Tiempo de comunicaciones rotas

Tiempo de comunicaciones rotas

lunes, 30 de agosto de 2010

ÁNGEL SILVELO FINALISTA DEL II CONCURSO DE MICRORRELATOS ABOGADOS.ES DEL MES DE AGOSTO


Por tercer mes consecutivo, he vuelto a entrar en el bombo de los que se pueden llevar el premio mensual. Ojalá hay suerte.

La foto es de la exposición fotográfica que se celebró en el mes de abril en la ciudad de Málaga sobre El Mundo de los Bowles.

Aquí os dejo el micro:

TÍTULO: EL MOCHILERO
Mi vida se compone de un sinfín de mochilas. La primera me la colocó mi padre cuando me obligó a estudiar Derecho por decreto. La segunda me la puse yo encima, en forma de instrucción, cuando me presenté voluntario a instruir el famoso caso urbanístico Atalaya, donde lo menos importante era el asunto de la burbuja inmobiliaria. La tercera acudió a mí a través de una encuesta que había encargado el Juzgado para comprobar la eficiencia de sus jueces, y aunque era consciente que nunca había sido un buen juez, me dolió comprobar que mi nombre aparecía el último de la lista. La cuarta me la ha colocado hoy mi mujer al lado de la puerta, en la que para mi sorpresa, sólo ha metido la última edición del Código Civil con una nota que dice: utilízalo como libro de instrucciones.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

domingo, 22 de agosto de 2010

KATY PERRY, TEENAGE DREAM: POP RUIDOSO ENVUELTO EN UNA NUBE DE AZÚCAR


Katy Perry lo tiene claro, quiere ser la nueva estrella del pop, vender milones de discos y convulsionar grandes estadios en sus giras. Para ello, se ha rodeado de los que dicen son los mejores, y sin desacato, se ha pasado del beso profundo con una chica al beso profundo con un chico, como mejor expresión para documentar con imágenes los sueños eróticos de un gran números de jovencitos y jovencitas de todo el mundo.

Teenage Dream saldrá a la venta el próximo 24 de agosto en EE.UU. y el 31 del mismo mes en el resto del mundo. Un lanzamiento del que está previsto se van a vender millones de copias, algo constatable en los millones de visitas que ya han recibido en Youtube sus vídeos promocionales.

Esta pin-up azucarada del segundo decenio del siglo XXI sabe lo que quiere, su propósito no es otro que desbancar del número uno a la mismísima Madonna, que en un rasgo de inconsciencia y autocomplaciencia se permitió el lujo de halagar una de sus anteriores canciones, con lo que Katy se unió a la nómima de estrellas del pop.


Sus contoneos y arremucos sinfín con los modelos de turno que hacen las delicias de sus teenagers seguidores, sin embargo no logran verse trasladados al concepto musical de un cd, que se caracteriza por pretender ser lo más in de la nueva música disco, pero que se queda en un empalagoso y azucarado pop, cuya más sobresaliente nota es el ruido con el que se tiñen casi todas sus canciones y con el que no se llegan a distinguir salvo su voz y los potentes bajos que acompañan a casi todas los temas. California Gurls es el single en forma de rap discotequero con el que se lanza el disco, y en el que se hace acompañar por Snoop Dogg, y más de lo mismo en Teenage Dream con tintes más que evidentes de la música de Cheryl Cole, pero menos nítida y clara.


Hay que espera a Firework para encontrar una canción con un potente ritmo y un estribillo pegadizo, que en esta ocasión si se desenvuelve a la pefección en lo que se ha dado en llamar pop; o hay que llegar a Pearl y Not Like The movies (al final del disco) para comprobar que sí sabe hacer las cosas de forma distinta y con posibilidades para afianzarse en este loco mundo musical, en el que a veces, se impone todo excepto la música.

sábado, 21 de agosto de 2010

ARCADE FIRE, THE SUBURBS: UNA ODA AL DESENCANTO


Nadie dirá que el nuevo trabajo de Arcade Fire es una oda al desencanto, si se limita a escuchar las primeras canciones del disco. The Suburbs, es un melódico tema folkie que nos habla en pasado sobre la juventud, la infancia y la pérdida de la inocencia; y Ready to Start es una intensa y rítmica canción en la que sobresalen los teclados, y esa atmósfera semi clandestina a la que Arcade Fire nos quiere llevar en este The Suburbs.

