán de que el público no deje de despegar los pies del suelo: esta es la regla de oro sin la que no avanzarán a la final, a la que llegarán 6 de ellos (2 de cada ronda clasificatoria), y sólo el mejor podrá luchar por el título internacional en Canadá.

Los DJs participantes serán juzgados por su selección musical, habilidad técnica, creatividad, facilidad para mezclar estilos dispares y crear sus propias versiones y mashups en directo, y lo que es más importante, por su capacidad para animar al público e incendiar la pista de baile. No importa que los DJ conozcan todos los trucos y las técnicas de manejo de los platos. Si no logran que el público se divierta, no tendrán la más mínima oportunidad de ganar la competición.

Un jurado de expertos, entre los que se encontrarán periodistas, DJs y promotores, decidirán quién es el mejor en cada ronda. Al igual que en la edición anterior, en cada una de las clasificatorias habrá un reconocido DJ internacional para cerrar la noche; estos Djs serán ZINC, JACKMASTER, TOY SELECTAH y HUDSON MOHAWKE quien estará en la Final Nacional y al que se suma el ganador en España de Red Bull Thre3Style de la edición 2010, DJ Chelis.
CLASIFICATORIA Barcelona, 9 de septiembre 2011 Lolita. Sala Razzmatazz (C/ Pamplona, 88)
Participantes DJ Face-tic S.K.I.Z.O. DJ Tres Bitcode DJ Wilor Sweet Drinkz Tito Juanpe Noyzebox
DJ Invitado ZINC (Rinse)
+ info: Apertura de puertas: 00:00H – Inicio de la competición: 01:00H Entrada gratis de 00:00H a 00:30H (hasta límite de aforo) - 15 € con consumición a partir de las 00:30H

CLASIFICATORIA Madrid, 15 de septiembre 2011 Maxime (Ronda de Toledo, 1 Madrid)
Participantes DJ Pimp Kaze Tony Karate DJ Uve DJ Datflex Roty340 Caradeniño DJ Mushikko
DJ Invitado JACKMASTER (Numbers)
+ info: Apertura de puertas: 00:00H – Inicio de la competición: 01:00H Entrada gratis de 00:00H a 01:00H - 10€ con consumición (o 15 € con dos consumiciones) a partir de la 01:00H.

CLASIFICATORIA Valencia, 16 de septiembre 2011 La 3 (Calle del Padre Porta, 2) Participantes DJ Soak Plan-B DJ Tillo DJ Gonne La Musique d'Ordinateur DJ Elko DJ Fonki Cheff DJ Stupendo Kalamar
DJ Invitado TOY SELECTAH (Mad Decent)
+ info: Apertura de puertas: 00:00H - – Inicio de la competición: 00:30H Entrada gratis con flyer hasta la 01:30H – 10€ hasta las 02:30H - 12€ en adelante. Sin flyer, 14€. Todos los tickets incluyen consumición.

FINAL NACIONAL Madrid, 30 de septiembre 2011 The Fame (C/ Doctor Cortezo, 1)
DJ Invitado HUDSON MOHAWKE (Warp) + DJ CHELIS
+ info: Apertura de puertas: 00:00H – Inicio de la competición: 01:00H Entrada gratis de 00:00h a 01:00h – 8€ con consumición (o 15 € con dos consumiciones) a partir de la 01:00H.

FINAL INTERNACIONAL Vancouver (Canadá), diciembre 2011

Más información, curiosidades y últimas noticias en http://www.redbullthre3style.com/ y en http://www.redbull.es/

viernes, 2 de septiembre de 2011

VERSIÓN ACÚSTICA DE "QUE VIVA ESE RUIDO", CYAN... EN LA PLAYA.‏

INSIDE JOB: EL CUENTO DE NUNCA ACABAR.