No deja de ser curioso, que haya tenido que ser un disco de pérdida y melancolía con el Arcade Fire se ha alzado ya con el nº1 en las listas británicas y americanas, y sorprendentemente con el nº2 del mercado español, lo que no hace, sino calentar aún más su próxima visita a Madrid y Barcelona, en lo que ya suponemos serán dos apoteósicos conciertos. Para todos aquellos que ya quieran ir rompiendo el fuego, pueden deleitarse en internet con la actuación que dieron hace unas semanas en el Madison Square Garden de New York ante un sinfín de fans enfervorizados.

El gran acierto de Arcade Fire se fundamenta en la mezcla sonora tan ecléctica como efectiva, donde sus anteriores himnos van dejando paso a melodías más profundas y asentadas musicalmente hablando, aunque el single que abre paso a este The Suburbs (We Used to Wait) sea una buena muestra de sus anteriores canciones, pero no por ello, deja de ser una magnífica canción.


The Suburbs es sin duda un trabajo más maduro, donde han explotado la idea de ciclo que ya algunos músicos nos han mostrado, y así, las dieciséis canciones de este cd, terminan y empiezan con The Suburbs en una suerte de continuidad, con la que el grupo parece decirnos que nos adentremos en su arcano musical para no salir de él, lo que tan poco es tan difícil, porque poseen la cada vez más difícil magia de engancharnos a unos ritmos y a unas músicas que ya están siendo copiadas por todos aquellos que quieren ser alguien en el universo musical del próximo decenio, pues ellos, han abierto el camino que a buen seguro será seguido por un buen número de artistas. Quizá en el ecleticismo esté la solución a esta suerte de entelequia de la industria musical a nivel planetario, y la idea que recorre todo el mapa del mundo de los artista, cuya máxima es la de mostrar, y ahí es donde reina Arcade Fire.

viernes, 20 de agosto de 2010

FEDERICO FELLINI: EL CIRCO DE LAS ILUSIONES


No se nos ocurre mejor título que el empleado por el comisario de esta exposición Sam Stourdzé, para ilustrar la sin par y acrobática capacidad creativa de este mago del celuloide. Después de su paso por Barcelona, la sede del Caixa-Fórum en Madrid, recoge hasta el próximo 26 de diciembre y a través de 400 piezas, la singularidad de lo que se ha dado en llamar el universo felliniano, una etiqueta con la que el mundo de la cultura ha decidido inmortalizar a Fellini como el rey del exceso onírico.


La exposición se divide en cuatro bloques (cultura popular, Fellini en acción, la ciudad de las mujeres y la invención biográfica) y en ellos, podemos adivinar gracias al generoso esfuerzo visual que se ha llevado a cabo mediante fotografías, dibujos, revistas, cómics, carteles, entrevistas y extractos de algunos de sus filmes, la singladura del gran cineasta italiano a lo largo de su vida. Entre otros, sus comienzos como caricaturista o su primera incursión en el cine de la mano de Roberto Rosellini. Aunque lo más interesante de la muestra, sean sin duda las anecdótas que la ilustran, como por ejemplo la que nos relata que cada vez que iba a iniciar el rodaje de una de sus películas, insertaba un anuncio en los periódicos para reclutar extras, a sabiendas que asistirían en un número superior a mil, todos los locos, prostitutas y policías de Roma, de entre los que sólo elegiría a dos personajes.


Otra de las características de la exposición, es su fascinación por las mujeres, lo que le lleva a sumergirse una y otra vez en diferentes prototipos femeninos como son el de su mujer Giulietta Masina en Las Noches de Cabiria, o Anita Ekberg como prototipo de la mujer diosa y su ya famosa escena de La Fontana de Trevi en La Dolce Vita, o la opulosa estanquera de Amarcord, y que en la muestra se encuentran recogidas a modo de extractos fílmicos para deleite de los visitantes, lo que se completa muy bien con la ingente cartelería y la minuciosa recopilación de diarios ya amarillentos de la época (algunos de ellos visiblemente doblados) pero que dan fe de la convulsión y autenticidad de un arte que pone a prueba el paso del tiempo.


Este excesivo e intemporal cineasta, retrata como nadie su particular universo onírico a través de una serie de dibujos (algunos de ellos excelentes) con los que nos ofrece la oportunidad de ser partícipes de las obsesiones de un genio que no descansa ni en sus sueños, que se caracterizan por sus singulares obsesiones que más tarde plasmará en sus películas.


Dentro del capítulo de las anécdotas, no deja de llamar la atención tampoco, que a pesar de su repulsión por la publicidad y la televisón, ésto no le resultó un impedimento, para acabar sus días rodando únicamente anuncios publicitarios que más tarde se pasarían por televisión, lo que nos demuestra que él tampoco fue capaz de parar la inmensa maquinaria de la caja tonta.


Fellini, su vida, su circo, y en definitiva su universo de ilusiones, nos colma de sensaciones e imágenes que nuestras retinas retendrán como si ya fueran nuestras para siempre y a las que cada uno de nosotros dará su particuar interpretación, porque esa era su obsesión: mostrar.

jueves, 19 de agosto de 2010

GHIRLANDAIO Y EL RENACIMIENTO EN FLORENCIA: BELLEZA Y RECOGIMIENTO A PARTES IGUALES


El mes de agosto en Madrid, te permite disfrutar de una forma muy distinta de muchas de las actividades culturales que diariamente tienes al alcance de la mano, y que la tiranía del día a día no te deja hacer. Incluso, museos como el Thyssen-Bornemisza te ofrecen la posibilidad de visitar sus colecciones hasta la once de la noche, un horario tan novedoso como inhabitual y tan pícaro como atractivo.

Bajo la cúpula estrellada de un cielo despejado, accedimos a la exposición Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia, donde el silencio y una luz casi sepulcrar, nos condujeron sin darnos cuenta, a un ambiente de belleza y recogimiento a partes iguales. La muestra se divide en ocho salas y cuatro partes si no contamos la introducción, y con la excusa de la boda de Lorenzo y Giovanna, la exposición nos va a trasladar al Renacimieto florentino a través de las manifestaciones del retrato privado (primera parte), una boda aristocrática (segunda parte), la devoción privada e iconográfica (tercera parte) y el estudio técnico del retrato de Giovanna (cuarta parte).


La exposición comienza con un plano de una vista general de Florencia, donde podemos apreciar las siluetas de la Catedral y de los distintos Palacios florentinos en los que se ubicaron las obras expuestas, y que de paso, nos dan una medida aproximada de la fortelza y el poderío económico de esta Ciudad-Estado, que en esta ocasión pivota entorno a la obra maestra y pieza estrella de la exposición, que no es otra que El Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni imagen icónica de la colección de pintura de los Maestros Antiguos del Museo Thyssen-Bornemisza y obra favorita del Barón Thyssen que compró en una subasta en 1935, después de que JP Morgan se desprendiera de ella, y a la que el talento de Domenico Ghirlandaio dota de unas inigualables dotes de belleza pictórica y poética sobrehumana pocas veces vistas en una obra de arte. Giovanna aparece de perfil, con la mirada perdida en el fondo, en una actitud de recogimiento, dignidad y pureza, que sin duda sobresale por el intenso color oro de sus cabellos y el cromatismo brillante de su vestimentas a lo que contribuye el fondo oscuro sobre el que está representada y del que resalta el cartel cuya traducción: ¡ojalá el arte pudiera reproducir el carácter y el espíritu!. En toda la Tierra no se encontraría un cuadro más hermoso, lo que nos da muestra de la relevancia de este retrato que Ghirlandaio tuvo que pintar a partir del anverso de una medalla.


Aparte de esta obra maestra del arte renacentista, en esta primera parte (salas 2 y 3), podemos contemplar otra serie de retratos claramente influenciados por el arte flamenco, sobre todo de mujeres y de perfil, en los que también podemos apreciar la evolución de la disposición de las figuras y del colorido elegido para representarlas, a cargo de artistas como Pero del Pollaiuolo y Sandro Boticelli aparte de Domenico Ghirlandaio.





En la salas 4 y 5, podemos ver el esplendor que rodeó a la boda entre Lorenzo y Giovanna (que se celebró desde el 4 al 7 de septiembre de 1846) con obras que se crearon para decorar y amueblar los aposentos privados de Lorenzo en el Palacio Tornabuoni, entre las que destaca, La Adoración a los Reyes, espectacular tondo circular, a las que hay que unir, las que ilustran la leyenda de Jasón y Medea.






En las salas 6 y 7, nos encontramos con una serie de pinturas, esculturas y manuscritos que representan imágenes de Cristo y de diversas escenas de La Virgen, que nos dan una visión del grado de refinamiento que alcanzó el arte florentino en el siglo XV, y la devoción privada de las familias más poderosas florentinas.

La exposición termina con un estudio técnico del retrato de Giovanna, en el que a través de diversas técnicas, se nos muestran los diferentes retoques y cambios que se produjeron en la pintura hasta su resultado final, como un proceso que recrea la propia vida que existe dentro de la pintura y de su afamada biografía, lo que nos parece decir, que el arte existe dentro del arte.

Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia, es un magnífica muestra de la pintura del Quatroccento que nos traslada a la belleza intrínseca del arte y de las familias opulentas florentinas, en la que tampoco falta sus buenas dosis de recogimiento.

NOTA: La exposición se puede ver hasta el próximo 8 de octubre y la entrada cuesta 8 €.

miércoles, 18 de agosto de 2010

TURNER Y LOS MAESTROS: UNA BATALLA PICTÓRICA


Lo primero que sorprende al vistante antes de entrar en la exposición sobre Turner y los Maestros, es el gran acierto de Moneo a la hora de disponer el hall de entrada, que recuerda sin mucho esfuerzo al del Louvre de París (pero sin pirámide), y que sirve de punto de encuentro y distribución de la gran pinacoteca madrileña. Por no hablar de la magnífica actuación llevada a cabo en claustro de los Jerónimos como muestra de lo que es una perfecta y equilibrada elección por las formas sencillas y los colores, y que sirven de magnífico colofón a la exposición que ahora nos ocupa.


En este sentido, si por un lado nos llama la atención el entorno en el que se encuentra situado nuestro último encuentro con la pintura, no lo es menos, comprobar que la exposición Turner y los Maestros es un excelso, a la vez que complicado y majestuoso ejercicio de comparación entre Turner y sus predecesores, y Turner y sus coetáneos. Lo que para todos aquellos que poseen como referencia de este magistral artista inglés, los innumerables y maravillosos cuadros, dibujos y grabados que con carácter permanente se exponen en la Tate Britain londinense, no dejan de ser una visión tan distinta como original de las composiciones pictóricas y artística de este maestro de la evanescencia.


Si bien, por otro lado, la exposición podría calificarse de ambiciosa en el sentido de su carácter marcadamente académico, y quizá elitista, al mostrarnos gran cantidad de artistas y períodos, pero sin duda, su belleza logra ganar la partida a la falta de conocimientos pictóricos comparativos a la hora de analizar cuadros y pintores, por la fuerza y la exigencia que en sí misma lleva la confrontación de lo que acaba siendo una batalla pictórica, donde no existen ni vencedores ni vencidos. Si acaso, nuestros sentidos sean los mejor parados de este encontronazo entre maestros de la pintura y salgan victoriosos y reconfortados por la variedad y la gran calidad de las obras expuestas en el Museo del Prado en esta exposición.

Turner y los Maestros se compone de 80 obras, entre las que hay que destacar pinturas de Rubens, Rembrandt, Claudio de Lorena, Watteau, Canaletto o Constable. Dentro de las 80 pinturas, hay 42 de Turner, de las que sobresalen del resto por ser consideradas obras maestras en palabras del comisario de la exposición Javier Barón, El declive del Imperio cartaginés, La tormenta de nieve, Aníbal y su ejército atravesando Los Alpes o las relacionadas con el Diluvio: Sombras y oscuridad y Luz y Color: la mañana después del Diluvio y Paz-Sepelio en el mar, que sirve de cartel a tan magna exposición.

Turner y los Maestros es una singular ocasión de apreciar la carrera de un gran artista, forjada en la constante comparación con los grandes clásicos que despertaron su interés como forma de aprender un oficio y acortar la distancia con la eternidad en el mundo del arte, donde de paso, se pueden establecer lazos más estrechos con el lado más paisajístico y renacentista de este maestro del color y la evanescencia.

lunes, 16 de agosto de 2010

MI REFUGIO O LA AUSENCIA DE PALABRAS


Mi refugio intenta ser un canto a la maternidad accidental y no deseada, ofreciéndonos un punto de vista diferente a la interminable lista de embarazos en los estrenos recientes, pero que sin embargo, se queda en un mero intento intimista y plástico de trasladarnos a una historia, donde lo que destaca es la ausencia de palabras, y en donde el espectador debe suponer no sólo diálogos sino también sentimientos.


En un principio podríamos pensar que la elección de la película como Gran Premio del Jurado del Festival de San Sebastián era suficiente carta de presentación como para ir a la sala de cine con una cierta seguridad a la hora de ver una buena película, lo que sin duda contrarrestaba que su estreno (al menos en España) fuese en pleno mes de agosto, donde las grandes ciudades se encuentran vacías de por sí, y apenas algunos curiosos se atreven a meterse en una sala de cine a ver una película y de paso refrescarse del intenso calor veraniego.

Mi refugio narra la historia de Mousse, que tras perder a su novio por sobredosis (ella misma es drogadicta) decide sacar adelante el embarazo que le comunican en el hospital donde ha sido ingresada pese a la oposición de la familia de su novio. Lo que en un principio parece va a ser una historia indolora sobre la pérdida y la superación, se transforma en el refugio de Mousse (Isabelle Carré) en el idílico País Vasco francés, donde su director, François Ozon nos presenta un entorno tan bello como los cuerpos de sus actores, pero lo resalta tanto, que no parece real.

En esta película, Ozon vuelve a mostranos cómo un personaje cambia a los que le rodean, y en este caso es Mousse (a la que Ozon retrata reflejada en espejos hasta la saciedad), la encargada de transformar el mundo de aquellas personas con las que se encuentra. Un encuentro frío y hasta tirante con Paul (el cantante Louis-Ronan Choisy) hermano de Louis remarca la supremacía de las imágenes sobre las palabras, y es el punto de inicio de una relación entre una embarazada drogadicta y un homosexual que quiere explorar otros mundos, como el de la paternidad o la búsqueda de la sensualidad de las embarazadas.

Si algo hay que poner en el haber de Ozon, éste es sin duda la forma en cómo nos muestra una sensualidad de la en ocasiones bellísima Isabelle Carré, embarazada de siete meses pero con un gran poder de atracción sobre los escasos hombres de los que se rodea en su refugio, dando paso a unas buenas dosis de sensualidad en el film.

Las interpretaciones tanto de Isabelle Carré como de Louis-Ronan Choisy se diluyen en su propia belleza, lo que en este caso les hace perder credibilidad, aunque en este tándem interpretativo, sale ganando ella, antiheroína arisca y sin palabras, que dará pie a un final sorprendente.


Mi refugio se queda a medio camino entre el drama intimista y la historia de la superación sin aflicciones, todo ello envuelto en una historia sin palabras.

jueves, 12 de agosto de 2010

CINCO MAGNÍFICAS PROPUESTAS ARTÍSTICAS PARA PERDERSE POR MADRID EN AGOSTO


A veces la confluencia de grandes muestras artísticas en un reducido espacio parece del todo imposible. Sin embargo, esta rareza en ocasiones se incumple, y en la actualidad y al unísono, se nos proponen cinco magníficas exposiciones, que hacen de Madrid un paso obligado y una excusa de primer orden para disfrutar de las múltiples y excelentes propuestas, que del mundo del arte universal, confluyen estos días en una caprichosa y no muy extensa línea recta.


La muestra estrella de este recopilatorio no es otra que la exposición Turner y los Maestros en el Museo del Prado, que se puede visitar hasta el 19 de septiembre, y en donde podemos disfrutar de la visión escapista y nebulosa de la realidad que le tocó vivir a un Turner, cuyo grueso de la muestra en esta ocasión, está representado por aquellas pinturas con un gran calado renacentista .


No muy lejos de allí, podemos disfrutar de la exposición Nuevos Realismos: 1957-62 en el Museo Reina Sofía, hasta el 4 de octubre próximo. Propuesta que recorre la reacción de una serie de artistas ante el expresionismo abstracto norteamericano o el informalismo europeo, como anticipo del arte pop que nos inundaría más adelante.


Un poco más arriba, podemos disfrutar de Federico Fellini, el Circo de las Ilusiones en el Caixa Fórum, donde hasta el 26 de diciembre, se pueden ver cerca de 400 fotografías, documentales, proyecciones de sus películas, comics, pósters publicitarios y dibujos de los sueños del magistral Fellini. Muestra que es una magnífica fotografía fija y un primer plano excepcional, de lo que fue la vida artística del cineasta italiano.


Unos metros más arriba, el Museo Thyssen nos ofrece hasta el 10 de octubre, la exposición Ghirlandiano y el Rencimiento en Florencia, como una magnífica oportunidad de recrearnos en la esencia del renacimiento florentino, con cuadros llenos de colores brillantes y líneas refinadas, que tienen como gran protagonsita al rostro de Giovanna degli Albizzi Tornabouni.


Siguiendo el eje Paseo del Prado Recoletos, llegamos al Paseo de la Castellana y a la Fundación Mapfre, que nos ofrece La Subversión de las Imágenes. Surrealismo, Fotografía y Cine, en un collage de multi expresiones artísticas que tratan de poner el acento en aquello que transgrede a lo moral y a lo burgués, sin otra intención que la de sacarnos de nuestro letargo colectivo y provocarnos sensaciones quizá olvidadas. El erotismo provocador de esta muestra, lo podemos visitar hasta el 12 de septiembre.

FEDERICO FELLINI: AMARCORD


El viaje al universo onírico de los recuerdos que nos propone Federico Fellini en su magistral película Amarcord es arrollador. A veces cercano al surrealismo de Buñuel y siempre próximo al reparto coral de Berlanga, este cineasta universal se deja llevar por la voluptuosidad de los sentidos y deja un marcado acento mediterráneo en toda su obra.

Amarcord carece tanto de una estructura lineal en el guión como de una concepción formal en la trama, pero contiene todos los extraños ingredientes de una obra maestra con mayúsculas en la infinita sucesión de imágenes que atesora, donde muchas de ellas, se encuentran cargadas de un lirismo ensoñador, ya sea éste empleado para mostrarnos las alegrías o las penas de unos personajes que se limitan a ejercer el difícil oficio de vivir en la Italia fascista de la década de los treinta.

La llegada de la primavera, sirve de inicio a esta aventura cíclica del pueblo costero de Borgo (alter égo del Rímini natal de Fellini) y dejándose llevar por mis recuerdos (traducción literal de la palabra Amarcord) el gran cineasta italiano nos vamos sumergiendo en una trama de ilusiones y tristezas, de anhelos adolescentes y de deseos tardíos e imposibles. Todo ello, recreado en una atmósfera cercana y para nada sensiblera, que refleja de una manera muy poética la realidad de todo un pueblo. Lo que dice mucho del gran guión escrito por Fellini y Tonino Guerra.

Personajes entrañables como el abogado, con el que Fellini rompe las estructuras clásicas del cine, pues le dota de la facultad de dirigirse directamente al espectador, y que de paso nos sirve de guía para documentarnos sobre la villa y las personas donde se sucede la trama; o ese motorista (¿el tiempo?) que raudo y veloz atraviesa la pantalla sin dejarse atrapar, configuran un reparto coral de actores entre los que cabe destacer a Titta Biondi (Bruno Zanin) y su familia, o a la Gradisca (Magali Noel) .

Pero de entre todas las escenas de esta genial película, cabe la pena destacar la inicial de la hoguera, donde de una forma tan sencilla como eficaz, Fellini nos presenta al grueso de su reparto; o esa otra sucesión de imágenes de los profesores de la escuela del pueblo, a cual más raro y extravagante, como queriéndonos decir que la cultura fuese cosa de pirados. Del mismo modo, que la influencia de surrealismo se deja sentir en la escena donde los barcos están esperando no se sabe qué, hasta que un majestuoso e impresionante transatlántico aparece iluminado entre la oscuridad de la noche, como si se tratase de un reflejo de las vidas que los habitantes no pueden tener; o la extraordinaria escena donde el abuelo sale a la calle en un día de densa niebla (¿al encuentro de la muerte?).

Las constantes alusiones a la sexualidad del universo felliniano, están muy presentes en Amarcord, baste si no citar la celebérrima escena de la estanquera con Titta, donde ésta le dice que no sople sino que le chupe sus pechos, sólo igualable en su filmografía, por la del beso no beso de La Dolce Vita entra la Ekberg y Mastroianni en plena Fontana de Trevi.


Un capítulo aparte, se merece la inigualable y caleidoscópica banda sonora de Nino Rota, con un tema central que recuerda en algunos acordes al de Doctor Zivago, cuando Lara va en busca de su amado a través de una petrificada meseta rusa. En este sentido, el acordeón o los violines de Rota, nos trasladan a ese mundo de fantasía que es Amarcord, y tiene la genial facultad de envolvernos su melodía en el imaginario colectivo, para que nunca más se nos vuelva a desprender de él hasta el final de nuestros días.


Voluptuosidad, grandeza, lirismo, decadencia, y sobre todo genialidad, rodean a esta obra maestra del cine contemporáneo.

jueves, 5 de agosto de 2010

COLECCIÓN METRÓPOLI: CUANDO EL DISEÑO SE CONVIERTE EN ARTE


Rodrigo Sánchez es el culpable, de que una buena parte de las personas que no son lectoras del diario El Mundo, al menos se hayan acercado a este grupo editorial, a través de su publicación de fin de semana La Luna de Metropoli. Y la razón de ello, no es otra que el poder inmanente de sus portadas. Todas ellas, son pequeños iconos de las múltiples realidades artísticas que han ido tomando vida en la ciudad de Madrid a lo largo de los últimos veinte años, y que le han valido a este Licenciado en Periodismo por la UCM de Madrid, para ser galardonado dos veces consecutivas con el premio, "Best of Show de la SND Society of News Design", considerado el Pulitzer del diseño.


Sus portadas no te dejan indiferente, y buscan la atención del posible lector de la publicación, para incitarle a abrir una a una las páginas de la publicación que representan de una forma tan inteligente como creativa. No en vano, sus portadas han sido valoradas como uno de los "25 Influential Moments in New Design".



La Colección Metropoli estará expuesta en el Instituto Europeo di Design - Fundación Diario Madrid, sita en la C./ Lara, 14 de Madrid (Metro: Tribunal o Bilbao) hasta el próximo 11 de septiembre, coincidiendo con la celebración de la Noche en Blanco de Madrid y la entrada es libre. Asimismo, las cien portadas más representativas de las dos últimas décadas, podrán adquirirse en librerías especializadas de arte y diseño de Madrid y Barcelona

La Colección Metropoli: dos décadas de imaginación en la portadas de una revista única, es una magnífica ocasión de saciar a nuestros sentidos de diseño convertido en arte con mayúsculas.