La primera percepción que a uno se le queda después de visionar la película, es ese miedo que a uno le invade ante lo desconocido, para inmediatamente después preguntarte ¿en manos de quién estamos? El proceso que lleva al director y productor Charles Ferguson a plantearse la necesidad de una regularización del mercado financiero por parte de los Estados, se encuentra plagada de trampas, en las que es tan fácil caer como perderse. En su afán por explicarse y explicarnos ese proceso bajo la neutral voz de Matt Damon como narrador de la historias que se sumergen y emergen a partes iguales en este documental, Ferguson se refugia en el aparentemente incontestable estudio pormenorizado de las causas y efectos de la actual crisis económica, pero más de una vez, cae en el riesgo que el espectador se pierda o caiga abrumado ante tantos datos, que en ocasiones requieren de un conocimiento previo sobre la materia, lo que bien es verdad que no le quita ningún ápice de acierto y verosimilitud a todos su planteamientos, sobre todo, cuando comprobamos que una parte de los responsables de la situación actual se han negado a entrevistarse con él; o cuando nos quedamos estupefactos ante la cara de circunstancias de aquellos otros que se quedan sin respuestas ante las preguntas más que incisivas de un entrevistador que permanece siempre en el anonimato, y que deja todo el protagonismo a la veracidad de las cámaras.

Pero más allá del trabajo de investigación desarrollado para este documental, cabe destacar también dentro de este alud de avaricia y desenfreno de las más bajas pasiones del ser humano, la fotografía de Svetlana Cvetko y Kalyanne Mam, como contrapunto visual y estético de tanta barbarie, pues las imágenes elegidas desde el inicio del documental donde se nos muestra a una Islandia limpia, luminosa y aparentemente virgen y fuera del alcance del poder sin medida del hombre y su civilización, se enlazan magistralmente como un álbum cromático de ilusorios destellos, con los mil y un perfiles que Nueva York posee, y que aquí se muestran a cual más bello, y que en ambos casos, nos sirven de balanza para equilibrar el lado oscuro de aquello que se nos enseña, y que nos deja como mudos espectadores ante tanta destrucción controlada, porque esa es la gran pregunta que cabe hacernos después de superar el miedo inicial que nos sobrecoge: por qué aquellos culpables directos de la crisis no son los primeros en pagar por ello, sino que lejos de saldar su deuda con su patrimonio, se vuelven a sus casas con millones y millones de euros o dólares bajo el brazo, como estremecedor contraste de las ruinas de millones de familias a las que sus decisiones y avaricia han llevado. Sin duda, la ingeniería financiera está ensamblada, con tal maestría, que hace que aquellos que deben perder, sólo ganen.

El camino que recorre el dinero desde que sale de los Bancos Centrales hasta que milagrosamente una buena parte del mismo va a parar a las cuentas corrientes de esta casta privilegiada de enfermos mentales (porque según se nos muestra, las reacciones del cerebro cuando gana grandes sumas de dinero es la misma a cuando recibe una buena dosis de cocaína), se describe con la precisión y frialdad que un documental de este tipo requiere, lo que nos va dejando cada vez más atónitos a medida que la cinta avanza, en un proceso que se inicia en los mercados de derivados (p. ej.: el crédito subprime), y que sigue con los conflictos entre intereses financieros, para continuar con las mal llamadas agencias de calificación de riesgos, y terminar con los comprados y adinerados académicos que reciben millonarias cantidades de dinero por avalar toda esta gran mentira ante los medios de comunicación, y lo que es peor, ante los futuros economistas más influyentes, por formar éstos, parte del alumnado de sus Escuelas de Negocios. Un proceso que finaliza como una película de terror con la conocida como “puerta giratoria”, caracterizada por el amiguismo entre el sector público y privado, lo que nos lleva a contemplar sin dar pábulo a nuestros ojos, como una buena parte de los culpables de la crisis financiera actual han pasado de ser los Presidentes de agencias, bancos, etc., a ocupar los más altos cargos de representación estatales a nivel mundial, como por ejemplo el Secretario de Estado del Tesoro de EE,.UU, el Presidente de Fondo Monetario Internacional o del Banco Mundial, en un proceso interminable, que nos deja indefensos ante tanta ignominia sin fin, que encuentra su última debacle en el diagnóstico descorazonador de la situación actual, que lejos de alejarse de los errores expuestos, profundiza en ellos, de una forma irónica y sarcástica cuando menos.

Todo ello, nos lleva a concluir, que el documental que Charles Ferguson ha rodado y que lleva por título Inside Job, se comporta como el cuento de nunca acabar, y que nos deja con el mismo temor que experimentamos cuando los intrépidos Oliver Stone y Michel Douglas el año pasado nos presentaron Wall Street, el dinero nunca duerme, y nunca mejor dicho.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel